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【关键词】中国古典音乐 钢琴演奏 美学意蕴
韵，是中国古典音乐的灵魂所在。随着多种艺术形式的不断融会贯通，人们尝试用不同的乐器演奏中国的古典音乐。用钢琴演奏中国古曲时，虽不像古琴演奏出的效果那样具有浓烈的民族气息，却散发出另一种韵味，这是一种新艺术的魅力，也是中国古曲演奏的另一突破点。钢琴用它所特有的音乐语言演奏中国古曲，赋予了中国古曲一种新的内涵，它们的融合相得益彰而又互相辉映，表现出一种不同的审美意蕴。
一、我国古典音乐的特点
传统的中国文化与西方文化有着截然不同的审美思维模式，现代的教育因素影响着这些独特的思维模式。中国传统审美思维要从中国的自然环境和历史文化背景中寻找，这是产生中国传统美学的前提与基础。中国传统音乐多用旋律把主题表现得抽象和虚幻，具有“深邃”的特点，内容和效果大不相同。这种深邃在中国传统音乐中指的是意境，就是在音乐思维中表现出来的一种体验和领悟。中国传统音乐追求的是一种幽婉、深邃、含蓄、淡泊等美感，这些都是建立在心理、心灵感觉上的。中国古典音乐是最能体现出中国传统艺术文化生命意蕴的。中国古典音乐用中国的乐器演奏出的是一种“自然之声”，是一种“天籁”，有着原始的自然之美，也是中国古典音乐所推崇的生命意境，无论从心灵上还是感情上都是与自然的一种有机结合，所以创造出了意境，一种“诗情画意”的美丽意境。
二、钢琴音乐的发音特点
钢琴有着丰富的表现力，是西方乐器之王。钢琴演奏者用钢琴独有的声音表达着自己的情感。在钢琴演奏中，所要求的是纯熟的技艺和对音乐的深层次理解。有人赞美钢琴的声音“如歌”，这种“如歌”的声音，取决于钢琴的发音，钢琴演奏者技巧的高低决定着所演奏出的声音效果，这也是判断钢琴演奏者水平高低的标准。钢琴发音的原理是琴槌敲击琴弦而发出的，跟敲锣很像，就像敲击锣面瞬间发出的音响。放开手则可以使声音延长，用手接触声音就会停止。钢琴发出的声音音质、音色取决于弹奏时的一瞬，它的声音是不可以修改的，所以触琴的方法影响着钢琴发音。
三、中国古曲和钢琴结合中的新突破
钢琴与中国古典音乐的结合形成了一种具有中国特色的新音乐形式——中国钢琴音乐。中国钢琴音乐不同于单独的钢琴音乐，也不同于单纯的中国古典音乐，而是钢琴与中国古典音乐的结合体，是一种新的音乐表现方法。中国钢琴音乐演奏有着较大的复杂性，这体现着演奏者对音乐的投入、理解、把握等，还需要演奏者真正领会中国古典音乐的内涵，从而把中国古典音乐与钢琴发音恰到好处地结合在一起，这样才能演奏出完美的中国风格钢琴音乐。
无论从创作手法还是音乐意境上，中国钢琴音乐都和西方的音乐形式有着很大的区别，中国古典音乐讲究的是“神”“韵”“意”的表达，注重的是意境与内涵。中国古典音乐与钢琴结合，可以把中国古典音乐表现不出来的声音通过钢琴表现出来，更好地展现出中国传统音乐文化的内涵。人们对中国古典钢琴曲有着独特的审美方式，中国古典音乐通过钢琴音响的丰富、细腻、洪亮而得以表现出来，其效果与众不同，另有一番意境。这是中国古典音乐与钢琴完美结合的结果，也是中国古典音乐另一种美的体现。
随着文化的交流，中国古典音乐与钢琴正以一种特别的艺术格调演绎着浓郁的中国古典风味，这是音乐艺术上的一个创新。中国古典音乐与钢琴结合的演奏，对民族风格的体现同样有着积极意义。中国古典音乐与西方钢琴音乐无论是风格还是审美观、艺术观、哲学观都迥然不同，但两者交相辉映的结合带给听众一种新的听觉感受。
四、中国古典音乐在钢琴演奏中美学意蕴的表达
我国的古曲艺术在发展中不断创新，我们应充分发挥我国古曲中的风格和特色，更好地继承和发展中国传统音乐。中国古典音乐与钢琴的结合，产生了中国钢琴音乐，中国钢琴音乐中所表现的是作曲家的思想感情和中国民族文化特色，是人与自然的和谐关系，是对“真”“善”“美”的追寻。
中国钢琴音乐以其独特的风格形式展现在人们面前，新形势下的中国古曲音乐有其独特的风格和魅力，给人们在听觉上带来了新的体验，中国钢琴音乐以其鲜明独特的古典风格，向世界展示着中国传统音乐文化的无穷魅力。中国古典音乐在钢琴演奏中形成了自己的特点，具有鲜明的中国民族特性。
结语
中国古典音乐的继承与发扬，需要创新。大家都知道中国民间故事《梁祝》，无论是梁山伯与祝英台感人的爱情故事，还是《梁祝》的古琴曲，都被世人所津津乐道。《梁祝》的古琴曲虽然很好听，但一种乐器所表现出来的内容是非常有限的，不同的乐器表现出来会有不同的效果。改良后的《梁祝》，无论是用小提琴、钢琴、二胡、古筝单独演奏的，抑或是小提琴与古琴混合演奏的，所表现出的依旧还是《梁祝》所具有的浓浓古典气韵及作曲者所想表达的内心情感，但是却更为生动。
（注：本文为2012年黑龙江省文化厅艺术科学规划课题立项的相关成果，项目名称：《中国古典音乐在钢琴演奏中的美学研究》，项目编号：12B072）
参考文献：
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关键词：竹笛；新古典主义；斯特拉尔斯基；谭盾
中图分类号：J647.11 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）02-0056-02
一、二十世纪西方新古典主义
二十世纪西方音乐发展在经历了几个时期之后，在浪漫主义后期出现了德彪西等一些风格特例的作曲家。他们开始运用不协和音，不完全解决等一些方法演奏出一些新的色彩。勋伯格更是打破传统的调式，建立十二音体系来创作各种各样的作品。在这样一种背景下，斯特拉文斯基和兴德米特提出了“回到巴赫”的口号。他们采用古典主义时期的素材进行新的创造，提倡回归古典主义，例如斯特拉文斯基的作品《春之祭》便是其新古典主义时期的代表作。
斯特拉文斯基和兴德米特的创作可以分三个时期，他们在新古典主义时期的创作还处在探索阶段，虽然采用了古典主义的音乐素材，但他们的音乐作品还是具有明显的当代特征。
萨蒂和六人团是新古典主义的另一组代表人物。萨蒂，法国作曲家，才华横溢可惜晚年才被赏识。萨蒂出生在音乐世家，却不愿接受正规音乐学院的教育，弃学去咖啡馆弹琴。而就在这个时期他的作品便带有浓郁的新古典主义色彩。他提倡回归古典主义的音乐特点，即简单纯朴，反对德彪西等人的理念。同时他在作品中也使用了很有特点的和弦。六人团则是在萨蒂理念的影响下，提出回归新古典主义。但因后期风格不一，六人团的成员慢慢的分开发展了。
两组新古典主义代表人物，斯特拉文斯基只是表面上提倡回归古典主义，而萨蒂相对来说比较深刻的提出回归新古典主义的意义和方法。从现代中国音乐的发展趋势看来，不少音乐家也开始慢慢的有回归中国的古典音乐的想法，开始提倡音乐的美感，并慢慢的体现在创作的作品中。
二、中国音乐的“新古典主义”
中国的“新古典主义”最多提出是在中国文学方面。而新古典主义在音乐上是由田青提出的。他认为中国音乐应该着重保护好中国的传统音乐，保留传统音乐的美感和境界。中国音乐方面的“新古典主义”体现在了好多方面，例如田青在青年歌手大赛上最初提出“原生态”唱法。这一观点的提出是“新古典主义”很有力的一例。田青认为原生态唱法是中国音乐的精华，是应该保留和发扬的民间音乐和中国传统文化。在美声唱法和民族唱法盛行的中国，原生态唱法一枝独秀，它的出现不仅仅是不仅仅丰富了声乐界的演唱形式，更是一种观念和态度的转变。我们近现代的音乐发展既要跟上世界的步伐，吸收世纪音乐得精髓，更要保留和弘扬中国传统音乐和文化的美感。
除了“原生态”唱法的提出之外，其他的音乐家也有各自的想法和观点。比如非常出名的“谭卞之争”，就是两位艺术家对于传统音乐和现代音乐的争论。谭盾受到约翰凯奇等现代派音乐家的影响，写出了《地图》等具有现代意义的作品。他寻找一些新的发音媒介来创造新的音乐，在一些作品中，他运用了很多现实中的物品发出的声音，比如水声，石头摩擦的声音等。然而他新颖的写作手法引起了很多老一辈音乐家的质疑，卞祖善就是一个例子。作为传统音乐的倡导者，他认为谭盾的做法降低了作曲家和演奏家的作用，降低了整个音乐的美感。
