时间：2022-08-05 00:50:38
关键词：动画场景设计；视觉艺术；视觉研究
1影视动画场景设计的研究现状
经过多年的发展，影视动画已经形成了具有鲜明特征风格的多种动画种类，例如，以迪斯尼动画为主的美式风格动画、精致画风的日系风格动画、具有特色的韩国风格动画以及逐渐发展起来的中国式动画。人们熟知的《哪吒脑海》、《西游记》等具有代表性的影视动画在场景的设计中，将立体、抽象、表现等主义的绘画风格运用其中，加入了许多中国特色元素，增加了影视动画的趣味性，同时强调了中国动画的独有文化审美风格。宫崎骏的代表作《千与千寻》、《龙猫》等影视动画作品中动画人物造型独特、场景设计神秘而诡异，其色彩十分的丰富华丽，形成了独特的动画风格。动画场景设计相对于动画角色来说往往给人的印象并不深刻，许多人都会记着动画片中的主人公，很少对动画场景有极深的印象，这就导致场景设计在动画行业的重视度不高，在专业建设培养和理论的研究方面没有形成专业的体系[1]。目前，在我国影视动画场景设计领域存在缺少创新思路、认识不全面、过度重视视觉效果等问题。
2影视动画场景的视觉艺术
影视动画场景主要包括内景、外景和内外景三个方面，由物质要素（景观、建筑、道具、装饰等）和效果要素（光影、颜色、轮廓等）构成。其中物质要素需要效果要素进行准确的细节表现，效果要素是烘托场景氛围的直接视觉体现。场景设计能够表现出动画的主要故事情景，颜色和光影的效果表现能够体现动画制作的细节性，提升视觉艺术和视觉审美。场景设计是烘托动画作品氛围的主要表现手法，决定着一部影视动画整体艺术风格和视觉效果。
2.1场景设计合理性
场景的设计要符合剧情的发展以及故事的叙述风格，场景艺术的设计要建立在动画整体设计基础上，必须具备叙事、隐喻的能力，表现出空间关系，营造出环境氛围，在一定程度上刻画角色的心理活动。因此，在进行场景设计时要熟悉剧本，明确相关历史文化材料和历史特征，在满足文化背景的同时进行大胆的创新，确定动画的最终风格类型[2]。场景的设计要合情合理，根据角色的情绪和环境的氛围可适当进行突出的视觉表现，吸引观众的注意力。
2.2造型形式的独特性
每部影视动画都有属于自己的艺术风格，场景的造型形式是展示影片艺术风格的重要因素。因此，对造型形式的设计要根据剧本的需要和搜集资料的基础上，设立具有独特风格的造型表现形式。例如日本影视动画作品《樱桃小丸子》、《机器猫》、《蜡笔小新》之中的场景造型，都能明显的展现出这些动画在视觉艺术方面的造型形式，其简练的造型和明快的色彩组合，形成了独特的日系风格动画体系。
2.3造型语言的多样性
多种造型语言形成了不同的影视动画视觉艺术。漫画风格的造型语言，例如，《喜洋洋与灰太狼》中以刻画轮廓线为主的造型表现形式，色彩较为单纯，场景较为简洁；写实风格的造型语言，其中包括以自然物体为标准、在场景造型方面偏向写实自然，突出强调夸张后的光影效果以及着重表现真实的色彩，例如，日本人气影视动画《你的名字》中许多场景都是根据真实的场景进行绘制而成，在光影效果以及色彩搭配上也都展现的十分细腻，使观众对动画场景留下了深刻的印象，形成了一种超现实的视觉效果。
3动画场景的设计
视觉艺术是影视动画传递作者所看、所想以及所思的图像语言表现形式。场景的设计对影片的叙事、传接和抒情起到重要的作用。不同的动画需要掌握的场景设计手法也不尽相同。掌握传统文化，理解文化内涵，吸收文化的艺术造型特点，将民族文化的艺术语言运用在场景设计中，能够在继承传统文化的同时，掌握时代的特征完成场景造型的设计。场景中元素的造型可以分为写实和装饰风格。装饰风格更能体现作者的主观审美情趣，使画面充满强烈的艺术性和观赏性。在场景的设计上还应充分运用各种艺术方式，通过对景物的设计能够反映出角色的性格特征和心理活动，起到借物抒情的作用。利用高科技技术对场景进行渲染，拓展了动画的发展方向，使用三维软件制作场景和特效，使场景更具有空间感更接近现实生活，更能体现出动画丰富的视觉艺术效果。
参考文献：
[1]邹勇.论影视动画场景设计中视觉艺术的创建[J].大众文艺，2010(18)：45-46.
关键词:传统装饰艺术；视觉传达设计；民族文化
传统装饰艺术源于生活，源于传统，有着悠久的历史和深厚的民族底蕴，是与人们生活息息相关的一种艺术形态。早期工艺美术作品中的图案就已经具备了强烈的装饰意味，随着人们精神需求和审美意识的不断提高，传统装饰艺术更是成为了人们生活的一部分。作为一门独立的艺术形式，传统装饰艺术以其独特的视觉符号和深厚的文化内涵，重新引起了设计界的关注。特别是视觉传达设计，这门通过独特的视觉传播方式达到传达信息，并且与受众交流、沟通的目的的艺术学科，不仅要吸取和弘扬传统装饰艺术中的民族文化，更要挖掘传统装饰艺术中对现代设计有借鉴价值的东西。
追溯传统装饰艺术发展的渊源，它首先是人们为了生存而进行的造物的主观创造性活动，到后来为了审美需求而进行装饰创作，这是一个漫长的历史过程。在人类发展史上的各个时期，传统装饰艺术作品往往成为见证该时期文化、工艺和艺术水平的代表。并且，传统装饰艺术作品不论其形式如何，都融入了原始先民为生存而激发的全部感情，都体现出了生命的本能、生活的理想和原始文化的底蕴。[1]它不是纯艺术现象，但经过几千年的积淀与传承，传统装饰艺术在意识形态的转变和新技术浪潮的冲击下不断更新拓展，具有了自己鲜明的艺术特征，反映了民族文化的精髓。
在设计语言日趋国际化的今天，视觉传达设计由于本身所具有的对图形、文字等元素的高度概括和简约化特征而面临着设计风格一体化的尴尬趋势，这就对现代设计家提出了更高的要求。由于不同的国家和民族有着不同的传统，其人文风俗和文化底蕴也大不相同，所以，设计家们惊讶地发现，民族的东西是一种很好地区别于其它地域作品的设计语言。于是，一股回归传统，弘扬民族文化的设计思想席卷了整个设计界。不同国度和区域的设计家都在寻找最能反映其民族精神和文化底蕴的设计符号。作为有几千年文化积淀和传承并反映民族文化精髓的传统装饰艺术，它重新引起设计界的关注，并成为设计家们创作的灵感来源，也就不足为奇了。
首先，在对形的处理上，传统装饰艺术遵循“删繁就简”、“以简代繁”的原则，也就是用简洁的线条和规整的外形来表现各种自然形象。如兴起于我国民间的皮影戏和剪纸，其造型多采用简洁单纯的线面，着重表现自然物象的基本特征，它把一些立体的东西作概括化和平面化处理，具有视觉传达设计的意味。出土于西安半坡村仰韶文化时期的人面鱼纹彩陶盆就采用了几何图形的构成手法，将人面概括成圆形，头上的发髻和人面两侧耳部的小鱼都用三角形表示，眼睛眯成一条线，这种抽象化和几何化就是“删繁就简”的具体体现。在视觉传达设计中，提倡用最简洁的图形语言传达最丰富的思想内涵，其实也就是强调对图形的高度概括、提炼和简化，而西方更是注重几何和抽象的图形表达。这些现代设计理念，与传统装饰艺术中对形的处理观念是基本一致的，并且在几千年前就已经开始运用了。另外，传统装饰艺术由于有漆画、陶瓷、蜡染、刺绣、剪纸等多种艺术形式，其内容比较丰富，处理“形”的手法也就各具特色。所以，传统装饰艺术中对“形”的处理手法，很多都是值得我们视觉传达设计学习和借鉴的。其次，传统装饰艺术很注重形式美感，这种形式美感包括造型的独特性、排列的秩序感，画面空间的设计感和点、线、面等形式要素的组合关系。传统装饰艺术中，很多造型艺术本身具有很强的形式美，已经很讲究对称、均衡、比例、线条、色彩等带给人的审美情感。如陶器的造型就很讲究对称和均衡，上面的装饰纹样不仅很注重线条和块面的对比，色彩的搭配也很和谐。并且，还有很多由于机械有节奏的运动和通过重复的构成手法而创造的图案，具有强烈的秩序美。[2]在敦煌壁画中，随处可见用于装饰的各种卷草纹样和适合图案，尤其是藻井的装饰，纹样之丰富，装饰之繁琐可谓叹为观止，然而经过艺术家的合理安排，整个画面显得井井有条。二方连续在不断重复的过程中呈现出强烈的节奏感和秩序感，适合纹样处处彰显艺术家对画面空间的把控，各种视觉元素遥相呼应，虚实相生，并且画面中点、线、面关系处理到位，整体视觉效果统一。可见，传统装饰艺术中对形式美感的追求，就如同我们进行视觉传达设计时所考虑的画面构图和版式编排，目的都是为了形成强烈的视觉美感，从而唤起人们审美心理的愉悦。所以，传统装饰艺术中对形式美感的追求为我们视觉传达设计中的版式编排提供了参考的样本，具有较高的艺术价值。
再次，传统装饰艺术中的纹样往往具有象征意义，如盘子上的暗八仙，象征延年益寿；瓷器上的莲花寓意高洁；民间工艺美术里的葡萄、石榴以及百子图等象征家族繁荣，子孙众多；还有用龙凤表示吉祥如意，用蝙蝠直接表现“福在眼前”等等。[3]传统装饰艺术中的这种象征性与现代设计有异曲同工之处，如视觉传达设计中的标识设计就常采用象征图形来传达企业文化、发展方向或者管理理念等，海报设计中也常用具有一定象征意味的图形传达深刻的思想主题和文化内涵。传统装饰艺术所具有的博大精深的寓意性，对现代视觉传达设计来讲，具有重大意义。一方面，它为我们的设计提供了众多素材，丰富了我们的设计语言；另一方面，它为我们的设计提供了很多思考的切入点，对设计创意具有较强的指导意义；另外，它使我们在面对不同文化背景进行有针对性的设计时，能准确找到传达设计意图的最佳图形符号。所以，传统装饰艺术中的象征性是很值得我们关注的。
另外，传统装饰艺术在造型上采用的夸张和变形，在构图上采用的重复、发射、渐变以及色彩的对比与调和等处理手法，与今天现代设计中的图形语言和形式美的法则以及构成有异曲同工之妙，可见，中国传统装饰艺术对现代视觉传达设计来讲，意义十分重大。
正是因为传统装饰艺术有如此多的地方与现代视觉传达设计保持一致性，才在现代社会显示出了其特有的生命力。所以我们在设计中运用传统装饰艺术宣扬民族文化，弘扬民族精神的同时，更要不断挖掘传统装饰艺术对现代视觉传达设计有借鉴价值的东西。在设计中追求东西方文化的统一，追求传统与现代的统一，才能够在设计中既表现出民族的传统精粹，又使自己的作品更具说服力。
参考资料:
[1]伍毅志.传统装饰艺术在现代社会的价值[OL].中国装饰艺术网./Theoretical/ShowArticle.asp.ArticleID=772
关键词：艺术策展；视觉文化；文化立场；策展理念；策展模式
检 索：.cn
中图分类号：J0 文献标志码：A 文章编号：1008-2832（2016）12-0130-03
A Study of Art Curator in the Context of Visual Culture
HUI Guo-fu（Zhejiang Post and Telecommunication college ，Shaoxing 312016， China）
Abstract ：The modern times have entered the era of visual culture. In the face to the changes of the cultural context， it should be trying to construct native culture position in the discourse right of international art exhibition system. It should be always adhered to the independent academic character， and face the power of the image and technology to better serve the public. It should be fully integrated new media in the process of art exhibition ， building a new art exhibition situation and artistic interpretation platform.