除此之外，各个领域的音乐家对新时代的音乐走向表现出了自己的观点。本文具体以竹笛的作品为例，分析了器乐领域的作曲家的“新古典主义”倾向。
三、竹笛作品《金色的山东》
竹笛作品《金色的山东》是一个比较全面的大型民族管弦乐作品。该曲的作者是北方笛派的代表，竹笛演奏家、作曲家、指挥家――曲祥。该曲分为《孔子随想》、《泰山放歌》和《黄河入海》三个乐章。在这三个乐章中，作曲者采用了竹笛上各种演奏技法来演绎这三个主题。
（一）作品分析
第一个主题《孔子随想》，作者描写了山东最有代表性的人物：孔子。这一乐章是采用了单二部曲式，第一段落描绘了在圣人孔子没有出世前，古代大地上的战火纷飞，民不聊生的场景。作者用紧张急促的节奏和连续的连音烘托出了战争时紧张的气氛，并用二胡的无旋律演奏表现出了战争中人们无力的呐喊。但是值得分析的是，该乐章的第二段则是与第一段截然不同的两种音乐。第二段之前的间奏，利用中国传统乐器箜篌，旋律立刻体现出了中国古韵的味道，间奏的旋律也是采用中国最基本的五声调式，简单的旋律庄重而典雅。旋律的主要部分，要求演奏时气息平缓，手指交替时非常讲究，整个画面犹如孔夫子出世，世间被孔夫子的光芒普照，战争和贫苦皆无。这一段的旋律采用中国民族七声调式，色彩古朴典雅，作者要求气息平稳，用慢速气震音的演奏方式使得这一乐段的整个感觉类似于古琴演奏，体现了中国传统音乐的色彩。
（二）乐曲的“新古典主义”特征分析
《孔子随想》这一乐章，首先在选材上就是对中国古典音乐的采用和推广。作者选择孔子这一特殊的历史人物，并且用了古代的乐器箜篌，采用中国传统的民族调式来表现这一历史人物。
同时，这一作品的新古典主义不仅是在作者选用的音乐材料上，更是体现在作者的写作意图上。作者采用中国传统的民族调式，在乐曲的处理上采用近似于古琴的音乐特征，不仅在音乐上韵味十足，旋律深沉典雅，在意境上更是古色古香。在这一方面，这部作品回归了中国古典音乐的根本意义所在。在近些年越来越多的竹笛作品中，不协和音、超吹音的比重越来越大，而注重古典音乐美感的作品越来越少。而曲祥的这一完美体现了中国传统音乐和调式美感的作品在现代亮起了一盏明灯。
四、竹笛作品《龙灯高照》
竹笛曲《龙灯高照》也是曲祥老师的作品之一。这部作品与《金色的山东》于2007年在山东上演引起巨大轰动。与其他21世纪的作品相比，这两部作品体现了与时代不同的色彩。
（一）作品分析
《龙灯高照》是一部以唢呐为主的大型民族管弦乐作品。该乐曲分为四个乐章，分别是《灯月交辉》、《灯海如潮》、《多彩的秧歌》和《燃气的希望》。第一乐章“灯月交辉”是简单的单一部曲式，用激昂的曲调描绘了正月元宵节的热闹场面。正月元宵金龙舞，皓月当空人团圆。元宵之夜，万家灯火与无数彩灯点缀城乡，与银汉明月相辉映，宛若人间仙境。乐曲以古老的编钟玉磐为引奏，祥瑞之声衬出灿灿寒星，皎皎玉轮。乐队以浓郁的民间音乐基调与表演风格，描绘了月圆之夜的美景与温馨：万家灯火醉酒香，一轮明月照亲情。月下都市，繁华似锦，月下社火，人潮欢聚。灯月相映，金银交辉，飞虹落霞，流光溢彩。乐曲在洋溢着喜庆之气的唢呐声中结束，寓意着社会安定祥和、人们安居乐业的欢乐意境。第二乐章《灯海如潮》同样也是单一部的曲式结构，在乐章的开始用一连串快速的、舞蹈性的吐音表现了龙珠翻滚，龙腾狮舞，焰花飞溅，编织出一幅花灯如海、彩光喷泻的璀璨画卷。之后的乐队采用弦乐和弹拨乐追奏的形式，体现了灯会恢弘的气势和热闹的气氛。第三乐章《多彩的秧歌》，就是采用了秧歌的形式和曲调，旋律上富有鲜活风土乡韵，描绘出万民闹春、再盼丰年的狂欢场面。 第四乐章《燃气的希望》，再现了第一乐章的主题，乐队用嗦亮的笙管丝弦与激越的排鼓相结合，表现了新世纪的新希望。
（二）乐曲的“新古典主义”特征分析
与《金色的山东》一样的是，作者在选材和组成整个乐曲的素材上都是选择了中国传统音乐的素材。比如该曲的第三乐章，采用了山东秧歌作为基本的曲调，利用竹笛的滑音、花舌音的技巧表现了主题。
另一个方面，《龙灯高照》整个曲子在作曲的出发点上就是发扬中国的传统文化――元宵节。这些作为我国非物质文化遗产的节日，随着现代化的发展，味道变得越来越淡。在新世纪这一作品的提出，无疑是对中国传统文化的发扬。而它在音乐方面的意义，就是提倡中国的传统音乐，回归传统音乐的美感。
五、总结
新古典主义的影响不仅在音乐方面，在中国文学方面也掀起了一场中国文学新古典主义。新古典主义作为时展的一种趋势，是不可避免的。我们只能站在前人的肩膀上继续前行，为了发展中国传统文化和传统音乐贡献自己的一份力量。
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本文所谈的中国古典诗词艺术歌曲是指当今作曲家结合新的创作意向和方法创作的艺术歌曲。它吸收了西方现代的创作手法和风格特征，同时又结合了我国传统音乐特点与语言特征，注重与中国传统文化相结合，与我国民族风格、民族气质以及民族感情的表达方式相结合，是在中西音乐文化的多次碰撞、交融中逐步发展起来的一种音乐载体和演唱风格。它在演唱上多用钢琴伴奏，其作品创作大多为美声唱法不同声部类型而服务，多采用美声化的综合演唱风格来诠释作品。我们知道，美声唱法发源于意大利，成熟于欧洲，以其唱法的系统性、发声的科学性、演唱的规范性，有理论支撑、历史悠久而享誉世界。自20 世纪20 年代以来，美声唱法逐渐在我国声乐教学中广泛应用，并由于其科学的训练方法和良好的歌唱状态，逐渐确立了歌唱中训练声音手段的基本属性欧洲古典音乐为主体与中国本土音乐相结合而成的美声化的综合演唱风格。这种演唱风格注重音乐的中西贯通与艺术交融，属于专业演唱者运用的唱法。从社会影响和价值地位来看，属于当代音乐文化主流(国家歌剧院、乐团等专业团体基本以美声演唱为主);在今天音乐厅的音乐会演出中，这种演唱风格占绝大比例;在音乐学院的声乐教学中也是很重要的教学内容(90%的艺术院校开设了美声演唱专业)，从而受到业界的高度关注。这种美声化的综合演唱风格在中国当代声乐整体艺术中已经呈现出蓬勃的发展态势，是中国现代声乐艺术新的趋势。鉴于此，用美声演唱风格重新演绎中国古典诗词艺术歌曲是对中国传统文化的保护和创新，它为中国声乐演唱提供了一个取之不尽、用之不竭的艺术题材和风格资源，也为美声风格演唱中国古典诗词艺术歌曲提供了新的亮点，是对中国古代文化的一种再创造。艺术的保护和创新永远是一对辩证关系，譬如音乐、舞蹈、曲艺、戏剧等文化遗产，如果只是原封不动地保存下来，不加以现代诠释，艺术就不可能发展。为什么真正欣赏昆曲的人很少呢?除了与大众的欣赏水平有限、传播不广泛外，熟知它、懂它的人不多，音乐与演唱距离时代太远也是原因之一，与不注重在保护中创新也有关。今天，我们用美声的演唱风格来诠释古典诗词，也可能会遭到不少喜爱戏曲、民歌演唱风格的人质疑，觉得没有诗词韵味、演唱不唯美等等。但是，这并不影响美声演唱具有的创新意义。相反，美声唱法丰富的表现力给古典诗词的艺术情境带来了深刻而又华丽的诠释，为中国艺术歌曲的演唱开辟了广阔的空间。这也证明，任何一种音乐艺术形式只有在创新中才能得到更好的保护。因此，我们要让中国人欣赏古诗词，也要让外国人欣赏古诗词，要做到这点，我们不仅要增强文化上的自觉意识，认真自觉地思考我们自身文化的优劣特点和发展趋势，还要对它有一种自觉的认识、保护、传播和创新，①使它具有强大的生命力。对当代人来说，努力发掘新唱法，努力创作新旋律，这是一条正确的道路。如果古诗词的演唱依然停留在民间戏曲的板腔体，或者是局限于民歌唱法，必然不能满足当代人对音乐的审美需求。
正因如此，重新演绎中国古典诗词艺术歌曲，必须植根于古典诗词的自身文化特性，保障古典诗词艺术歌曲演唱风格和内涵的独特性、可辨性与多元性，只有保存好这个艺术资源，才有中国古典诗词艺术歌曲发展的重要基础。这既是我们应该如何诠释古典诗词的出发点，也是我们重新演绎古典诗词的立足点。因为，重新演绎中国古典诗词艺术歌曲不单是一种声乐艺术的演唱传播，更重要的应该是一种文化的动态传承。那么，如何对中国古典诗词艺术歌曲的传播进行文化保护和演唱创新呢?