Key words ：art exhibition； visual culture； cultural position； the ideal of art exhibition； the mode of art curator
Internet ：.cn
随着大众传媒发展和数字图像技术的进步，我们已经全面进入以图像审美和消费为中心的视觉文化时代。图像已经完全融入到我们的日常生活当中，“图像不但是丰富的文化符号资源，也成为了我们的生活方式，因为我们无法拒斥图像。”对比文本阅读，人类在生理感官上本能地倾向于视觉图像的欣赏，直观的视觉形象有助于消除认识水平、文化背景、知识技能所造成的认知障碍。图像技术本身的进步和互联网的发展为视觉文化的兴起创造了技术条件，都市化生活又为视觉文化的繁盛提供了社会土壤，并促使艺术审美大众化、娱乐化，各类视觉奇观和景象层出不穷，商品生产和消费的视觉化，“颜值”经济和各类扭曲价值观的真人秀节目堂而皇之登上大众传媒的中心舞台，虚假的视觉化幸福艺术充斥着人们的内心。更加令人忧虑的是西方价值理念和生活方式披着“现代和民主”的外衣，通过发达的影视文化工业和强势的媒介传播平台，形成了图像垄断和文化霸权，进而造成了新的文化殖民。为了应对这种文化侵袭，艺术策展面临着更为严峻的挑战，需要承担更加重要的任务，因为“随着当今艺术经济活动的强势发展，文化全球化的加强，艺术策展已经成为文化展示的话语机制，成为国家文化发展的重要战略”。本土文化话语权的建构需要艺术策展这个媒介平台。因为它连接着艺术和市场、现代和传统、本土和全球，担负着阐释艺术作品、塑造社会文化的使命。“策展行为是当代文化生产的有力助推”，所以艺术策展本身需要在文化立场、策展理念、策展模式作出新的转变和融合，才能够在视觉文化时代准确的阐释各种艺术观念和思想，引领时代文化，传达正确的价值理念。
一、建构本土话语权的文化立场
“中国当代艺术的发展基本是以展览为主的事件发展史，并且这种展览多以建构为主”，从早期的“星星美展”，到80年代“新潮美术”时期的“中国现代艺术展”，再到后来各类双年展，艺术策展总是站在时代前沿。它总是以前卫、叛逆、边缘化的策展理念促进了艺术的发展和民众审美文化意识的跃进和递升。但时至今日，随着民族文化意识觉醒，我们猛然发现代表西方思想观念的艺术作品和艺术行为并不仅仅是它们所宣扬的时尚和前卫，也是西方国家意识形态的重要表现形式。现有的艺术策展体系是从西方引入的，很多模仿自西方并且与本土文化审美极不适应的观念艺术、行为艺术、装置艺术、抽象表现主义艺术以视觉奇观的形式在各类艺术展览上大行其道，形成了新的视觉文化殖民。这些前卫艺术之所以产生在西方，是因为那里有着特殊的文化土壤和深层次的国家文化战略需求。以美国为例，它在战后大力提倡抽象表现主义艺术既是为了对抗苏联意识形态的文化战略需要，又能够消解以法国为中心欧洲传统经典艺术的文化优势地位。视觉文化时代流行的观念艺术、装置艺术和行为艺术代表了西方艺术家对当代社会和文化反思，但它们并不仅仅是单纯思想行为上反叛，更隐含着更深层次的国家意识形态和民众审美心理基础。
中国虽然是一个具有五千年历史的文化大国，但历经多次政治动乱和文化浩劫，本土审美传统已经基本被割裂，在一些领域甚至产生文化的断层。在现有的文化艺术领域对政治性因素、功利性因素、技术性因素的强调多于审美性因素。国内现有的教育体系对艺术教育并不看重，有很多学生参加美术高考明显带着投机心理，整体上缺乏美学素养和独立思辨能力，没有经历过各种现代主义艺术运动和思想洗礼，传统的学院教育主要教授古典写实主义，整个社会并不具备欣赏抽象艺术和观念艺术的能力。同时，中国近现代的历史屡次被外敌入侵，国家实力不行，文化艺术上缺少自信，容易被西方艺术形式和话语权误导。西方的艺术观念和艺术表现形式其实并不太适于阐释中国本土的文化现象和文化形态。很多本土的艺术家显然已经认识到这个问题，中国的当代艺术自2000年以后已经逐渐摆脱西方视角下的中国特征判断，正在逐渐形成个人叙事、社会实践、艺术实验、跨学科等不同以往的方法论。策展的实践和理念要反映这种变化，它并不是单纯的反对西方的文化殖民，反对全球化，策展理念同样需要国际化的视野，需要融入到国际策展话语体系里。但国际化的策展理念最终目的是要确立本土民族文化的话语权，为悠久的传统文化和多元的当代社会文化创造出自我展示和表达的空间。正如中国美院院长许江所说“在今天日益浓厚的跨文化的境域中，要重新确立对中国当代文化现实的独立的自我阐释的力量，必须找到可资重建和再造自我表叙机制的根源性的东西”。换个角度说，艺术策展作为文化阐释和价值观念表达的重要平台，有责任去传承优秀的本土民族文化，表达和展现本土社会的主流诉求和意愿，启蒙和培养正确的大众审美意识，提高社会整体的审美鉴赏力和思辨能力。
二、策展理念的坚守和转向
（一）正视图像和技术的力量
在传统的策展理念里，艺术策展要呈现的是“可视的艺术史”。但图像本身拥有神奇的力量。它在吸引观者注意力的同时，引发了作品与观者的互动交流。“艺术的对象也拥有主体性，在与制造它的艺术家相区别的能动性的意义上――一种迫使观看者以某些方式作出回应的能动性”。在“看”与“被看”过程中建构一个新的艺术情境，给了艺术作品和策展本身新的阐释空间和价值意义，如同中世纪偶像崇拜者所膜拜的图像“神性”。所以在策展理念上要正视图像本身自我阐释的权力和不同的情境变化带来的作品新价值。同时，对比文本图像更容易理解和感知、阅读，最终造成我们的生活的世界完全被图像所包围。这样的变化一方面对传统的策展艺术形成了挑战，另一方面也为策展提供了新的技术手段和艺术形式。比方说，2004上海双年展主题“影像生存”，由“影像”为主体和表现手段的作品构成了策展的主要内容。同时，策展可以借助于新的技术平台，现场的情景可以得到永久的展示，真正使得策展实现瞬时性和永恒性的统一。它可以多角度、多层次、多形式地展现艺术，给予观者全新的审美体验，彻底改变原有固定场馆的策展方式，为我们带来了新的可视的图像技术平台。
（二）坚守独立的学术品格
在图像主导的现代社会，商品消费的视觉化倾向和图像制作的泛滥，会对策展原有的艺术品位和学术价值形成冲击。再加上艺术策展形式虽然有官方策展、学术策展和商业策展，但很多艺术策展本身就带有艺术品营销的初衷，如像1992年广州双年展的策展模式就是“学术引领市场”，中国现有整个艺术策展机制存在着许多不足之处，坚持独立的学术品格就变得难能可贵了。国内也缺少大型的艺术基金会作为艺术展览的赞助人，没有像国外的基金会、艺术场馆、策展人联动的策展机制。似乎只要策展有赞助资金的支持，协调好复杂的社会人脉关系，堆砌陈列出一大堆艺术作品就是一个艺术展览。这样的艺术展览往往被经济利益左右，容易造成策展主导权的丧失而最终变得没有学术定位和艺术品位。“如果仅是将一些艺术家的现成作品凑到某一个展厅，参展艺术家作品之间又没有内在的关系，再起一个浮夸空洞的所谓学术的、时髦的题目，那就仅仅是一个展示而已”，这样艺术展览仅仅完成了作品展示和摆放，本身没有新的学术价值和文化意义。艺术策展重点还是在于“策”，它要呈现作品背后的思想内涵和文化语境。艺术作品在展览现场的“看”和“被看”过程中，可以形成一个新的艺术语境。同一件作品，不同的思考角度和现场情境会有不同理解和解读。艺术策展需要在展场空间重新诠释艺术作品本身的意义，并精心建构一个艺术情境，将展览需要阐发的学术观点和艺术观念以视觉欣赏和空间体验的形式完美的呈现出来。在展览现场需要富有学术性、思想性的策展理念引导着人们的观看方式和观看角度。策展本身也是新的艺术创作，它要能够预示新的艺术思潮或反思艺术本身，并具备独立的艺术精神。
（三）转向社会大众
当然，坚守独立的学术品格并不意味着闭门造车，艺术策展并不是仅仅面向原有的艺术圈子和学术象牙塔。在视觉文化盛行的当代，审美大众化是不可阻挡趋势，艺术本身的门槛也在不断降低。绘画、雕塑、插图、封面、设计艺术已和电影、电视、广告组成了当代新的视觉文化和图像艺术，我们有必要抛开原有关于高雅艺术与通俗艺术的等级观念。现有的图像技术可以使人们可以方便的进行视觉图像的制作、复制、消费。数字通信技术的发展更是方便了大众交流艺术审美体验。艺术展览作为各种艺术集中展示和传播的媒介平台，本身就是比较能够吸引大众关注度的视觉艺术形式。在视觉图像消费盛行的当代社会，艺术策展定位上要突破原有的艺术家、艺术批评家、艺术赞助人等组成“艺术生态圈”的藩篱，真正融入到整个社会的文化艺术生活中，完成从“话题制造者”到“文化引领者”转变。策展的理论与实践都是为了社会更多地认同当代艺术的操作方式，游戏规则和价值观。当代艺术的策展，指涉的是当下和未来的文化建构。它是社会大众接受艺术审美教育和提升文化修养的最好的媒介平台，通过策展理念的引导使得社会大众自觉的抵制各类视觉奇观的误导，提高艺术鉴赏力和审美判断力。它也是联系艺术家、艺术作品、社会大众的重要纽带，通过展览把艺术作品和艺术家思想观念全方位的呈现给社会大众。与此同时，展览现场观者经验和社会的审美反馈，反过来促使艺术家思考艺术作品和艺术行为本身。这是相互促进的过程，艺术作品的意义是由艺术家、观者、策展人共同塑造的。策展只有面向社会大众才能突破原有“艺术圈子”的话语权垄断、思维和行为方式的束缚，从“小众艺术”转变为大众审美。