一、学院的教学传播是对古典诗词艺术歌曲保护和发展的路径之一
正如上述，中国古典诗词艺术歌曲以独特的古典文化风韵体现着中华民族的艺术趣味，体现着人们的修养与至高的艺术境界，它是中国民族音乐的精髓，是最具民族特色的声乐体裁，由于其鲜明的中国传统文化特色，已成为我国声乐教学曲库中的宝贵财富。而这份宝贵财富，在20世纪20-40 年代就被有意识地应用于教学中了，如黄自主编的《复兴初级中学音乐教科书》(1933年出版)就收集了相当数量的古典诗词艺术歌曲，其中有黄自的《花非花》《南乡子》《点绛唇》、应尚能的《渔夫》、陈田鹤的《春归何处》等。这些通俗易懂、难易适中、广为流传的古典诗词艺术歌曲，不仅在中学教学中产生了较大的影响，陶冶了学生的艺术情操，还对学生中国传统文化素养的培养也起到了积极作用。与此同时，青主的《大江东去》《我住长江头》、谭小麟的《自君之出矣》、刘雪庵的《红豆词》等古典诗词艺术歌曲也在大专院校的教学中广泛运用，为古典诗词艺术歌曲在大学的传播起到了推进作用。
新中国成立以后，随着声乐艺术演唱与教学的发展，人们逐渐认识到对古典诗词艺术歌曲进行保护与整理的重要性，相继出版了近现代作曲家作品集，如人民音乐出版社出版的《赵元任歌曲选集》《江定仙歌曲选集》《陈田鹤歌曲选集》、中国文联出版社出版的《刘雪庵作品集》、上海音乐出版社出版的《黄自独唱歌曲选》《贺绿汀歌曲集》等等。正是因为有这么多仁人志士的努力，以古典诗词为题材的艺术歌曲创作才真正地走向成熟，取得令人兴奋的丰硕成果。到20 世纪80 年代后，又陆续出版了各类声乐教材，其中一些优秀的古典诗词艺术歌曲也纷纷被收入，最为常用的是人民音乐出版社的《高等师范院校声乐教材》。这些歌集与教材里收集的古典诗词艺术歌曲，为当时的声乐演唱与教学提供了宝贵的资料。
进入21 世纪后，随着美声唱法的迅速发展，中国古典诗词艺术歌曲在声乐教学中，尤其在高等院校声乐专业教学中的应用越来越广泛，使这一声乐形态从源头上得到重视和发展。2003 年9 月，由人民音乐出版社出版的《声乐教学曲库》以1920~1948 年为时间脉络收录了中国艺术歌曲系列歌曲，并对部分古典诗词艺术歌曲的背景、歌曲创作进行了音乐分析与演唱注释，体现了声乐作品中的文献性，为声乐文献的整理、保护、教学与应用起到了示范作用。此外，在各大音乐学院的声乐教学大纲中，中国古典诗词艺术歌曲也作为必唱曲目列入本科和研究生教学中。有些学校在研究生学位音乐会中还提出了必须演唱一定数量的中国古典诗词艺术歌曲的要求，其目的就是鼓励学生去研究、演唱中国古典诗词艺术歌曲，推动古典诗词艺术歌曲的演唱和发展。长期的声乐教学成果也证明，通过中国古典诗词艺术歌曲的演唱，学生不仅在技术上获得控纵自如的气息能力，打下扎实的声音基本功，建立正确的声音概念，培养了学生较高的艺术鉴赏力、艺术气质以及对声音的艺术鉴赏能力，还在文化内涵上培养了学生的中国意识、中国审美、中国情怀和特定的中国演唱风格。
由于学院教学的广泛应用以及国家声乐赛事对古诗词规定曲目的要求，中国古典诗词艺术歌曲的创作得到了前所未有的推动，相继诞生了一批优秀的古典诗词艺术歌曲作品，如黎英海的《唐诗三首春晓、枫桥夜泊、登鹳雀楼》，就是20 世纪80 年代首届全国高等艺术院校中国艺术歌曲演唱与创作比赛中的获奖作品，已经被收录在各类声乐教材中，受到大家的喜爱，成为声乐教学、声乐比赛、音乐会广泛演唱的曲目。此外，马思聪的《长相思》、张肖虎的《相见欢》、顾淡如的《春归何处》、戴于吾的《清明》、金湘的《子夜四时歌》等这些作品也被收录于高校声乐教材之中，在现代声乐教学中占据了重要地位，为中国古典诗词艺术歌曲的传承和发展做出了巨大的贡献。
与此同时，我们也意识到中国的古典诗词艺术歌曲至今都没有被明确列为一类独立的艺术歌曲体裁的事实，更没有一本专门的古典诗词艺术作品教材(这类作品大都分散收集在不同的声乐教材中)，尤其缺乏对中国古典诗词艺术歌曲这类体裁作品的系统研究和对该类体裁作品在声乐教学运用中的广泛探讨，致使大量的古典诗词艺术歌曲作品没有得到充分运用，这不能不说是一种遗憾!今天，我们提出重新演绎中国古典诗词歌唱艺术，不仅要弥补这个遗憾，更要让中国古典诗词艺术歌曲的教材系统化、多样化。一方面要把不同时代的优秀作品加以整理和重新演绎，另一方面要注重当代新作品的补充，使中国古典诗词歌唱艺术走向世界，让人们像欣赏西方的交响乐一样来欣赏中国的古典诗词艺术歌曲，从而更好地传承中国博大深邃的传统文化。总之，学院教学一直都是中国古典诗词艺术歌曲的传播者和保护者，学院的教学传播行为凸显了中国古典诗词艺术歌曲不断延续的广阔艺术空间，这对中国古典诗词艺术歌曲的传承和研究，无论是教学、演唱还是对整个中国声乐艺术，都将起到非常好的促进作用，是我们传承中国传统音乐文化不可或缺的纽带。这也应了一句话：任何艺术只有在得到广泛传播的条件下，才有可能生存下去和繁荣起来，这是一个被历史事实无数次证明过的规律。
二、重新演绎中国古典诗词艺术歌曲是声乐演唱创新发展的新趋势
我们知道，保留传统无疑是非常重要的原则，这是艺术的根基。从某种意义上说，没有很好地对传统保存和发展，也就不可能有创新。中国古典诗词艺术歌曲的重新演绎，除了要对传统文化进行保护，还要在演唱上进行创新性的改革，要把诗词中过分依赖戏曲和民歌风格的唱法融入美声的演唱技法，增加现代国际声乐艺术元素，使当代的听众不仅能感受到中国古典诗词文化的精髓，更能从中感受到声乐多种形式演唱的艺术魅力。然而，要想增强古典诗词艺术歌曲演唱的艺术感染力，除了必须在民族戏曲唱法的细腻委婉上，小心翼翼地融入美声唱法的发声、共鸣、呼吸等技术，达到两者融合到没有痕迹的艺术境界外，还可以利用丰富多彩的声部运用以及多元化的演唱风格变化来诠释古典诗词艺术歌曲，这是现代声乐教学中一个值得探索的课题，也是演唱理念上应该有所创新的新趋势。那么，美声风格演唱古诗词的创新趋势主要包括哪些呢?
(一)重新演绎古典诗词给课堂教学带来新的变化
中国古典诗词艺术歌曲的演唱不同于其他声乐作品，作为一种特有的文人音乐体裁，它深刻的思想内涵、崇高的品格以及文学和音乐精彩的赏析品味，给人带来丰富的艺术享受、审美情趣和精神启迪，因此，如何把它演唱得有文化内涵、好听、爱听，对演唱者是有很高要求的。这需要演唱者融入个人的知识储备以及全面的文化修养和音乐素质才能完成，不仅要求演唱者声音做到技艺娴熟，还要具备用审美的眼光来理解音乐和表现音乐，以声音的不同变化为手段来传达美和感情，把自己对音乐的理解通过优美的歌声传达给听众，使听众在情感上产生共鸣，最终让作品的内涵得到完美升华和淋漓尽致的表现。近年来，美声教学为中国古典诗词艺术歌曲赋予了新的生命力。
1.如何用美声唱法演唱中国古典诗词。就我个人教学体验来说，要想唱好古典诗词艺术歌曲，必须在艺术特征和演唱特点上下功夫。首先，要了解古典诗词的艺术特征，包括诗词体裁的艺术特征、诗词音乐的韵律特征和诗乐相融的人文情怀特征;其次，要分析相关背景，剖析歌词内容，深入歌曲意境，注重演唱布局;最后，要把握歌曲情趣、曲风和韵味，用声要适度，音色要多元等等。这些特点都是由中国古典诗词艺术歌曲本身的特质和气质决定的。具体讲，就是如何处理演唱中词与乐的关系、情与唱的布局、声与色的调整以及气息的运用、韵律与曲情、咬字与行腔、韵味与意境、技巧和修养等等这些构成整体古诗词歌唱要素的特点，它们是中国古典诗词艺术歌曲演唱实践中的精华。今天，我们通过美声风格进行全新、全面的演唱和诠释，借此体现出中国古典诗词艺术歌曲运用于现代声乐演唱的精髓与价值。2.教学中如何避免出现争议中的失去韵味、演唱不唯美的现象?很多人对美声演唱古典诗词存在疑惑，认为它难以体现古诗词中的韵味性和唯美性。那么，美声演唱如何唱出古诗词韵味呢?
首先，这个矛盾主要体现在技术的运用和风格的把握上。依据作品风格来选择演唱技术，是美声风格演唱古典诗词的正确思路。在技术上采用西方传统歌唱的整体共鸣、贯通、音量控制的技术，使其演唱范围和演唱形式不单一，且声音的表现力更丰富，声音能高能低，结实有力。在演唱风格上，除了保持中西传统歌唱艺术审美的共性外，还要注重语言、润腔的多样化处理方法，使其获得中国民族演唱风格的内涵。譬如通过学唱传统古曲、传统戏曲、民族民间歌曲等，吸取不同唱法中的特色技巧，使其在用声、用气、咬字、吐词、行腔、共鸣等运用上都要服从于中国传统的音调和民族的韵味，并充分掌握传统歌唱中的精髓。
其次，对于争议，我个人认为除了对音乐的审美习惯不同外，美声唱法一直以来注重技术发声、忽视风格表达也是原因之一。我们知道，唱法不是一个单纯的技术概念，而是包含了音乐风格、文化内涵和演唱技术等多种内涵在内的一个综合性概念。运用什么样的演唱技术及与之相关的音乐风格，是特定文化群体或个人按照其独特的文化需求和音乐趣好而共同选择的结果。只有把古典诗词中声乐艺术的文化内涵表达出来，把握好古典诗词演唱风格中的价值取向，才会有自己独特的不失去韵味的演唱特点和唯美的艺术风格个性。中国古典诗词艺术歌曲本身就蕴含着中国文化内涵的含蓄美和语言的韵律美，相对一般艺术歌曲而言，古典诗词的演唱在虚实、快慢、起落、强弱、平曲等对比手法处理上，更注重中国传统文化中写意的特点和音乐含蓄的表达。那种只按谱唱，仅以曲调的音符来演唱作品，只把语言的字头、字腹、字尾交代清楚，不考虑按四声规律进行调整，咬字不清，不按情给予字以不同的风貌，就很难完美体现中国古典诗词艺术歌曲那种音韵古雅的艺术风格。因此，演唱古典诗词时要多琢磨中国传统文化的韵律，了解古代音乐的风格，注意语言声调的表现以及韵味的讲究，使其做到既要保持声音线条的艺术性，又不失古典诗词特有的韵味、咬字、行腔的演唱特点，只有这样才能避免失去韵味、演唱不唯美的现象出现。
在我的一次声乐课堂上，学生在演唱《黄鹤楼送孟浩然之广陵》时，我要求学生在声音的运用上，在吸取戏曲吟唱特点的同时，又不能完全按照戏曲的演唱方法来呈现，其结果，没有戏曲功底的学生很难准确演绎这首歌。可是没有了吟唱的演唱特点，这首歌的唯美风格就失去了光彩。当然，虽然学生的演唱还很稚嫩，还不能很好地做到准确把握古典诗词作品的文化内涵与风格特色，不能很好地处理技术与风格的问题，但是，只要他们有一颗对古典诗词艺术歌曲演唱的热爱之心以及对艺术再创作的不灭冲动，都不失为美声演唱具有的创新意义做出了贡献。
(二)通过不同的声部重新演绎古典诗词艺术歌曲
美声唱法相对民族唱法、戏曲唱法最大的不同就是有声部划分，而声部的划分主要根据音域、音区、音色、音质来完成，大致分为女高、女中和男高、男中以及女低、男低等多种色彩区。这是美声唱法中一个很重要的原则，在歌剧演唱中尤为突出，各声部除了所具有的各自不同的声音性质与性能外，其明显体现的就是音色所能够表现出的功能与演唱特征。艺术歌曲不同于歌剧唱段(没有角色的局限)，由于其所具有的艺术歌曲特性，男女各声部在演唱上存有共性，为演唱者对歌曲的二度创作提供了更为广阔的空间。譬如改换声部演唱，一方面可以使为数不多的中__国古典诗词艺术歌曲在各声部教学中能充分利用起来(使常用的经典曲目使用率较高)，以达到长期运用于教学的良好效果;另一方面，一首歌曲的不同声部演绎，也展示了中国古典诗词艺术歌曲不同风格的演唱理念。
以《我住长江头》为例，在所收集的音像资料中有不同声部的演唱版本，有G 大调的男女高声部演唱版本，有E 调的男女中声部演唱版本。根据不同的声部、音域、音区、音色来演绎同一首作品，彰显的是各自不同的演唱特性：如女高音声音清柔，音色委婉细腻，演唱流畅如歌，以细腻的情感处理把歌曲中思念和缠绵之意表现得淋漓尽致;男高音突出了音色的明亮、气息的流畅和富于激情的演唱，唱出了恋人的思念之情和对爱情的坚贞信念;女中音音色柔和，声音饱满圆润;男中音声音宽厚而富有磁性。这种声部上的重新尝试，使这首歌曲的演绎更加内在而富有感染力。由此可见，一首歌曲由于其不同的声部、不同的声音性质和不同的音色特征，完全可以演绎出多种不同的演唱风格，给人耳目一新的演唱效果，为重新演绎古典诗词提供了可唱性空间。
(三)通过多元化的演唱风格重新演绎古典诗词艺术歌曲
目前中国古典诗词艺术歌曲的演唱风格呈现出多元发展的态势，常见的有内涵典雅的吟诵演唱风格，有民族民间、戏曲唱法特点的民族化演唱风格，有以美声唱法为基础、注重音乐的中西贯通与艺术交融的美声化的演唱风格，以及追求时尚、注重现代审美感受的流行化演唱风格等等。下面我们以宋代著名词人苏轼的代表作之一《水调歌头明月几时有》的几个不同演唱版本为例，对中国古典诗词艺术歌曲多元化的演唱风格举例分析，这些版本体现着演唱者不同的理解和不同的演唱特性。
民族风格演唱版本：由张鹰作曲，姜嘉锵演唱，收录于《中国古典诗词艺术歌曲姜嘉锵独唱集》。此版歌曲吟诵味道非常浓厚，以情韵见长。姜嘉锵的演唱突出中国古典声乐艺术的演唱特点，他善于通过快慢、强弱、显隐、虚实、抑扬、顿挫等对比手法来描情写意。如他演唱的明月二字吟诵味道十足，咬字清晰，歌声含蓄，唱得真，唱得细;而天字则像一支满弦的箭，直入云霄，唱得深，唱得美;最后一句千里共婵娟一气送出，处理得简洁大气。姜嘉锵的演唱从气势与韵味来说都很见功底。