三、融合新媒体的新策展模式
视觉图像技术的进步可以有效扩张艺术策展的影响力，计算机互联网和移动互联技术的发展又为艺术策展的传播提供新的媒介平台。艺术策展要善于利用各类媒体平台传播策展理念、传递展览信息。特别是像微信、微博、门户网站等新媒体平台，信息传递速度快，社会影响力大。以2016年春节在微信朋友圈广泛传播的“上海富家女和江西凤凰男”事件为例，虽然据报道是个假新闻，但短短几天时间就变成了全国关注的全民话题，引起了社会各阶层对乡村现状和城乡文化冲突的关注。对比一下，有多少人关注2015年度的上海双年展和它的策展主题“社会工厂”。出现这样的情况，一方面是因为策展的主题内容没有反映社会深层次问题，引起大众的共鸣，另一方面也是因为策展理念上不能顺应大众媒体需求或者说策展人不善于驾驭新的媒体平台。所以，策展人要善于利用新媒体，具备从整个艺术展览中寻找和挖掘“网红”题材和亮点的能力。
当代的艺术策展已经不是单单展示陈列艺术作品的时代了，艺术策展的叙事已经从“文本”主导转向“图像”话语。数字图像技术的发展使得“视觉图像”内容上更加丰富，更加富有表现力，更容易吸引民众的“观看”兴趣。新的媒体技术所构建的媒介平台，可以使得策展方式更加多样化。在“艺术生活化”“生活艺术化”“人人都是艺术家”时代，艺术创作本身既可以展览现场进行，吸引观众主动参与，也可以录制创作过程的图像，借助新媒体平台进行实时传播或现场展示。虽然通过融合新媒体并不能取代展览现场观者的情境体验，很多观念艺术、装置艺术也不适合这样表现。但这的确可以拓展艺术策展原有的时空边界，它可以为策展各个环节提供多样化的技术服务和展示媒介平台。
结语
视觉文化的全面盛行已经是一种不可阻挡的历史趋势，艺术策展作为视觉艺术和文化思想展现的媒介平台，如何全方位去展现这个时代的文化特色，是历史赋予我们的机遇和责任。如何引导人们深层次的反思社会文化，是我们应当承担历史使命。因为“策展人同时承担着当代艺术普及提高的义务和责任，否则当代实验性的艺术也就无从与公众产生互动变化的关系”。同时，图像技术进步和媒介传播平台赋予艺术策展新的表现手段和传播媒介。借助于新的图像技术和媒体平台，艺术策展的视野更加开阔，形式更加丰富。也为我们建构本土文化艺术的话语机制提供了新的技术条件和媒介平台。我们不是反对全球化，也不是文化保守主义，更不是妄自尊大，而是反对现有国际策展体系下，以西方文化和价值观为中心，塑造的所谓“中国文化特征”。在这个前提下，艺术策展需要展现中国传统和经典的艺术，展示本土当代艺术的发展脉络，预见未来艺术的发展方向。
参考文献：
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一、汉字的视觉艺术价值体现
1.图形艺术价值
在汉字的创造过程中，其造型艺术就伴随着中国艺术以形写意、以意表情观念的成长而成熟起来，成为字画同体的一种独特的造型艺术体系。于是，先人很注重“形”与“意”的结合。因此，汉字绘形绘意的信息效果十分强烈，具有图形的基本特征。同时，从符号学原理分析，汉字是一种符号，是一种特殊的平面图形设计。由于汉字演变至今已变得十分抽象、洗练，所以将汉字承载着的原始信息还原出来的过程本身，即是一种特殊的思维过程，又是一种特殊的平面图形设计。这种还原的结果不是文字，而是一种加入人的思维的奇妙产物，一种特别的平面图形。因此，汉字具有图形艺术价值。
2.意象艺术价值
所谓意象，就是客观物象经过创作主体独特的情感活动而创造出来的一种艺术形象。简单地说，意象就是寓“意”之“象”，就是用来寄托主观情思的客观物象。中国自古以来就非常注重“意”，把对一切美好事物的最高追求都定义为达到“意”。而汉字是一种表意文字，其形态始终与其意义纠结在一起而无法摆脱。所以，它的形成本身就蕴涵着意义。
中国的汉字具有的意象特征在于中国人对物象长期的观察，使用符号形象对物象的再现。这一再现的过程并非镜像式的，而是渗透了人类的情感和价值的判断，汉字的形体和象形结构中已具有抓住事物主要特征加以再现的表现因素。也就是说，无论在琴棋书画的艺术表现上还是工艺制作的评判上，意象都可以视为“理解、领会、传达”，也就是主体对客体形象思维的传达。由此可见，汉字的字形和语义直接发生联系。所以，汉字就摆脱了一般文字对语言的依附性，而成为一个相对独立的信息传载体系，在发展过程中形成了一种相当特殊的意象艺术价值。
3.气韵艺术价值
就汉字本来的意义而言，气是弥漫无形的，韵是节奏，气韵就是一种整体的节奏。如何理解汉字的生动的气韵艺术价值呢？笔者认为有两层含义：一是指栩栩如生而有神采。“气韵”也可称为神韵、意韵等，指精神上展现出的独特气质与性格。它将对艺术的理解、对生命的体味，凝结成一种气势，贯注于汉字之中，从而赋予它生气盎然的生命感，这样的艺术能引起观赏之人的无限遐想。二是指汉字表现出来的态势和气氛。“势”能传达整个汉字的精神，结构仅仅是汉字运笔的依据，其字体个性形态的形成还是靠其“笔不到而意到”的笔势，从而体现汉字生动的气韵艺术价值。
二、汉字的视觉艺术价值在现代设计中的应用
从汉字视觉艺术价值体现来看，文字是视觉传达中构建、传递信息的元素之一，同时也是产生图形的元素之一。因此，汉字的视觉艺术价值在设计中具有双重作用，文字的力量在设计中不但没有减弱，而且进一步加强并与设计版面中其他构成元素共建互动界面，成为传达信息与深化概念不可或缺的视觉要素。
在现代设计中，汉字的视觉艺术价值主要应用在以下几个方面。
1.利用图形化的汉字作为现代设计中的图形元素
汉字是平面设计的重要元素之一，具有指示、说明的识别作用。在平面设计中，通过汉字的图形化可进一步扩大其功能，单纯的图形因为汉字的加入而极大地丰富了设计的语言。汉字的图形化是由字形到图像的设计，在视觉呈现上以汉字为主，在汉字的基础上根据不同的需要，依据汉字的内容含义，抓住字面所能代表的典型形象，把具体的汉字进行加工、夸张、变形，或者用物象或抽象符号替代汉字的原有笔划，将物象与汉字融合在一起。这样设计出来的标志，不仅能够保留传统艺术的神韵，而且带有鲜明的时代特征，并且能充分地表达标志所蕴涵的理念与个性，使其更具生动性和趣味性，给人印象深刻，更好地发挥其传达信息的功能，又增添了艺术性和欣赏性。
例如“中国银行”的标志设计，作者使用了中国特有的古钱币作为标志的主体。看到这样的圆形方孔的钱币，自然会联想到中国。一个“中”字也代表中国之意，竖笔在“口”字中间断开，一个正圆包围，整体形成了古代圆形方孔钱，暗喻货币流通的意思。设计简洁凝练、识别性强。
2.利用意象性的汉字作为现代设计中的象征元素
视觉艺术必须通过对客观事物表象的理解进而达到对人文思想层面反思的高度，才能体现出价值。在现代视觉艺术设计领域，汉字作为一种视觉审美的构成“元”，在漫长的历史发展中，凝聚了丰富的视觉形象和象征意义。我们不能忽视汉字本身所具有的意象价值。因此，当视觉传达在近代成为一门独立学科，而汉字作为一种更富含义的载体出现时，我们越来越感到了它的重要。人们应当确定汉字所负载的象征意义，使汉字原来的被动意义巧妙地转化为主动意义，并将其更多更好地运用到现代设计当中去。巧妙地利用汉字本身具有的以形表意、以意传形的特征在标志设计中具有重要的意义，有时可以利用汉字笔画的增加、减少、变形等方法来达到设计的目的。
例如，中国香港“荣华饼家”标志中的牡丹花和明月是在国内注册的商标，经过修改、强化、重新造型后的牡丹花，象征着富贵吉祥，给人雍容华贵的感觉，与明月配合起来就有了花好月圆的吉祥意味。“荣华”是在中国香港注册的商标，二字由简单的黑色线条构成，其笔画有很多不规则的弧线，好像牡丹花的花瓣，同时也寓意富贵吉祥。牡丹明月、“荣华”变体字相得益彰，充分体现了设计者的精巧构思。
3.利用气韵式的汉字作为现代设计中的节奏韵律
节奏韵律是现代平面构成设计中提出的构成法则。标志设计中“节奏韵律”通常指图形所蕴涵的气韵及其所表现出来的态势和气氛，能传达整个图形的精神。时下的汉字艺术设计普遍追求开放性的视觉感染力，如以各种手法解构汉字的可读性，或巧妙构成语言，使可读性游离于是非之间。将久已不用的古字赋予新意，或以偏旁、笔画的组合，制作出新时代的新字。另一方面就是运用计算机将汉字制作出不同凡响的效果，或设计出视觉的无序与混乱，如错版的叠印效果，形成各种视觉效果，如跳跃感和空间感。在设计版面时，应利用文字去获得节奏和韵律的美感，传达出良好的视觉效果。
例如，北京2008奥运会会徽，主体为上部大红底色的白色“京”字图形，约占整个会徽的3/5。“京”字，其形状酷似汉字的“文”字。整个“京”字图形为一个向前奔跑之“势”迎接胜利的运动人形。它表达了2008年奥运会的主题，将中国具有5000多年历史的印章和书法等艺术形式与体育运动特征结合起来，巧妙地幻化成一个向前奔跑、迎接胜利的运动人形。这一设计凝聚了中华民族优良的传统文化的神韵。
总之，加强中国汉字视觉艺术价值的挖掘，并注重汉字与视觉艺术相结合，加强汉字视觉艺术价值在现代设计中的应用，不仅使现代设计在形式上呈现出具有中国视觉化的表现形式，也可促使中国化的视觉艺术设计在世界产生影响。
参考文献：
[1]加纯华，张思望.汉字与视觉艺术设计[J].榆林学院学报，2009（5）.