美声风格演唱版本：由周家声作曲，杨曙光演唱，收录于人民音乐出版社出版的《杨曙光中西多种风格演唱研究与教学曲选》。此版以艺术歌曲的抒情性见长。作品舒缓流畅，音乐在三连音流水般伴奏的烘托下，给人以倾诉衷情、情随音出之妙感。演唱者通过语句的起伏、转折以及渐强的用声和伴奏织体的变化，把人有悲欢离合，月有阴晴圆缺诠释得透彻淋漓。尤其最后一句但愿人长久，千里共婵娟在徐缓、轻清从容的歌声里，唱出了千百年来人们向往幸福的共同心声。唱者行腔柔和优美，柔中有刚，语气坚定，声音饱满;歌声充溢着深厚的情感，保持了美声唱法声音通透圆润、音乐线条连贯的演唱特点。
流行风格演唱版本：由梁弘志谱曲，肖唯忱编曲，邓丽君演唱，收录于邓丽君1983 年发行的诗词歌曲专辑《淡淡幽情》。此版歌曲流行气质浓郁，以柔见长，既兼顾了艺术歌曲的技巧，又不失流行歌曲的气氛。邓丽君用她与生俱来的幽幽情怀唱出来，典雅、庄重又温柔、多情，颇具唐宋风范。她的歌声轻清优美，淡淡柔美的唱法，犹如水晶般纯净，音色温暖秀丽，一句明月几时有，把酒问青天，呈现的是一副清新平和的画面，把歌曲的气氛营造得相当闲淡。歌中千古悠远与乐观豁达的感觉，被邓丽君带有几许婉约与柔弱的方式演绎得淋漓尽致。
以上举例只是相对而言，并不排除还有其他例外。随着声乐艺术的发展，一些演唱者增强了跨界融合的演唱意识，打破唱法壁垒，在演唱中或多或少地体现了一定程度的交融性演唱风格，这从侧面也反映了古典诗词的演唱具有较为广阔的多种风格演唱空间，为重新演绎古典诗词提供了前提。由此可见，民族化演唱风格突出的是甜美音色、吐字归韵等方面的特色优势;美声化演唱风格则散发着学院派气息，注重声音的连贯、音色的圆润和较高的艺术特性;流行化演唱风格追求的是现代的古典美和注重声音的流行化造型。但是，我们也要看到，中国古典诗词艺术歌曲毕竟不是古人词古人曲的原味作品，过于追求流行风格的时尚化，也可能背离古典诗词本身的特质而变得面目迥异;而美声注重音乐的中西贯通与艺术交融，虽然有其重要意义，但一样也避免不了曲高和寡的寂寞。尤其在当今电视荧屏里到处充盈着流行音乐选秀节目，致使很多年轻人对于戏曲、民歌、美声并不熟悉和热衷，那么，让他们认同和接受古典诗词这类艺术歌曲就不容乐观了。正因如此，我们在重新演绎古典诗词艺术歌曲时，一定要注重传统与现代的融合，在演唱中既要有意识地吸收戏曲元素、吟诵特征、民歌风格等，同时又要引入现代声乐元素。特别是在音乐学院教学中，由于中国古典诗词艺术歌曲作为艺术歌曲的共性特征，运用美声唱法演唱古典诗词的占多数，如果完全照搬西方那一套，显然不能很好地体现出古典诗词的演唱风格，我们必须借鉴和吸收中西方有益的东西，通过不断地融合、实践、创新、扬弃，探索出一条与中国传统唱法相结合、又别于西方唱法的新的演唱路径，从而形成独具一格的演唱与教学风格。这也是我们传承和重新演绎中国古典诗词艺术歌曲非常重要的意义。
(四)多元化的音乐处理对古典诗词多种风格的演唱效果也起着至关重要的作用
譬如同一首作品，即使是同样的发声方法，由于演唱者不同、声部不同，所呈现出的音乐处理也是截然不同的。仍以我们熟知的《我住长江头》为例，歌词抒发了恋人的思念之情和对爱情的坚贞信念，音乐采用了似江水般流动的钢琴伴奏音型作为背景，衬托着深情而宽广的歌唱。男中音贺磊明的演唱注重声音情绪的表达和音色虚实的对比，通过较为控制的声音运用，使得整首歌曲演绎得较有层次，突出了悠悠相思、离情别恨的爱情感叹。而同为男中音，廖昌永的演唱更注重歌曲的内在表现，他吐字清晰有力，注重语气的变化与力度的对比、乐句之间的连贯与诗意，把连绵不断的相爱之情表现得淋漓尽致。两位男中音都能从自身的优势出发，表现出各自的独特个性。而作为高声部演唱这首曲目，由于声部和性别不同，其演绎的效果也不会相同，女高音更注重歌曲的抒情性和声音色彩，男高音可能更讲究声音的张力和戏剧性。
同样，在教学中强调这种音乐处理多样化的思维，可以丰富古典诗词艺术歌曲的演唱以及对教学与创作的意义和价值。譬如不同的演唱者面对同一首作品时做出的不同处理，以及同一位演唱者在演唱同一首作品的过程中尝试不同风格的音乐处理等等。前者体现了教学中因材施教的原则，针对不同学生的个体特征，寻求最好的音乐处理风格;后者则使学生通过多种音乐表现手法的学习，增强对音乐的诠释能力和作品的驾驭能力。这种多种风格、灵活多用的音乐处理方法，不仅可以提升经典曲目的教学效果，防止音乐风格同质化的现象发生，同时对古典诗词的演唱与发展都起到积极的推动作用。
(五)独特的民族艺术特性是重新演绎古典诗词艺术歌曲永恒的主题
在今天，我们的演唱为什么会越来越同质化呢?因为我们在音乐风格、演唱形态、发声技法和文化内涵方面丢失了自己的艺术特征。譬如，在学院声乐教学和全国声乐比赛中，由于过分强调发声方法的科学性、过分要求声音的规范性，使得很多美声唱法的演唱者几乎就是用一种演唱风格在演唱，如果不考虑声部、性别所导致的音色差异，根本体现不出声乐艺术各美其美的艺术特征。那么，我们的声乐教学真的不用强调声音的科学性了吗?不是。问题的关键是这个科学性的内涵是什么?正如一位民__族音乐学者说的：在不同的文化体系中，歌曲的演唱技术及与之相关的音乐风格，由于相关价值标准的特殊性而历来以多元并存为基本存在态势音乐的形态(风格)与技术标准，都是特定文化体系的多数成员按照其独特的文化需求和音乐趣好而共同选择的结果。选择不同，显示的是与特定文化所持有的价值标准相关，与普适性的自然律无关，也与科学性无关。不同的演唱只存在风格差异，没有科学或价值区别。因此，不是不需要声音的科学性，而是不要偷换了以科学性为代称的、技术至上的价值观与方法论的概念。
我们要善于把中国各民族自己的演唱风格与西方声乐艺术的技术优势有机地融合在一起，不仅要研究中国传统的和当代的声乐艺术，研究欧美国家从古代到现代的声乐艺术，还要研究亚洲、非洲、南美洲、大洋洲的发展中国家的传统声乐文化和艺术的特色来为我们自己服务。把西方声乐文化与中国的语言文化、民族审美习惯相结合，包括对各民族各国文化属性和民俗习惯与其声乐艺术的关系等许多方面的认识、理解和把握。只有从传统音乐寻根，从民间音乐寻找声乐演唱的生命力，借鉴各民族各国演唱技术和多元化的艺术手段，恐怕才是摆脱单一化困境的途径之一，这也是我们为什么要强调重新演绎古典诗词艺术歌曲的缘由。而建立在国际化通用的发声技术、声音共鸣、气息运用等美声化的古典诗词的演唱，只有把古典诗词中充分表现中国传统文化的含蓄和写意的特点，通过古典诗词特有的语言声调、韵味特征和咬字行腔的演唱规律准确地演绎出来，才能把古典诗词中声乐艺术的文化内涵表达出来，美声风格的演唱也才真正具有了自己诠释古典诗词作品的独特个性。
【关键词】中国古典舞；欧洲芭蕾舞；差异
中图分类号：J71 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）05-0186-01
一、欧洲芭蕾舞表演与中国古典舞在肢体表现上的差异
在我国的历史文化中，道教、佛教、儒教这三大教派对我国的精神文化及思想追求的影响最为深远，我国许多传统艺术中，都会体现出这三大教派的部分思想理念，中国古典舞更是如此。例如，中国古典舞中讲究划圆的动律特征与S形的肢体动作，就是受到“太极八卦图”中“阴阳鱼”的影响，才会出现“刚柔并济”的动作连接方式，这不仅是中国古典舞的特点，也是东方文化精神追求的体现。