涂鸦装饰的视觉语言
从最早的古罗马时期开始，一直到1960年的现代城市涂鸦开始大行其道， 如今涂鸦艺术已经演变成为HIP-HOP文化的四大元素之一，风靡全世界。涂鸦艺术的发展可谓与时俱进，这与历代的涂鸦艺术家的传承和发展密不可分。在弗兰克・莫尔特所著的《如何创作涂鸦艺术》研究，其表现形式大致可分为：二维平面涂鸦、狂野风格（wild style）、3D立体涂鸦三种风格。这三种风格由简到繁，表现形式也越加复杂。
二维平面涂鸦是比较传统的涂鸦形式，风格多以二维的、平面的形式出现，同时也是最为经典的涂鸦表现形式；狂野风格（wild style）顾名思义这是一种非常有张力的表现形式，在传统图形的基础上字母与字母之间有着更为夸张的变形和走向，穿插更为复杂，同时还有大量的箭头作为装饰；3D立体涂鸦是在传统的基础上变为立体的造型，运用不同的色彩和阴影来凸显字体的立体感，字体之间相互的叠加关系更加明显，是当下最为流行表现形式。以上的三种涂鸦表现形式当中，艺术装饰语言始终贯穿其中，最核心的内容是字体，依靠字体的变形作为整个涂鸦作品的骨架。装饰元素包括传统的点、线、面元素在内，如：圈点、三角形、气泡、星形箭头等；还有比较流行的肖像绘制、场景绘制，使得整个涂鸦作品能够更好的营造气氛，达到装饰的目的。
1.涂鸦装饰视觉语言中“点”的作用
涂鸦视觉语言中的“点”是最基本的元素，点所发出的信息是多变的，不同大小、颜色以及疏密程度都能形成不一样的视觉效应。可以起到吸引目光的作用，分布在画面周围的点会像闪烁的星星一样吸引我们的目光去注意它们。在涂鸦视觉语言中的“点”是出现最多的装饰元素，给整个画面形成了一种跳动的韵律。通过疏密的安排，把节奏更好的运用到涂鸦装饰中，从而给观者带来美的享受和愉悦的心理感觉。
2.涂鸦装饰视觉语言中“线”的作用
涂鸦装饰中的“线”元素主要起到分割和连接的作用。直线大多用来分割空间，一个颜色通过线的分割划分为不同的区域，在视觉上的变化更加丰富。曲线则是运动的线，流动的线条形成了一个透气的面。涂鸦中的线出现多是直线与曲线的混合运用，线与面的结合让画面更加灵活并丰富了画面的层次感。产生远看是面，近看则为线的心理效应。
3.涂鸦装饰视觉语言中“面”的作用
涂鸦装饰中的“面”元素是最富有表现力的视觉语言，以大面积的色彩来填充，带有颜色的曲线，运动后形成了填充颜色的面。不同面之间可以相互叠加和交叉，面与面之间的关系可以概括为：分离、相遇、重叠、透叠、差叠等几种形式，通过形式美法则，不同形状、不同颜色的面会形成对比和衬托，凸显整体画面的效果。同一颜色的面给人统一、完整、充实、饱满的感觉；不同颜色的面给人活跃、多变、刺激的感觉。
涂鸦装饰艺术的构成
1.涂鸦装饰艺术的图形构成
涂鸦装饰艺术的图形大致可以分为抽象图形和具象图形两种形式：抽象的图形是指，通过变形和装饰使得画面呈现为难以辨识的图形，看后很难解读其中的含义，但正是因为如此，才更能激起观者的求知欲，对图像的印象会更加深刻；具象的图形是指，具体的、容易识别的图形形象。多数为卡通形象或者人物肖像、动物肖像、场景绘画等等。具象的图形在特定的场合会营造出特定的意境，让观者在观看涂鸦作品的时候更容易被带入到某种情境中去，更富有感染力。
（1）抽象的图形
抽象的图形内容大多是字体变形，结合形式美法则，从简单到复杂的过程。文字所能传播的信息更为深远，观者在不同时间、不同地点，多次看到同一个字体的时候，这一字体就被符号化了，成为了一种标记。当符号出现在公共空间中时，观者和符号之间会有互动，这不同于在画廊或者美术馆去欣赏艺术作品，而是直接出现在我们人人都需要的公共空间中，大大提升了符号意义的传播效应，同时起到了丰富公共空间的作用。
（2）具象的图形
具象的图形主要是以卡通、人物及场景表现为主的图形。卡通图形是出现最多的具象图形，卡通与涂鸦字体作为最标准的搭配形式出现在全世界范围内的涂鸦作品中，迪斯尼动画出品的米奇和兔八哥等卡通形象是出镜率极高的。另外伴随着越来越多的写实作品出现在涂鸦艺术中，这些形象大多诙谐有趣并具有娱乐性，这都为公共空间的装饰添加了乐趣。可以想象在经常走过的路口，突然出现了一只色彩斑斓的飞鸟，想必生活在这里的人们肯定会眼前一亮，并很有兴致的谈论这幅画的内容。
2.涂鸦装饰艺术的色彩构成
涂鸦艺术的发展时期与波普艺术的发展时期相近，二者之间有着相互影响的作用，用色较为相近，多以色彩艳丽、对比明显的颜色形式出现。补色对比可以说是涂鸦艺术中的一大亮点，多以补色之间的高强度对比来突出主题和区分背景。追溯到上世纪80年代的涂鸦用色大多是红、黄、蓝三原色为主题颜色，配合上黑、白两种颜色来作画。涂鸦的主要绘制工具是喷漆，因此喷漆的颜色数量决定了作品中的色彩是否丰富。如今涂鸦喷漆颜色的数量大概有60多种，从高明度的到高级灰的颜色应有尽有，艺术者们所创作的作品自然也是越来越精彩。
在色彩的运用上大致可以分为冷色、暖色以及灰色三个方向。这三种色彩倾向所传达给观者的感觉也有所不同。暖色系给人的感觉是热情、感性、饱满的，能够带动人的情绪，配合动感的卡通形象以及富有韵律的字体设计，整个的画面所传达出的情绪是热情洋溢的；相反，冷色调则是冷静、理性、深邃的，给观者理性的思考空间，画面上的情绪没有那么热烈和躁动，更多的是恬静、平和的气氛；灰色调的整体感觉是沉稳、内敛的，给人的感觉既不像暖色调那样强烈、刺激，也不像冷色调的冷静、平缓，更多的是趋于平衡的一种视觉感受，给观者最为舒适的色彩语言。
涂鸦视觉语言的心理效应
作为一种先锋艺术，涂鸦作品给人的感觉是鲜明的、强烈的，如同它的色彩一样热烈。涂鸦传递给大众的视觉语言所产生的心理效应也是新奇的、即兴的、自由的、富有创造性的感觉。图形的张力和色彩的冲击都赋予了涂鸦艺术与众不同的魅力，涂鸦艺术作品背后所起到的心理作用已经不同于以往暴力的、不文明的暗示，更多的是积极的、幽默的、带有正面能量的心理暗示。英国的涂鸦艺术家BANKSY的作品就有很多关于政治讽刺和反战运动风格的涂鸦作品，它的作品诙谐幽默，让人容易接纳和认同并且引起共鸣，即便是来自不同文化背景的人，也能被他那种风趣的图画引得开心一笑。与此同时也会思考作者所要传递的理念，调动观者的想象力，与涂鸦作品之间形成一种交流，渐渐的大家开始期待涂鸦艺术的出现。一幅富有创意的涂鸦作品会引发观者的兴趣，细心揣摩和品位其中的奇思妙想，形成一种积极的心理作用。这种积极的心理作用会影响着每一位观者的思想，在无形中形成一种动力，充实着人们的精神世界。
随着涂鸦设计的广泛应用，这种不同于以往传统的设计风格，给观者带来一种全新的视觉体验。它所传递的是诙谐、幽默、没有距离感的设计，这样的设计才会被更广泛的人群所接受。另外涂鸦的室外作品，往往出现于破旧或者废弃的墙面上，涂鸦作品的出现仿佛使得这些破旧的墙面重获新生，变得与众不同，让原本无人问津的墙面变得格外有魅力，是能够带来欢乐的艺术形式，其必然会引领艺术设计的发展趋势。
结语：涂鸦艺术漂洋过海来到中国，其发展必然要与中国的文化相融合。现如今已经有越来越多的中国涂鸦艺术家开始把它“东西合璧”，将汉子用涂鸦的语言形式表现出来，让我们的象形文字更加具有魅力。期待在中国大地上会有越来越多具有文化内涵的涂鸦作品出现，取其精华、去其糟粕，把博大精深的中华文化与现代涂鸦艺术相结合，让更多的人加入其中，感受这种艺术形式的魅力，这才是涂鸦艺术家们应该思考的问题和今后的发展方向。
摘 要：本课题主要从色彩的物理心理学、色彩心理的生理机制、色彩心理学等方面入手，搜集了丰富的资料比较全面、深入、整体的研究色彩物理成因。色彩的生理机制以及色彩的感知、联想、象征等色彩认知过程。将色彩心理学理论紧密结合视觉艺术。来提高色彩的欣赏能力与创作能力。
关键词：色彩心理 视觉艺术
色彩心理学和美术心理学在一些发达国家已相当成熟，他们的色彩从业者是专门的职业细分，而不是由设计师取代。日本是世界上美术心理学发展最好的国家之一，美国、英国等国家的艺术院校都拥有相对成熟的教学经验，美术心理学和色彩心理学在基础绘画、建筑及室内设计、广告和服装设计等各个行业。色彩心理学以及它所创造的巨大价值早已被西方高度重视并运用到艺术创造的各个领域。
一、色彩的物质性心理错觉。
色彩的直接心理效应来自色彩的物理光刺激对人的生理发生的直接影响。
心理学家的实验。一再的证明了。在红色环境中，人的脉搏会加快，血压有所升高，情绪兴奋冲动。而处在蓝色环境中，脉搏会减缓，情绪也较沉静。颜色也同样能影响脑电波，脑电波对红色反应是警觉，对蓝色的反应是放松。
冷色与暖色是依据心理错觉对色彩的物理性分类，对于颜色的物质性印象，大致由冷暖两个色系产生。波长长的红光和橙、黄色光，本身有暖和感，以次光照射到任何色都会有暖和感。相反，波长短的紫色光、蓝色光、绿色光，有寒冷的感觉。而所谓的冷暖的感觉，并非来自物理上的真实温度，而是与我们的视觉与心理联想有关。
二、颜色表情
色彩本身是没有灵魂的，只是一种物理现象。
人类一直以来都运用各种表达方式来描述感受自色彩的情绪。这是因为人们长期生活在一个色彩的世界中，积累着许多视觉经验，一旦知觉经验与外来色彩刺激发生一定的呼应时，就会在人的心理上引出某种情绪。
所以。无论有彩色的色还是无彩色的色，都有自己的表情特征。
红色
红色是强有力的色彩，是热烈、冲动的色彩。
伊顿教授描绘了受不同色彩刺激的红色。他说：在深红的底子上，红色平静下来，热度在熄灭着；在蓝绿色底子上，红色就像炽烈燃烧的火焰；在黄绿色底子上，红色变成一种冒失的、莽撞的闯入者，激烈而又寻常；在橙色的底子上，红色似乎被郁积着，暗淡而无生命，好像焦干了似的。
橙色
橙色的波长仅次于红色，因此它也具有长波长导致的特征：使脉搏加速，并有温度升高的感受。
橙色是十分活泼的光辉色彩，是暖色系中最温暖的色彩，它使我们联想到金色的秋天，丰硕的果实，因此是一种富足的、快乐而幸福的色彩。
橙色与蓝色的搭配，构成了最响亮、最欢快的色彩。
黄色
黄色是亮度最高的色，在高明度下能够保持很强的纯度。
黄色的灿烂、辉煌，有着太阳般的光辉，因此象征着照亮黑暗的智慧之光；黄色有着金色的光芒，因此又象征着财富和权利，它是骄傲的色彩。
黄色最不能承受白色的侵蚀，这个颜色的渗入，黄色便会轻易的失去光辉。
绿色
鲜艳的绿色非常美丽，优雅，特别是用现代化学技术技术创造的最纯的绿色，是很漂亮的的色。
绿色很宽容、大度，无论蓝色还是黄色的渗入，仍旧十分美丽。
黄绿色单纯，年青；蓝绿色清秀、豁达。含灰的绿色，也是一种宁静、平和的色彩，就像暮色中的森林或晨雾中的田野那样。
蓝色
蓝色是博大的色彩，天空和大海着最辽阔的景色都呈蔚蓝色，无论深蓝色还是淡蓝色，都会使我们联想到无垠的宇宙或流动的大气，因此，蓝色也是永恒的象征。
蓝色是最冷的色，使人们联想到冰川上的蓝色投影。
紫色
波长最短的可见光是紫色波。
通常，我们会觉得有很多紫色，因为红色加少许蓝色或蓝色加少许红色都会明显地呈紫味。所以很难确定标准的紫色。
歌德说：“这类色光投射到一副景色上，就暗示着世界末日的恐怖。”
黑、白
我们曾经说过，无彩色的在心理上与有彩色具有同样的价值。
黑白所具有的抽象表现力以及神秘感，似乎能超越任何色彩的深度。
灰色
在色彩世界中，灰色恐怕是最被动的色彩了。
灰色是彻底的中性色，依靠邻近的色彩获得生命，灰色一旦靠近鲜艳的暖色，就会显出冷静的品格；靠近冷色，则变为温和的暖灰色。
灰色意味着一切色彩对比的消失，是视觉上最安稳的休息点。然而，人眼是不能长久地、无线扩大地注视着灰色的，因为无休止的休息意味着死亡。
三、色彩使时间变快或者变慢
色彩使时间变快或者变慢，色彩可以使人的时间感发生混淆色彩具有不可思议的神奇魔力，会给人的感觉带来巨大的影响。例如，色彩可以使人的时间感发生混淆，这是它的众多魔力之一。人看着红色，会感觉时间比实际时间长，而看着蓝色则感觉时间比实际时间短。请两个人做一个实验，让其中一人进入粉红色壁纸、深红色地毯的红色系房间，让另外一人进入蓝色壁纸、蓝色地毯的蓝色系房间。不给他们任何计时器，让他们凭感觉在一小时后从房间中出来。结果，在红色系房间中的人在40~50分钟后便出来了，而蓝色系房间中的人在70~80分钟后还没有出来。有人说，这是因为红色的房间让人觉得不舒服，所以感觉时间特别漫长。确实有这个原因，但也不尽然。最主要的原因是人的时间感会被周围的颜色扰乱。在青白色的荧光灯下，人会感觉时间过得很快，而在温暖的白炽灯下，就会感觉时间过得很慢。因此，如果单纯出于工作的需要，最好在荧光灯下进行。白炽灯会使人感觉时间漫长，容易产生烦躁情绪。反之，卧室中就比较适合使用白炽灯等令人感觉温暖的照明设备，这样会给主人营造出一个属于自己的悠闲空间。
对于学习艺术设计专业的高职院校学生而言,如何培养他们对于艺术和心理两者之间的感知能力以及如何激发他们的创造性思维和实验性精神,是我在近几年教学过程中始终思考和研究的课题。对于如何将设计课程融入新颖的训练元素,让学生更加热爱艺术设计,是我在做课程设计的指导性目标,希望将好玩的实验性训练方式和基础的设计理论相结合,坚信“开心时学到最多”的理念,让学生在愉快的艺术实验中学习知识。以下是我设计的关于艺术视觉与心理两者的探知实验性训练课题,旨在鼓励学生对艺术和心理的探索与领悟,并能运用到自己今后的设计实践中去。
一、视觉平衡的掌握训练
(一)课题阐述
视觉平衡不同于物理平衡,因人的眼部生理构造的特殊性,对于物体除了在视网膜上形成影像外,大脑视觉处理中枢会对图片组成进行二次处理,以达到视觉上获得图形信息的快感,某部分快感来自于平衡感的形成,因此本课题着重训练平衡感。
(二)作业步骤
1.由教师选取和提供四至五种几何造型或具体产品造型图片,让学生进行观察。
2.要求学生在一张纸上采用拼贴或者透叠等各种组合方式,使其达到一种画面的平衡,即视觉上的平衡感。
(三)训练要点
着重训练学生对于视觉平衡的感知能力。
(四)媒介
书本、报纸、网络和其他媒体、相机、纸张、笔,构思创作材料不限。
(五)作业技法
主要采用拼贴和透叠等制作技法,可辅助以手绘等其他擅长的表现技法。
(六)解题方法
1.学生需要对教师提供的若干张几何造型或具体产品造型图片进行观察和比较,选取自己喜欢或感兴趣的图片进行仔细观察,然后进行分析、拆分或解构等。
2.对这些已有资源进行构思、延伸、提炼和变化,运用拼贴或者透叠的组合方式,可辅助运用手绘的表现技法,创作充满创意的作品,力求使画面达到视觉的平衡效果。汇总后裱贴好,进行展示。
3.创作思考引申,思考其在具体的设计中的应用。这部分不做具体深入,只做思考和想象,也可以是自己认为哪些设计可以改变,运用上自己的作品或者部分元素。
二、印象捕捉能力及还原能力训练
(一)课题阐述
视觉对于物体的信息捕捉倾向于简单化及规则化,即一个不规则图形在被观看的过程中很容易被观看者分割成普遍认知的规则形状或自己熟知的形状以方便记忆,因此造型简单的物体比复杂的物体更容易让人印象深刻。以时下流行的简约风格为参考方向,培养学生对于关键造型及关键点的敏感度。复杂部分的练习可在之后进行,毕竟简约和复杂都有各自的欣赏人群,也必须明确简约不等于简单。
(二)作业步骤
1.选四张简单的几何造型图片或普通图片,内容简洁明快、色彩鲜艳为主。
2.每张图片给学生三至五秒的观看时间,要求学生重新还原这四幅图。
3.选四张复杂的几何造型图片或普通图片,内容以丰富和色彩鲜艳为主。
4.每张图片给学生五至十秒的观看时间,要求学生重新还原这四幅图。
(三)训练要点
印象捕捉能力及还原能力。
(四)媒介
书本、报纸、网络和其他媒体、相机、纸张、笔,构思创作材料不限。
(五)作业技法
表现手法不限,抽象线描、大色块涂鸦等技法均可,只求还原原图的大体效果。
(六)解题方法
1.学生需要对教师提供的四张简单(或复杂)的几何造型图片或普通图片在非常短暂的时间内进行观察和感知,并记忆直观的视觉感受;
2.将瞬间记忆映射于大脑皮层中的图形影像进行强化记忆,随后进行分解和概括,在此过程中力求保持原图形的特点和大致感觉,之后运用自己所擅长的手法,使用抽象线造型或者大色块涂鸦的技法,力求还原原图的大体效果,创作出充满创意的作品。汇总后裱贴好,进行展示;
3.创作思考引申,思考其在具体的设计中的应用。这部分不做具体深入,只做思考和想象,也可以是自己认为哪些设计可以改变,运用上自己的作品或者部分元素。
三、线条及装饰纹样的训练
(一)课题阐述
线条本身具有其张力,单一的直线(多条直线)及单一曲线(多条曲线组合)各有魅力,可参考文艺复兴时期米开朗琪罗改良设计的罗马柱,原本直角的造型在修改成曲线组合后,其“定向转换”原理得到充分发挥,令柱体充满动势。
本课题旨在培养学生对线条和线性装饰纹样的感知。
(二)作业步骤
以花瓶作为主体,搜集不同花瓶的形态,以线描于图纸的形式交作业。
(三)训练要点
体会不同线条的视觉效果及装饰条纹(花纹)对整体造型的影响。
(四)媒介
花瓶、相机、纸张、笔,构思创作材料不限。
(五)作业技法
根据自己擅长选取各类线造型的表现技法。
(六)解题方法
1.学生首先需要通过各种媒介和途径,寻找到生活中各种形态的花瓶,进行观察和归纳。可到图书馆等场所查找相关图书的内容,选取一些自己感兴趣的图片进行采集,然后分析其特点等。
2.对这些找到的花瓶实物上的线构成和线性纹样进行构思、延伸、提炼、变化,创作出自己的纹样作品,汇总后裱贴好,进行展示。
3.创作思考引申,思考其在具体的设计中的应用。这部分不做具体深入,只做思考和想象,也可以是自己认为哪些设计可以改变,运用上自己的作品或者部分元素。
四、突破常规约束的左手创造性训练
(一)课题阐述
偶然性是指事物发展、变化中可能出现也可能不出现,可以这样发生也可以那样发生的情况。偶然性和事物发展过程的本质没有直接关系,但它的后面常常隐藏着必然性。科学的任务就是要透过复杂的偶然现象来揭露事物发展的客观规律,即必然性(与“偶然性”相对)。
该课题让学生用左手(如是左撇子即用右手)创造一幅图,体会一下偶然性创造的不规则线条的美感,突破规则线条的约束。
(二)训练要点
突破常规束缚,寻找和创造偶然。
(三)媒介
相机、纸张、笔,构思创作材料不限。
(四)作业技法
完全手绘,可借助电脑手绘板。
(五)解题方法
1.学生首先需要摆脱规则的束缚,尝试用左手(如是左撇子即用右手)握笔进行随意的创作。
2.体会在摆脱常规性束缚之后得到的意外的创作作品和感受。汇总后裱贴好,进行展示。
3.创作思考引申,思考其在具体的设计中的应用。这部分不做具体深入,只做思考和想象,也可以是自己认为哪些设计可以改变,运用上自己的作品或者部分元素。
五、“图”与“地”的关系训练
(一)课题阐述
在视觉心理上,把视觉对象从其背景浮现出来,而让我们视认到的物叫做“图”,其周围之背景叫做“地”。“图”与“地”间其形、色、明度必须有些差异,我们才能视认其存在。在绘画和广告作品中经常会出现主体与背景交待含混不清,难以辨认的情况。
本课题就是专门针对这类问题进行训练,背景处理得好可对主体产生烘托作用,更加突出主体。
(二)作业步骤
1.寻找一个产品主体(各种产品均可,手表、护肤品、服装、手工工具等具有造型感的产品)。
2.为其进行文字及其他氛围性的装饰设计。
(三)训练要点
在设计的过程中体会“图”与“地”的关系。
(四)媒介
书本、报纸、网络和其他媒体、相机、纸张、笔,构思创作材料不限。
(五)作业技法
通识性照相构图方法、计算机辅助设计、简单装裱方式、手绘、模型制作等。
(六)解题方法
1.学生首先需要通过各种媒介和途径,寻找到一个产品主体(各种产品均可,手表、护肤品、服装、手工工具等具有造型感的产品),可到图书馆等场所查找相关图书的内容,选取一些自己感兴趣的图片进行采集,然后分析其特点等。
2.对找到的产品主体资源进行构思、延伸、提炼、变化,创作出自己的广告作品,要能够明确区分出“图”与“地”之间的关系。汇总后裱贴好,进行展示。
3.创作思考引申,思考其在具体的设计中的应用。这部分不做具体深入,只做思考和想象,也可以是自己认为哪些设计可以改变,运用上自己的作品或者部分元素。
六、复合透视点训练