审美追求方面，“以气为本”的学说是中国古典舞最本质的美学特征，由“气”产生“韵”，由“气韵”逐渐产生了“神”，再加上肢体表现，使得中国古典舞在表演过程中展现出独有的魅力。
芭蕾舞作为欧洲经典舞蹈，又被称为“足尖舞”，一切舞蹈动作都以脚尖的撑与立为主，无论是旋转还是跳跃都是如此。这主要是受到了欧洲传统文化“立”的影响，以及“向天”等思想追求的熏陶。不仅如此，芭蕾舞在带给观众美的享受的同时，舞者也可以在其中感受到平衡的乐趣。从肢体表现方面来看，芭蕾舞主要体现出欧洲宫廷王子的“绅士风度”；在精神方面，绷紧的足尖不断进行弹腿、跳跃，体现了与地心引力相对抗的思想追求，这也正是欧洲芭蕾舞表演所要体现出的精神文化。
二、欧洲芭蕾舞与中国古典舞在情感表现方面的差异
从情感表现方面来说，东方人与西方人有明显的区别，这主要是因为文化背景不同。这种区别与差异在舞蹈中体现得十分明显。中国古典舞受到中国传统文化思想的影响，发展出多种流派，体现出的文化思想也各有不同，但核心思想都是讲究收放自如、刚柔并济，倡导中和平正，体现出了中国古典舞中的“中和之美”。
如果说内敛是中国古典舞体现出的东方人的情感特点，那么欧洲芭蕾舞表演则体现出西方人热情外放的情感特点。欧洲芭蕾舞表演强调的是完美连接各个舞蹈动作，强调舞步的精准，在情感方面的表达需要与音乐、灯光等方面的配合才能得以体现，这也是歌舞剧产生的主要原因。
三、欧洲芭蕾舞与中国古典舞在服饰上的差异
在舞蹈表演中，不同时期的舞蹈服饰可以展示出不同时期的文化特点，不同地区的舞蹈服饰也可以展示出不同地区的地域特征。在中国传统文化中，讲究由内而外散发出的美感，因此，“遮掩”在中国古代文化中是一种极其强烈的美感。除了服饰，中国古典舞在道具方面的使用可以算是“世界之最”了，无论是绫罗绸缎，还是刀枪剑戟，甚至连折扇、扁担等生活用品也能成为舞蹈道具。
欧洲芭蕾舞表演在服饰方面与中国古典舞截然相反。演员的服饰从最开始的豪华型服装裙式逐渐演变到今天的细纱露肩短裙，体现出欧洲的浪漫主义情眩这种服饰可以良好表现出舞者优美的肢体，使得舞者的动作更加轻盈，是动态美与体态美的完美结合。
四、欧洲芭蕾舞与中国古典舞在音乐形式上的差异
无论是欧洲芭蕾舞，还是中国古典舞，它们与音乐都有着密切的联系。舞者随着音乐的节拍与节奏舞动，增添了舞蹈的美感。欧洲芭蕾舞在与音乐的结合方面可以说达到了极致，许多经典的芭蕾舞剧，例如《天鹅湖》《胡桃夹子》等，舞蹈动作优美，剧情离奇曲折，其音乐的重要性也是不能忽略的。由于芭蕾舞在服饰方面的单一性与舞蹈动作方面的局限性，音乐便成为其展示剧情变化与情感表达的重要因素之一，许多观看过芭蕾舞表演的观众都会有同样的感觉，不仅感叹于芭蕾舞演员精湛的舞蹈技巧，也会被现场的音乐带入到剧情中去，有一种身临其境的感觉。这就是欧洲芭蕾舞表演与音乐相结合展现出的特殊效果。
中国古典舞在这方面则存在着一定的差距。历史关于舞蹈的记载较多，而音乐舞蹈相配合的记录并不多。在节奏的掌控方面，中国古典舞名没有严谨的节拍与舞步，快慢的变化与情感的处理完全依靠舞者的临场状态，以现代乐器进行配合是无法体现出那种效果的。因此，中国古典舞对于舞者个人的表现能力要求更高。
五、结语
综上所述，精神文化与思想追求方面的不同，造成了东方与西方在舞蹈领域的区别，这也是中国古典舞与欧洲芭蕾舞表演存在差异的主要原因。作为东方舞蹈与西方舞蹈的标志，中国古典舞与欧洲芭蕾舞势必会在东西方文化的传承方面起到更为重要的作用。
参考文献：
一、概述
在吉他乐器中，古典吉他和电吉他是相对的，它与小提琴、钢琴并肩齐名，在乐器的整个发展历程中，有着不可或缺的重要位置。不过，古典吉他在确立这个名称之间，还有个正式的名字――六弦琴，和lute琴、竖琴等均属于古典式的琴弦乐器行列，它的适应性、典型性和艺术性较为明显。
二、国外发展阶段性分析
（一）公元8至9世纪
从分属类别的角度来讲有拉丁吉他和阿拉伯吉他之说。“吉他”类属于弦琴体系中古典式把式乐器中的一类。其实，把式弦琴乐器在民间受到欢迎且较为流行。公元8世纪末至公元9世纪始，阿拉伯吉他和拉丁吉他就出现了，这也是古典吉他的起源。学术界认为，东方是吉他的发源地，或者准确地说古典吉他的根源，可以从伊贝利亚半岛中世纪的弹拨乐器中可以追寻，具体的例证就是21世纪圣地亚哥德柯姆斯特拉大教堂正门的浮雕。
（二）公元13世纪
公元13世纪时期的卡斯提利亚国王阿尔风索十世，是最早的古典吉他音乐的追溯者。公元15世纪，吉他的舞台上又多出了把式琴弦的分支鲁特琴，从而导致了阿拉伯吉他的风光逐渐衰落走出了历史舞台。几乎在同一时期，维拉琴也作为拉丁吉他另一形态进入了普通民众的眼帘。从外部形状来看，出现在公元13世纪的吉他有两类：摩洛风吉他和四根弦的拉丁风吉他，前者呈长圆形、外形像葫芦，后者则是四根弦、多个小孔附着在背部圆雕处。这段时期，古典吉他基本都是扁圆形状的头部，到15世纪时，被称为“维乌埃拉”的拉丁风吉他弹奏方式开始出现划片式。
（三）公元16世纪
维拉琴新的演奏方法肇事于16世纪，变划片式弹奏为手指直接弹奏，并开始在民间、贵族、王室中盛行开来。至此，这种新乐器和新的弹奏方式渐渐地被人们掌握，鼎盛时期出现在16世纪30年代至80年代，在西班牙普及程度最高。也是在公元16世纪，古典乐器另一个重要分支――鲁特琴也登上了历史的舞台，并保持长久不衰。追溯到文艺复兴时期，把式弦琴发展并不盛行。这个时期的音乐家开始创作新的作品、加工原有的作品，为后来一段时期出现成熟的音乐作品奠定了基础。进入16世纪真正的文艺复兴，维拉琴和鲁特琴普及程度达到了鼎盛，很多作曲家和演奏家陆续涌现出来。同一时期，演奏吉他的乐谱出现了文字和符号的形式，弹奏方式也出现了和弦反复拨奏，发展趋势呈现中兴状况。
西班牙作为16世纪古典吉他的发源地，此时的古典吉他主要有四弦和六弦两种，用途各自不一，四弦吉他主要以和弦反复拨奏为主，流行歌舞和民歌是其主要演奏形态，实效性较高。六弦吉他和前者不同，演奏曲目的主要途径是借助逐个音符进行弹奏。从古典吉他的分类角度分析，四弦吉他属于普通的大众演奏型乐器，六弦吉他基本应用于王室宫廷和贵族府邸。不过，前者多声部演奏的王室宫廷风格也比较普及，在西班牙、意大利和法国等地区，均已开始出现了类似于这种风格的演奏曲目。公元16世纪50年代至60年代，在法国的贵族阶层中，也逐渐对这一类的演奏曲目开始关注了。
维乌埃拉基本出现在西班牙地区，现在能够保存的七本有代表性的古典吉他演奏曲目的集辑中，出版来源地基本出自于西班牙。演奏维乌埃拉和著名音乐家及其创作的音乐作品比较多，其中包括佛安里雅那、米兰、皮萨多尔（曲集1552）、巴尔德拉巴诺（曲集1547）等作曲家作品。公元16世纪40年代至50年代，维乌埃拉音乐进入了鼎盛时期，作品演奏较为集中。提恩托、幻想曲等作品处于这个阶段的演奏高峰，作品创作的内容覆盖了多声部音乐创作和自由创意等方面。同时，演奏技巧在变奏曲中呈现了多样性特点，演奏过程中民族风格也逐渐地清楚呈现出来。
所以，从古典吉他发展历程来看，尽管此时的琉特琴音乐与维乌埃拉的音乐共存于同一时期，不过从古典吉他外部形态的角度来看，琉特体系中并没有维乌埃拉音乐，维乌埃拉仅从属于吉他类别。因此，在中世纪欧洲特别是西班牙的音乐体系里，古典吉他受到关注的程度是最大的。