(一)课题阐述
复合透视就是一张画面出现两种或两种以上的消失点,并非一般正常透视出现的例如三点透视的方向,而是在一点透视的前提下,进行多个透视点的造型描绘。
复合透视的绘画方式常出现于超现实主义画作中,因透视点多(如同时出现平视的物体、俯视的物体、仰视的物体等),造成画面有一种不真实感及梦幻感,虽然并不符合实际的透视原理,但是其独特的风格可以令画面产生与众不同的氛围。
本主题训练旨在锻炼学生对于复合透视的领会、组成、描绘创作的能力。
(二)作业步骤
要求学生画一张图,使用复合透视的方式,画面内容可加入故事性。
(三)训练要点
复合透视点的感知和创作训练。
(四)媒介
书本、报纸、网络和其他媒体、相机、纸张、笔,构思创作材料不限。
(五)作业技法
表现手法不限,可根据自己所擅长的表现技法,进行复合透视图形的创作。
(六)解题方法
1.学生首先需要通过各种媒介和途径,寻找到一些复合透视点的作品,进行学习和领会。可到图书馆等场所查找相关图书的内容,选取一些自己感兴趣的图片进行采集,然后分析其特点等。
关键词：分组教学；艺术设计
0 引言
当前，我国研究分组教学的成果已有一定的数量和质量，部分研究还较为系统地借鉴了国外的相关理论，研究的领域也覆盖了学龄前教育到高等教育，其中不乏较为系统的方向性研究[1]，也有针对具体课程的具体教学实施方式研究[2]。分组教学在中小学的教学改革中已经开展的比较普遍，但是在艺术设计领域涉及到这方面的具体研究成果相对还很少。本文作者在研究中结合了所执教的高职院视觉传达设计专业的“平面广告综合设计”课程，从分组教学的存在依据、分组方式、矛盾与问题、分组后的教师管理、学业评价原则等具体实施环节进行了研究与分析，启发了专业课程的教改设计。采取一对一的研究与教学指导的形式至今无疑还是有着不可或缺的价值，但当学生与教师的比例形成30：1甚至40：1的局面时，一对一的实践教学指导很难按时完成教学的全部内容。可以根据教学目标，离开教材等固定结构束缚，对教学的实践活动进行整合与创新设计，并将学生进行有效分组实施教学活动。分组教学可以使辅导的次数由原来的几十次变成集中而深入的5～6次指导，减少次数的同时保证了深度，分组教学是最适合当前师生比例的教学组织形式。本文结合平面广告综合设计这一课程的教学实践经验，从分组条件、分组依据、个体独立性、教学内容教材的关系、学习积极性的调动、分组后的管理、教学评价七个方面对分组教学的相关特点和实施要点进行一一分析。
1 分组教学
（1）分组的基本条件。分组是了解学生整体情况的前提下，结合工作任务的具体情况，将学生的数量进行整合。分组不是目的，分组教学不一定贯穿在一门课程的始终。何时分组、如何分组都必需以课程设计中的教学目标来做出判断。如在课程的初始阶段，教师的课程设计有可能是对课程相关的信息的介绍，在这个阶段并不要急于分组。在分组前，教师应对学生的基本能力与教学目标之间的距离有一个基本、客观的认识。（2）分组的依据与分类。具体分组要结合学习任务的性质来实施分组。根据学习目标的不同，根据学号、宿舍编号、人际关系、性别比例、性格互补、使学生自主选择对象成组、随机分组等。应注意在分组过程中留有一定的弹性，并关注分组过程中学生的反应，学生自主选择对象分组，有可能形成的由于性格等因素，个别学生不容易被小组成员接纳的情况，此时重要的是做好班级管理成员干部的工作，积极主动去接纳这类同学成为小组的成员。
2 独立、个体的实践内容
分组在本质上应该是人力与智力优化后的组合，通过优化人力（如男女组合）与组合智力（如专业能力强项的互补）实现提升小组解决问题的能力的目的，明确区分组中成员的具体实践内容，并明确要求成员对其工作的内容负有完全的责任。如在平面广告设计的市场调研实践活动中一个5人小组为例：5名学生共同对调研报告的生成形式进行研究和论证。其中指定1名学生负责调研的路线分析和计划制定并协助教师负责小组的整体行动管理；2名学生负责资料拍摄；1名学生负责调对采集后的资料进行基本的加工优化（如图像修饰）；1名学生负责将优化后的资料制作成PPT或文本文件（排版）。这样经过明确的任务分工后，小组成员在项目的整体计划制定中都有所参与，并对各自的实践内容和承担责任有了明确的认识，分组实践活动才能发挥其合作的价值同时保留了个体在整体实践活动中的独立性。
3 教学内容与教材的关系
教科书的结构带有局限性，对学情的具体情况无法兼顾，不能很好地反映出具体的教学条件和学情。专业实践课程本身应该是“有着新的设计”的课程。它突出地表现在课程内容的设计上。它是对课程与学情等多个方面深入理解与消化后的新设计，是包含创新意识的带有课程设计性质的教学。
4 分组中的学习积极性
分组教学首先应该让学生认识到在实际的工作环境中，人和人的协作关系、协作能力的重要性，认识到现在的分组协作正是为今后实际工作中的实践预演，做好充分的心理准备。分组的形式应考虑到学生的实际情况：以性格与能力的互补为原则，避免将单项同质的条件过多重复地出现在一个组中。适量放宽组员数量，结合实际情况，允许人数增加或减少。
5 对分组成员在实践过程中的有效管理及整体评价
学生的实践活动形式是具体而多样的，当小组在同一教学时间内，由于实践任务的对象差异而产生一个以上的活动空间时，对小组的有效管理便成为教师的一项重要的教学管理内容。通常情况下，学生的实践环境应尽量控制在一个可以控制的范围内，如限定在某一个有效时间可以到达的区域，这样，即使在教师不能同时出现在多个实践环境的情况下，也要通过预先较为充分的教学组织设计，考虑到可能出现的问题和情况，使学生在实践的进程中能够同时感受教师指导的有效存在。小组学习的整体评价应与个人评价联系起来，既要考察成员的整体协作水平也要考察成员的具体作业情况，并综合以上两个方面给出个人的最终评分。以具体量化的形式反映出整体与个人的作业情况。
6 结语
分组教学的内涵可以从多角度去定义，国外语言学的研究比较倾向于学习任务与学习者能力之间的关系[3]，这对我国的分组教学中的按学生的能力分类的研究给予了一定的启发。笔者的观点是：面对不同的专业、不同的课程、不同的任务和具体的问题，分组的依据就会存在差异，但分组教学在本质上是对具体的教学对象进行有基于具体教学情境下的教学组织方式。分组教学需结合课程的教学目标，整合实践流程设计出有机的课程整体结构，并在合适的时机实施分组教学。分组不仅涉及学生、还涉及对学习任务的分类，分组需要充分认识和调查学生的学情，以性格差异、能力互补等为基本指导原则；分组教学的重点不仅是如何解决分组的问题，对分组后的持续而有效的管理、分组的评价技术等问题与分组的方式共同构成教学的有机整体；分组后的管理应以实践内容的细化和考核的量化为基础。
通过研究，我们分组教学应包含三个方面的要义：一是必须是基于具体学习情境的、有计划的分组，二是分组可以起到平衡学生数量与教学质量间的关系，三是促进某种具体学习任务的有效解决。
在形式获得深化后的分组技术能够促进课程教学的创新，单一的教材往往不再成为教学内容结构的主体；教师通过自觉的教学设计去解决教学可能出现的问题和矛盾，并从教学的一般执行者转换为教学设计者兼教学执行者的双重角色。
参考文献：
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（一） 色彩
色彩是第一视觉要素，在视觉传播的过程中，与其它表现元素相比，占有绝对的位置。尽管由于各地域文化的差异，人们对待颜色所代表的含义莫衷一是，艺术家对表现对象的描绘也会因自己感受的不同形成各异的表现风格来，但是从常规上说，人们在具体欣赏一幅艺术作品时，面对的是由各种颜料混合出来的色彩而不是某一种具体的颜色，所以重点不在于某一色彩对我们产生的心理效应而在来自于物理光的刺激对人的生理发生的直接影响。色彩的解放来自于印象派的实践，从此色彩对于画家们的意义尤为重要，涂鸦艺术也受到其影响。
涂鸦艺术符号的色彩表现有其独特的一面，那就是向来不考虑色彩的调和关系，不用按照传统绘画所谓的“技巧”去揣摩物体的固有色，环境色以及背景色等外在的因素，完全是创作者的个性独白，真情实感的流露。他们信任自己的直觉。从绘画的角度来说，直觉往往是创作灵性和情感表达中最具价值的源泉。有时候，他们运用色彩进行创作的内容和效果都不是那么肯定，没有预知性，没有现实的参照物，但也包括听觉、味觉、触觉等的感官体验，最终使色彩获得独立性主观性表达。不过，涂鸦者对于色彩的搭配也有一种独特的理解，这种理解是自由的，随心所欲的，很多设计光从颜色就能看出来设计师是否有过涂鸦的经历。一些高雅的设计师会更加倾向用素雅的色调对比，而涂鸦总是十分浓艳的，色彩对比强烈，随时随地传递一种年轻、愤怒、不羁、兴奋、浓烈的草根情怀，纯黑、玫瑰红、鲜橙、明黄、深蓝是他们钟爱的颜色。
这种对色彩绝对自由发挥的作风与后现代主义的思想是不谋而合的，后现代强调的是以自我为中心，张扬个性，涂鸦符号的无理性表达把后现代主义的思想发挥到了极致。涂鸦创作的人根据自己对色彩的理解来体现他们内心的色彩世界，用色彩表达了对他们多这个世界过多的关注。超现实的构思存在于创作者的脑海和心灵之中，并客观服务于人对当前社会和思潮的态度，是对人类自身发展的警策。一方面积极参与社会、环境、生活、精神的善恶批判，一方面，探索人类未来更发达的文明，它揭示了人类的潜在意识，并通过艺术手段表达出来。涂鸦艺术代表人物肯尼?沙尔夫(Kenny Scharf)用自己心中的色彩为我们描绘出一个俗艳、丰富的视觉世界来，带着强烈的视觉刺激。他的作品汲取了超现实和卡通动画的特点，既不失儿童的天真，又包涵了更多对生命和空间的理解。他的作品里有墨绿色的眼睛长在耳朵里、牙齿长在双腿中的卡通形象，有金黄色的漂浮在半空中的椰子树，有红黄绿缠绕在一起的不明物体，有红发绿脸、人头树身、兽头树身交织在一起与有着人面孔的蓝色天使、零散的红蓝化学分子式、散布在周围各种形状各种颜色的花花草草共同组合的同乐画面等等，都给观赏者展现了一个五彩缤纷的世界面貌。还有那些散落在世界各地的，火车上、高架桥上、废弃的工厂里、旧街道巷子里、公园的角落处等等，只要人的视线能捕捉到的场所，处处都充满了新奇的能让人立刻沸腾起来的涂鸦。
（二）线条
线条是最原始的造型方法，在人类最早的原始岩画以及儿童的涂鸦行为中常常以线为表现手段。即使在孩子身上，线条也具有了一些共性的情感，比如：直线代表着单调而坚定的情感，曲线代表着变化、运动的思维，无节奏的波浪线或经常处于改变状态的线条，则是警觉性、弹性和敏捷的象征等等。人们用线来造型，用线来表达情感，对线的认识和运用有了一个从初级到高级，由幼稚到成熟的过程。线条是每一件艺术作品生命力的象征，无论是“哈林式的线条”，还是“巴斯奎厄特式的线条”，都是他们思维方式的诉说，都是情感的表达。
哈林的画不做预先计划，不做草图，甚至是大型壁画。他在人来人往的地铁出口，为过往的路人“表演”了“偶发”情景的作画方式。他说：“我多次将自己置于当众作画的情境之中，无论我想出什么符号都立刻被记录下来，并且立刻展现在公众面前，根本没有什么‘错误’可言，因为没有任何东西被擦掉。”
在他的绘画中，连续性与线条的不间断的运动联系在一起，并随着对象自身的意识与幻想不停地伸展和扩散着，将外形的弯曲和皱折展开，以并线条的穿插和纠结来完善空间，整幅画面经常是在迷宫般的世界中各自用独特的造型独立又和谐的存在着，画面幽默，线条生动。在他很多作品中，无论构图有多么复杂，所有的动作都被压缩在一个没有深度的平面之中，于1981年到1986年之间的绘画作品中(图3)，人与物体以及它们之间的区域都充满了短线、折线和曲线等抽象的元素，“他们像是支离破碎的文字在寻找丢失的语言。”
巴斯奎厄特没有经过任何形式的艺术教育，但很早就在纽约Soho街区的墙上、地铁的车厢上创作。在他的作品中，用晦涩、稚拙却暗示着感情的线条表现了充满愤怒、疯狂的形象，繁杂、喧闹的混合空间。他的作品深深打上了非洲艺术和儿童艺术很深的烙印，他用较实的几何形刻画了比例失调的五官，突出的是恐怖的大嘴张开后露出的牙齿、深目、高颧骨的黑人特征，似乎在表达着抗议不满的情绪。我们可以从那些生涩的笔触当中，感受到画家那种直接、主观而不深思熟虑画上去的心情，虽然脱离了街头的那种效果，但他算是在画布上保持涂鸦精神的艺术家了。他曾经说自己的画面上没有一根线条是多余的，通过这些独特的线条和符号，他表达对美国社会、对世界的看法，以及对黑人文化的痴迷关注。
线条的魅力在于，对一个普通人来说，两根平行的线可能只是一个等号，而对于一个绘画者来说，它确是一个形象的概括，一种感情的暗示，一种形式的构成，一种运动的语言，它代表的不仅仅是一个图形，更多的代表了作品之外的更丰富的内容和广阔的空间，它的虚实、强弱、流畅、抑扬等等，传达的信息明确而肯定，易被人们理解、接受和进行想象，表达的感情真实、纯粹。涂鸦的线条注入了创作者更多的情感，被人们赋予了更多的理解和想象，所以散发出了前所未有的魅力。
（三）图形
哈林的涂鸦符号已经成为一种视觉风暴，既有来自城市墙壁上那种动态和运动之中不受约束的能量，也有来自纽约普通家庭的陈设中衍生出的生生不息的活力；哈林以此努力改变着城市景象，并以一种神秘参与姿态毫无保留地接受了这一切，并还原了这一切。在他眼里，世界上所有的东西都是混乱、残酷、血液和死亡等凭借历史遗留下来的、潜伏在社会潜意识中的象征物。哈林创造了一系列非常混乱的、痉挛般地聚集在一起的骚动的图像，潜伏的东西觉醒过来，它沉浸在狂乱、无理和变态的画面中，揭示了纽约城市存在的真谛。爬行的光芒四射的婴儿是他的标志性的图形符号。之后，又在此基础上添加了一系列其他形象，如狂吠的狗、海豚、飞碟、孕妇、金字塔等等。在哈林类似儿童卡通的涂鸦作品中，令我们体味到的是一种简洁和生动，由爬行的婴儿和散射在他周围的光芒联想起每个人必然经历的童年时光和科技的发展，影射出来的其实还是人类自己。他的作品既带有孩童的天真，也触及到成人的灵魂，诸如生与死的严肃话题，他谴责毒品、反对种族主义、对同性恋的恐惧和对爱滋病的警告等的外在社会压力。整体上说，他的作品风格是幽默中带有伤感的。有评论家这样评论哈林的幽默：“他将幽默运用于物体和人体的畸形之中。他的幽默是用来激活潜藏的能量和破除艺术上严重的故步自封。”
（四）空间
由字母组合而成的涂鸦符号能把我们带入一个无限的空间里。把一组字母组合而成的图形看成一个式样，一个式样有三个、五个甚至更多的单位组成，那么这几个单位的轮廓线在互相接触或相互交叉的时候，有被遮断的迹象，但是由于轮廓线没有改变方向，使我们很容易就判断出究竟哪个是覆盖者，哪个是被覆盖者，而单位之间由于部分的重合而获得深度，假如它们被频频遮断而变的更为复杂时，其空间的效果愈明显。此外，涂鸦符号能让人感受到空间的存在并能体会到空间的延续性。空间的感知表现在涂鸦符号技法上，而空间的延续性则体现在涂鸦作品意义中。哈林的艺术深受高速发展的现代科学技术和通俗卡通形象的影响。远古的图腾，现代科技技术的发展，不能不让人从哈林的涂鸦作品中感觉到一种远古的神秘性和未来的不可预测性所交织在一起的忧虑感。这也正是从人类命运的暗喻和对人类生存状态的深切关注中所体现出来的涂鸦艺术符号的意义。
关键词：数字媒体；语境；视觉艺术；创新
目前，随着社会经济的发展，人们的生活水平逐渐提高，在人们精神生活日益丰富的同时，媒体传播的发展，为人们的生活开拓了视野，视觉传播作为主要的传播方式，为数字媒体的发展及创新提供了坚实的基础。在实际生活中，数字媒体语境下的视觉艺术创新发展，需要适应数字媒体时代的发展，才能有效的促进社会文化事业的发展，进而是实现社会事业的发展作出积极的贡献。因此，在研究数字媒体语境下的视觉艺术创新工作中，相关管理部门应结合数字媒体发展中存在的问题，进行深入分析，不断提高数字媒体语境下的视觉艺术创新能力。
一、数字媒体语境下的视觉艺术发展的现状
众所周知，当今时代是一个科学技术和信息技术都急速发展的数字化时代，数字电视、互联网及手机终端等媒体的形式不断出现，促使我国媒体语境进入了一个全新发展的数字媒体语境时期。以文化为体、科技为媒的时代，逐渐成为社会公众关注的重点问题。简而言之，数字媒体语境主要就是以数字媒体为载体，通过数字媒体、互联网及移动网络的形式，融合文字、图形、图像、声音及视频等多种艺术形式，借助人际传播与大众传播进行互动交流的一种崭新的文化语境形式。在一定意义上，数字媒体语境具有全面参与、无界传播、可复制性等特点。在数字媒体语境的发展背景下，视觉意识传播的内容更加丰富、传播的速度更加快。因此，在数字媒体语境下的视觉艺术创新研究工作中，重视数字媒体语境下的视觉艺术发展现状的分析，是非常重要的一个问题。
二、数字媒体语境下的视觉艺术的技术创新
在数字媒体语境下的视觉艺术创新研究工作中，数字媒体语境下的视觉艺术技术的创新，在很大程度上得益于数字媒体技术的发展。在数字媒体技术的发展基础上，数字媒体艺术有效地将技术与艺术进行了融合及创新发展，同时增加了很多艺术门类，促使数字媒体语境下的视觉艺术创新获得了更好的发展。然后，在数字媒体语境下的视觉艺术创新发展的过程中，数字媒体语境下的视觉艺术创新在技术性艺术发展方面，并不是单一依靠技术发展的，而是在数字媒体的语境下，通过对视觉艺术进行合理的创新，逐渐提高其应用技术的。数字媒体语境下的视觉艺术，在科学技术的推动下，成为人们生活中不可获取的组成内容。因此，在数字媒体语境下的视觉艺术创新研究中，数字媒体语境下的视觉艺术的技术创新是非常重要的组成因素。
三、数字媒体语境下的视觉艺术的形式创新
为了更好的进行数字媒体语境下的视觉艺术创新研究，在数字媒体语境下的视觉艺术的形式创新，是其中非常重要的研究问题。在数字媒体语境下的视觉艺术创新的活动中，重视数字媒体语境下的视觉艺术的形式创新，对于其本身的研究，具有积极的促进作用。通过研究数字媒体语境下的视觉艺术的形式创新，可以有效的实现数字媒体语境下的视觉艺术的创新特征探究。数字媒体语境下的视觉艺术的形式创新，更多的表现在内容创新的方面。在实际工作中，只有切实的将视觉艺术创新落实到具体的环境中，才能有效的实现视觉艺术的形式创新。因此，在数字媒体语境下的视觉艺术创新工作中，重视数字媒体语境下的视觉艺术的形式创新也具有很重要的影响。
四、数字媒体语境下的视觉艺术观念创新
在信息时代快速发展的过程中，数字媒体语境下的视觉艺术的创新研究，还应注意数字媒体语境下的视觉艺术的观念创新。在数字媒体语境下的视觉艺术创新中，进行数字媒体语境下的视觉艺术的观念创新，可以为视觉艺术创新提供源源不断的动力。我们都知道，数字媒体语境下的视觉艺术创新，其本身也具有一定的人文色彩和价值，其数字媒体语境下的视觉艺术创新，更多的是需要实现心灵和艺术的融合。因此，在数字媒体语境下的视觉艺术创新研究中，重视数字媒体语境下的视觉艺术的观念创新具有很大的现实意义。
五、结语
综上所述，随着信息时代的发展，媒体事业的发展也取得了一定的成绩。数字媒体语境下的视觉艺术创新发展，成为传统视觉艺术发展改变的重要原因。在数字媒体语境下的视觉艺术创新发展的过程中，视觉艺术的发展有了更加广阔的空间。在实际工作中，数字媒体语境下的视觉艺术创新发展，在一定程度上推动了社会文化事业的建设与发展，对于社会的稳定发展及人们生活水平的提高，都发挥了积极的影响。因此，在数字媒体语境下的视觉艺术创新研究过程中，注重数字媒体发展的特点，并强调数字媒体语境下的视觉艺术创新发展非常重要。
参考文献:
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晚近以来，视觉文化课程在欧美大学本科和研究生不同层次上开设，有的学校开设了视觉文化专业。以下我们选择几所西方大学的视觉文化专业或课程设计，以期了解这一领域专业和课程设置情况。
1.美国华盛顿大学(UniversityofWashington)的视觉文化课程(本科)
授课教师：
AlexanderCampbellHalavais(halavaisu.washington.edu)
课程说明：