（四）公元17世纪
维拉琴、鲁特琴和西班牙吉他一同进入了公元17世纪后，古典吉他发生了新的变化。维乌埃拉的音乐悄然从历史的舞台中退出了，新的样式开始出现，及大字G的五组弦加入了低音范畴并渐渐在民间开始普及和流行。巴洛克吉他，也就是西班牙吉他的叫法也在公元17世纪开始出现。这种类型的吉他以复弦为主（包括五组复弦），还具有一根最高的特殊弦。从调弦的角度来看，在公元17世纪全音调高的现象也出现了，这种特殊的变化和目前的调弦结构类型差不多。到了巴洛克时代，因为鲜明、简易的演奏特点，西班牙吉他得到了基层民众的普遍欢迎。需要指出的是，尽管大量民众都青睐于西班牙吉他，鲁特琴还是占据着重要的地位。巴洛克时期还出现了两位重要的音乐家：素有“音乐之父”的巴赫以及怀斯，他们为鲁特琴音乐的发展发挥了很大作用。
（五）公元18世纪
在这之前，古典吉他还是基本以四根复弦为主，这种以复弦为主的吉他存在调音复杂的缺点。在这样的背景下，五根单线吉他开始出现并逐渐得到了大众的认可。直至1970年，第六根弦也进入了吉他体系中，它的六弦式定音模式即EADGBE模式成为了目前吉他的主要模式。到了公元18世纪初期，琉特琴的记谱法和吉他记谱法基本类似，较为普遍的吉普方法是塔勃拉吐拉，也就是用平行线来代表弦，同时在上面标记有关的数字符号来确定音高。一根新弦和其他相关单弦也增加进了低声部，并开始出现目前比较流行的调弦方法。古典时期，意大利地区弹奏吉他的音乐人才最多，其中比较出名的有格拉尼亚尼、卡鲁里、莫里诺等研究古典吉他的学者。他们创作了不少较为经典的弹奏作品，比如卡尔卡西，他的不少作品现在已经列入了初学吉他课程体系，是一块不容忽略的练习范本。再如，朱利亚尼的一些奔放豪迈特色的作品，也是非常有名的，他与索尔齐共同创立了两大演奏派别。
（六）公元19世纪
19世纪的前半个时期，由于机器工业的出现导致了古典吉他的发展受到了影响，最突出的表现就是古典吉他的调弦改成金属制成。不少有名的吉他制作匠师，如英国的帕诺尔摩、法国的拉柯特、奥地利的斯陶法等开始涌现出来。不过，西班牙的托列斯是真正确立目前吉他比例规格形状的巧匠。19世纪50年代开始，古典吉他兴盛趋势渐减，就连法国的科斯特、维也纳的默茨这样的音乐大师，也没有创作出多少音乐作品。从音乐发展的内部原因来分析，这个时期欧洲开始盛行浪漫主义音乐，人们的审美取向发生了变化，比较喜欢华丽宏大为标杆的作品。因此古典吉他便难以发展下去，同阶段只有西班牙的维尼雅斯、费雷尔及卡诺创作了为数不多的抒情作品。其中，帕尔加的创作热情较高，不少丰盛、热烈的古典吉他的作品都是出自他手。
（七）公元20世纪和21世纪
这段时间流行音乐和爵士音乐普遍开始出现，同样对古典吉他造成了影响。不过，此时一些新类型的古典吉他开始出现，外部构造和以前相比大不相同，比如，尼龙弦得到了广泛运用。最为令人瞩目的是，古典吉他的构造得到了改良，耶佩斯将六根复弦吉他改成了十弦吉他。古典吉他的改造除了在西班牙以外，还在德国、意大利和法国等国家有了发展。东方国家的日本此时也广泛运用古典吉他。21世纪以来，吉他的科技化发展程度越来越高，电吉他得到了广泛运用。尽管电吉他操作上十分方便，古典吉他仍然具有自己的优势，如演奏有灵气、灵活自如，这也是古典音乐爱好者喜欢它的重要原因。所以，在充满现代气息的城市环境里，具有独特艺术风格的古典吉他，更能带来不一样的艺术享受，古典吉他必将迎来它的再次复兴。
小议高中音乐教学中的西方古典音乐欣赏
进入高中之后，学生大体上已经历了九年的音乐培养，应当具备了初步的音乐审美能力。因此，高中阶段的音乐欣赏教学重点是在原基础上进行音乐审美能力的提高训练。用以训练学生音乐审美能力的内容应当选取一些相对有一些难度的曲子，如中国古曲音乐和西方古曲音乐等。西方古曲音乐在人类音乐史上占据着重要的历史地位，在高中音乐欣赏课中，应予以重点处理。下面结合实际简要谈谈高中音乐课中西方古曲音乐欣赏的一些方法。
一、清晰西方音乐发展史主线，厘清教学思路
广义的西方古曲音本文由收集整理乐历时三百多年，从被称为音乐之父的巴赫开始一直到印象派的大音乐家德彪西。在这一段时期中，出现了许多闪耀的音乐明星和音乐作品。可以说，这三个多世纪中，西方可谓音乐繁盛至极，成果丰硕。但高中阶段并非要把这些成果都拿出来欣赏，一方面时间不允许，另一方面高中生认知能力有局限。实际上，高中音乐课程不可能全部为西方古曲音乐，整个课程体系中只能拿出部分空间来容纳西方古典音乐，往往只是选取一些重头的音乐家和音乐作品，甚至只是一个音乐名段。不过，教师在执教过程中，不能仅仅为欣赏而欣赏，而要适当贯穿讲解一些音乐史的知识，从理论上提升学生鉴赏素养。笔者综合各家观点后，将西方古曲音乐史大致分为如下阶段：巴洛克音乐——维也纳古典时期——浪漫主义时期——现代。然后按此划分规划欣赏课的内容，使教学的思路沿着音乐史的发展线条运行，最终使教学结构清晰，教学重点突出，取得了很好的教学效果，学生快速掌握了西方古曲音乐史的知识，提升了音乐欣赏的理论素养。
在开始讲解西方古典音乐时候如笔者上述所讲己经为学生勾勒了一个较为清晰的西方音乐发展史，这时的学生大概对西方古典音乐的一些基本情况有所了解，基于此，笔者在讲解巴洛克时期的时候事先会大概的描述一下什么是“巴洛克”，什么是艺术中“巴洛克风格”这些基本的概念，当然考虑到学生的实际情况，对这一问题只是做一些概念性的描述。接着会对巴洛克音乐的艺术风格做一个大概描绘让学生进一步理解“何为巴罗克”这一基本概念，下来会进入对于巴洛克音乐的代表人物的一般性讲述，期间会涉及到“音乐之父”巴赫、亨德尔、维瓦尔第和威尔第等人，还会讲述到这一时期的音乐类别和特征。在这一前提铺垫完成后就会进入对重点音乐家和作品的稍微详细的讲解阶段，选巴赫为例，因为巴赫的作品数量较为庞大，所以会选取被世人公认的名曲如《卡农曲》《托卡塔曲》、《哥德堡变奏曲》、《六首勃兰登堡协奏曲》、《十二平均律曲集》和《马太受难曲》等做一个概述性的介绍。为了提高学生的音乐热情，笔者在讲完这些后会不时的穿插一些如巴赫终生未婚这样的一些逸闻轶事来活跃课堂气氛加深学生对艺术家本人伟大的艺术气质的感知，然后，笔者会选取教材或者笔者自选的上述名曲的一些精彩片段利用多媒体在课堂播放让学生切身感受巴洛克音乐中的严谨对位法的艺术风格而后让学生阐述自身的看法。在让学生熟悉了上述的课程进行方式后，对于以后维也纳古典时期、浪漫主义时期和现代时期的西方古典音乐的讲解会依次进行但也会进行一些根据不同时期的音乐风格特点所讲内容的粗细和方式相应的会做一些有利于学生接受的调整。
二、多学科交叉，辅助提升音乐欣赏水平
任何艺术形式都不是孤立地存在的，音乐也如此。音乐与当时的社会风貌、民族习俗、政治、经济、文学、科技等都有密切的关系。可以说，世上根本没有完全独立的音乐。当前享誉世界的贝多芬名曲《第九交响乐》原本就与文学相依相生。德国文学史上有一个重要的时期为“狂飘突进”时期，其领袖之一叫希勒，他写了一首诗叫《欢乐颂》，当时的音乐家贝多芬为之谱曲，在创作过程中，由于音乐天才灵感的触发，贝多芬最终写成了具有四个乐章的宏大交响乐——《第九交响乐》；此外，巴赫的音乐带着浓浓的基督教味道，瓦格纳的歌剧完全就是音乐与文学、表演艺术等多艺术的融合产物，而一些现代乐器的创制和使用，本身就是科技的产物。由这些例子可以看出，音乐不是独立的存在，也不可能独立存在，它始终于各学科相关联，在各学科的影响和促进下不断向前发展。因此，在引导学生欣赏这些音乐时，应适当引导他们了解相关的学科背景知识。比如贝多芬《英雄交响曲》，在听的过程中可引导学生想象拿破伦领军驰骋的壮观凄美景象。结合多学科知识引导学生赏析，可以使学生对相应的音乐有更好的审美素养和能力。