课程集中在以下理论的阅读和讨论上：视觉和符号传达与知觉、认知和社会关系的关系。课程将从社会学和心理学开始，进入到知觉研究、美学、符号学、空间研究和信息环境设计等领域(该课程在网上教学)。
授课内容：
第一周：知觉理论
阅读材料：柏拉图，《洞穴寓言》；埃柯，《一张照片》；曼诺维奇，《知觉的工作》
第二周：视觉知识和权力理论
阅读材料：米歇尔，《意图和人工性》；马特拉和马特拉，《文化工业，意识形态和权力》；莱维，《艺术和赛博空间的建筑》
第三周：符号
阅读材料：图夫特，《逃避平面国》；迪尔凯姆，《三种信仰的起源》；伯克，《人的定义》；弗洛伊德，《拜物教》；荣格，Aion；索绪尔，《任意的社会价值与语言学符号》
第四周：社会符号学和创造意义
阅读材料：巴特，《照片的信息》；马克思，《商品拜物教和秘密》；霍杰和克莱斯，《社会符号学》；费斯克，《电视：多义性与流行性》
第五周：视觉的机制
阅读材料：拉塞，《形象分析导论》；本雅明，《机械复制时代的艺术品》；罗维，《电影形式与叙事》
第六周：模拟
阅读材料：鲍德里亚，《仿像与模拟》；埃柯，《在超现实中旅行》；莱姆，《第七次突围》
第七周：作为视觉域的城市
阅读材料：魏特姆，《物理空间》；西美尔，《大都市与精神生活》；芒福德，《隐形城市》；米歇尔，《进入生活的计算机》
第八周：信息环境
阅读材料：哈拉威，《虚拟狗宣言》；麦克卢汉，《机器新娘》；克卢兹，《本世纪的十大界面》；克兹维尔，《精神与机器即临的融合》
第九周：狂欢、交游、混乱和文化壅塞
阅读材料：贝伊，《时间自动区域》；埃柯，《走向一个符号游击战》；莱里，《屏幕》
2.澳大利亚莫纳什大学(MonashUniversity)视觉文化研究计划(研究生)
研究计划说明：
视觉文化学科包括艺术史和艺术理论(包括建筑)、电影和电视研究。研究生研究或课程包括以下一些领域：中世纪和文艺复兴时期的艺术和建筑，1920世纪欧洲艺术和建筑，澳大利亚艺术和建筑，美学艺术和建筑，电影和电视研究，摄影、艺术画廊和博物馆研究，亚太艺术等。
研究性学位：
哲学博士学位
艺术研究硕士学位
澳大利亚艺术研究硕士学位
画廊和博物馆研究硕士学位
课程性学位：
澳大利亚艺术课程硕士学位
画廊和博物馆课程硕士学位
课程资格硕士学位
艺术研究生证书
视觉文化教师证书
3.美国加州大学河畔分校(UniversityofCaliforniaatRiverside,本科)
专业名称：电影与视觉文化
主修：电影与视觉文化主修课程提供关于电影、电视、录像、多媒体和视觉文化的多学科考察，首先强调历史与理论，其次强调生产，主修课程由三组课程构成：
1)电影与视觉媒介；
2)电影、文学与文化；
3)人种志、纪录片与视觉文化。
辅修：电影与视觉文化辅修课程提供对于电影、电视、数字多媒体和视觉文化的多学科考察，突出理论和历史而非生产，以便培养学生的媒体知识。
课程选录：
电视艺术导论；当代艺术批评导论；数码成像导论；现代西方视觉文化；电影研究导论；世界电影批评方法；视觉人类学导论；电影与媒介理论；电影与媒介史专题；媒介之间：艺术、媒介与文化；大众媒介与通俗文化；居间摄影；社会性别、性征与视觉文化；种族、族性与视觉文化；电影与视觉文化专题；高级摄影实践；脚本写作；舞蹈与视觉研究；电影与媒介体裁专题；国际电影、独立制片电影和另类电影；比较电影研究；高级数码成像；摄影史：20世纪；日本电影与视觉文化；电影、录像与艺术：理论与历史。
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二、视觉文化研究英文文献选目
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[关键词]美术史 美术欣赏 学科性质 研究方法
一、二者同属人文学科
美术是人类最重要的精神活动,美术欣赏的本质即是欣赏者审美与价值判断的过程,欣赏者的知识、经验、记忆、情感、观念与思想贯穿审美过程的始终,人的作用决定着这一活动的程度和品质;同样,作为美术史研究对象的诸如美术作品的观念、发展、风格、手法、分期、流派等等,以及为研究它们所采用的如描述、比较、鉴定等各种不同方法,所有这些与人类物质与精神活动密不可分的概念,构成了作为一门人文学科的美术史。
二、二者在研究对象和研究范围方面近年来表现出更明显的相容和重合
我们今天生活在一个充满图像信息的时代,非文本的视觉文化,诸如电影、电视、录像、摄影、广告、车辆上的涂鸦绘画、卡通和连环漫画甚至包括商品的外包装等,无不处在历史、社会和文化的相互作用之中。从著名博物馆收藏的古代大师的油画到最新高科技的电脑制作的虚拟图像,图像世界正在以惊人的速度不断增加,所有这些视觉图像也都要求美术史家对其做出新的文化阐释。
与此相呼应的是我国近年来的学校美术课程改革中所提倡的美术欣赏教学,其欣赏对象和范围的广度也涉及到包括所有人类文化的视觉艺术。例如“对自然美和美术作品等视觉世界进行欣赏和评述”等表述,反映了美术欣赏是以视觉世界为基础的各种艺术及图像为对象。而诸如“逐步形成崇尚文明、珍惜优秀民族艺术与文化遗产、尊重世界多元文化的态度”、“中外优秀的卡通艺术”、“民间玩具”等等,则表明欣赏范围包括世界各民族所包孕的多元文化。
三、美术史和美术欣赏的原则和意义也是相似的
美术作品在美术史和美术欣赏的研究活动中应占据中心地位。英国美术理论家约翰•拉斯金曾说过,伟大的民族以三种手稿撰写自己的传记:行为之书、言词之书和艺术之书,但是,唯一值得信赖的便是最后一部书。由此可见,对于人类文化来说,美术作品理所当然地被视做是人类文化的化石。在所有美术史和美术欣赏的背后都存在着极其复杂的文化背景,正是这个背景为美术作品的描述和阐释提供了多种渠道,导致了多元化的研究活动。
四、在美术欣赏活动中,一些美术史的研究方法被普遍运用
1.作品研究
(1)图像研究
图像志。其首要目标是确定美术作品中描绘的是什么,并且揭示和解释艺术家想要表达的深层意义。其次,它关注的是追索艺术家所使用的直接和间接的材料――包括文献资料和视觉的资源。图像志研究一般包括三个层面:一是精确列举和描述艺术作品中可见的一切而不解释这些事物之间的联系。二是确定“主题”。即我们所看到的事物相互之间产生的联系。三是表述艺术家在美术作品中想要表达的更深层意义或内涵。
图像学。是文化史研究的一个分支,用来揭示视觉艺术中主题和题材文化的、社会的和历史的背景,根据这个背景,图像学可以解释为什么一个艺术家或赞助人在一个特定地点和时间选择某种特定主题,并且用一种特定方式加以表现。
(2)风格研究
形式主义。狭义上指将艺术作品的形式因素作为主要的考察对象,如绘画作品的平面连续性、空间模式等,而对作品的主题、内容、社会联系等外部因素则不予关注,从广义上来说,它属于风格研究的一个基本组成部分。形式研究特别倾向于讨论美术作品以及艺术群体、流派,或某时期的艺术风格。
结构主义。结构分析的方法就是对艺术作品最基本的全部形式本质而不对作品的表面细节进行描述。
符号学。最初产生于语言学领域内,从符号学的观点来看,绘画、雕塑或建筑等都是可以被视为“语言”的,因此,近来被广泛运用于视觉艺术的研究。通过符号的系统化导致意义构成的再现。
(3)阐释学
简单地说阐释学就是一套解释系统。由于解释是辨证的、相对的、循环的和非中性的,因而,阐释学家并不把客观性看作最终的目标,而是主张导向解释和批评的理解才是美术史工作的目的。
2.作者研究
(1)传记研究。通过使用引证文献中的一些资料,努力记录下艺术家们所做过的事情。但并不是事无巨细地进行资料堆积,也不是仅仅记录带有逸闻趣事性质的零散的美术史事件,而是在记录美术家和美术事件的事实过程中,对美术作品的优劣加以区别,留心标注艺术家的方法、方式、风格、品行和观念;分析事件的原因、结果以及发生的规律,以供人们借鉴。
(2)心理研究。不同的心理学流派在美术史的研究中形成了不同的风格和派别,主要有精神分析和格式塔主义。精神分析研究方法主要是通过分析艺术家潜意识和知觉与认识的心理因素,来考察艺术家创作意图以及艺术作品产生的根源和功能。
3.外部环境研究
(1)文献学。主要是指依靠大量的引证资料,包括文字、绘画以及艺术家本人、艺术家的朋友和合作者的一些书面材料、文集、档案、专题论文、谈话记录、工作笔记,甚至是美术作品的尺寸、框架、价格以及与之有关的契约、判决书、遗嘱等这些原始资料,对关于艺术及其美术作品的不同意见作分析整理。其最基本的功用是为进一步的研究奠定基础。
(2)社会学。社会学研究为阐释视觉艺术提供了关于艺术与政治、艺术与经济以及艺术与宗教的可能性关系的一系列理解。豪塞尔说,社会学方法就是按照艺术的实际来源来解释在一件美术作品中所表现出来的对生活的种种看法。
(3)赞助者研究和文化研究。这一研究方法从根本上来说揭示出视觉艺术不单纯是一个形式问题,艺术家必须受到文化传统、被给定的题材内容以及赞助人的要求等因素的影响或制约。由于文化习俗的影响以及赞助人的参与,因此艺术权威的专断就不是那么明显了。
以上这些美术史研究的方法,始终围绕着美术作品展开探索,美术欣赏的活动过程也是如此。其中美术史研究中的图像志研究可以为美术欣赏中进行的观察与描述提供完善的方法;美术欣赏中对美术作品的形式分析可以从美术史的风格研究与符号研究中汲取营养和学习方法;除此以外,对美术作品的一些资料和背景的收集可借鉴文献学研究的方法;美术史中的图像学、社会学、心理学研究则为美术欣赏者提供有关美术作品背后的环境、文化以及对作者内心进行解释的有利帮助;而近代美术史研究中的阐释学则有利于培养欣赏者在美术欣赏中形成个性化的批评和审美价值判断。
参考文献:
[1]吕澎.作为学科的“艺术史”及其相关学科[J].新美术,2003.
[2](澳)保罗•杜罗,迈克尔•格林哈尔希.西方艺术史学――历史与现状.转引自汉斯•贝尔廷(Hans Belting)(德)等著,常宁生编译.艺术史的终结[M].中国人民大学出版社,2004.
[3]曹意强.艺术与历史[M].中国美术学院出版社,2001.