三、因材施教，分层赏析
各个学生音乐天赋自有差异，再加上从小成长的环境以及后期家庭教育和学校教育上可能存在的种种差别，导致音乐审美能力发展不一致，这就要求音乐教师应因材施教，将赏析能力分为不同的层次，对应要求不同的学生。比如对同一首乐曲，针对基础好的学生，可要求其实现知识串联性的赏析，即听懂音乐节奏和旋律所表达的情感以及其中包含的故事；对于基础弱的学生，只需要要求其感受到节奏和旋律带来的快感或其他心理反应即可。
笔者的经验中，赏析西方古曲音乐时，如果不因材施教而搞一刀切，很可能导致大多数学生对西方古曲音乐失去兴趣，最终可能使他们对音乐学科也失去兴趣。如果这样，教学效果也就谈不上了。比如，对于基础弱的学生来说，如果硬性要求他们听出李斯特和肖邦的钢琴曲的具体区别来，难免有强其所难之嫌。当学生反复尝试都无法完成任务时，势必对音乐失去应有的兴趣。
总之，高中教育是学生从初等教育向高等教育迈进的一个关键步骤，而其中的高中音乐教育里的西方古典音乐欣赏则是这一阶段音乐教育的重要内容，是学生真正进入严肃音乐殿堂和提升自身艺术修养培养高尚人格和艺术鉴赏力的一个重要台阶，所以，教师在做好这一阶段的西方古典音乐欣赏教学工作对于直接关系到学生的艺术涵养问题，本文上述三个方面是笔者在教学实践中总结的一些方法和技巧，以期在以后的教学实践中使其更加合理化科学化指导笔者的教学工作。
关键词：“中国风” 流行音乐 《青花瓷》
进入新世纪，随着社会经济文化的迅速发展，我国的流行音乐逐渐呈现一种多元化发展的态势，流行音乐创作中添加了非常多不同的文化元素。而“中国风”是近年来国语乐坛所兴起的一股新潮流，“中国风”歌曲受到大中华地区乐迷们的喜爱，媒体对于“中国风”音乐创作也非常关注。所谓“中国风”即指中国文化创作风格，它以中华文化为创作基础，在流行音乐中加入大量的中国文化的元素和表现形式，它是流行音乐真正本土化的重要表现，构筑起了在全球流行音乐文化发展环境下独特的以东方文化为基础的流行音乐流派。
一、“中国风”流行音乐的艺术特征
（一）音乐理念方面展现东方的意境美和文化性
从中华传统文化方面来说，其在艺术审美方面的一个重要特点就是非常强调对古典文化意境的追求。在中国传统文化领域，无论是诗词歌赋，还是书法、戏曲等，都非常强调对意境美的追求。“中国风”音乐继承了中国传统文化当中的那种追求意境之美的文化内核。“中国风”歌曲的歌词通常都是非常具有古典文化气质的，歌词大多具有很强的写意性，加之在乐曲中会配上传统的民族乐器或者传统声乐的唱腔、技法等，完全展现对东方意境之美的追求。
“中国风”流行音乐最突出的特征就是对中国传统文化元素的运用，将各种诗词以及古风意象的内容运用到歌曲中来，使得歌曲的歌词或曲风呈现一种古典意象之美。这方面，周杰伦和方文山的组合就是创作具有古典意象之美的“中国风”流行歌曲的代表人物。他在《东风破》《发如雪》等歌曲中都采用了唐诗、宋词等古典文化内容，例如《东风破》这首歌曲的名称就是宋词的词牌名，它不仅运用了这些极具古典意象的事物作为其歌曲创作的内容，将它们进行有效地排列组合，使歌曲形成一种文化性特点。
（二）创作配乐编曲方面体现民族性和现代性的相互融合
“中国风”流行音乐在编曲方面也大量地对民族音乐元素进行积极的融合，例如在歌曲中加入民族乐器和中国地方戏曲等极具中国传统艺术形式的内容或元素，使歌曲整体上形成一种“中国化”的表现风格。具体来说，“中国风”流行音乐的编曲在节奏呈现上是既有古老的中华文化元素，同时又加入了现代流行音乐的表演节奏，这样的组合不仅能够更好地增强歌曲的艺术张力，同时也能使其表达呈现的层次更加丰富。而在乐器的使用方面，也是现代流行音乐的西洋乐器配以中国传统乐器的运用，让流行歌曲同时具有中国传统文化的韵味。例如歌曲《霍元甲》中也加入了京剧的花旦唱腔。这样在流行音乐中加入民族性的文化元素和内容，呈现“中国风”，能够得到更多本土观众的民族认同感，能够推动“中国风”流行音乐的传播。
（三）创作思路上的多元性和融合性
流行音乐传播方式和传播内容逐渐向着多元化方向发展，现在人们可以通过各种各样的方式来接收音乐文化传播以及音乐欣赏。中国流行音乐的表演形式多样化也是其多元化发展趋势的一个重要表现。主要表现在演奏乐器上面，运用的演奏乐器越来越多，不仅有中国传统乐器如古筝、笛子、萧等，还有西洋音乐的吉他、贝斯、架子鼓以及古典音乐的小提琴、大提琴等，都很好地融入到了流行音乐文化中来。音乐人的表演方式也更加多样化，自弹自唱、不插电表演，等等。如今的流行音乐人具有浓厚的个人特色。当前“中国风”歌曲的创作思路也向着多元化方向发展，对音乐元素的选择也更加自由，现代文化和传统文化、西洋文化和中华文化，这些音乐元素可以根据创作者的需求进行自由组合，其呈现方式也是多样化的。
二、“中国风”流行音乐的艺术审美
“中国风”流行音乐的艺术审美表现的是不一样的审美价值理念。具体来说，其审美价值主要表现在以下这几个方面：
（一）古典意境之美
“中国风”歌曲在歌词、编曲、唱法等各个方面都比较重视它能够展现中华文化传统的古典意境之美。例如《红尘客栈》《发如雪》等“中国风”歌曲都大都以古典诗词的内容为歌词题材，在歌词中的场景和景物的选择也大多符合古典文化意境，较多满足人们对“风花雪月”的想象的意境类事物，表达的情感较细腻而多情。追求古典意境之美的审美理念，在曲调上也多悠长和谐，拥有独一无二的雅致韵味，符合古典意境的沉着、含蓄之气概，就像《台》所创造出来的一个哀伤、凝重却含蓄、温厚的古典世界，也符合中国传统文化的意象美学观。
（二）柔和之美
“中国风”歌曲的整体呈现在力度、节奏等方面也与中国传统文化所强调的阴阳调和相一致，即强调刚柔相济、节奏舒缓。从其所透露出的文化气质方面来说，“中国风”流行音乐展现的是一种文静、柔和之美，整体气质是比较偏向阴柔风的。在歌曲中有比较多的阴柔、婉转的缠绵之音，其目的就是为了迎合中国传统文化的阴柔意境。这种偏柔和的艺术审美是当前“中国风”流行音乐的一种比较具有偏向性的路线。
三、“中国风”流行音乐的艺术表现――以周杰伦的歌曲《青花瓷》为例
（一）《青花瓷》歌曲概述
《青花瓷》是方文山作词，周杰伦作曲并演唱的歌曲，收录于2007年11月2日周杰伦制作发行的音乐专辑《我很忙》中。《青花瓷》宛然一出烟雨朦胧的江南水墨山水，水云萌动之间依稀可见伊人白衣素袂裙带纷飞；论词句，《青花瓷》却是一幅笔端蕴秀临窗写就的素心笺，走笔曲折只因心似双丝网，中有千千结；论曲调，《青花瓷》仿佛微风中静静流淌石上的山泉溪涧，清泠透亮而又蜿蜒回环多有不尽之意；这三者叠加至一处，《青花瓷》一曲正如其名，恰似那“自顾自美丽”的青瓷极品，洗尽铅华、古朴典雅、清新流畅。古筝撩拨，牙板清脆，琵琶淙淙，《青花瓷》的中国风分外动人。
（二）《青花瓷》的中国风艺术表现
1.传统5声民族调式
周杰伦的“中国风”歌曲无论是选材、词乐、调式、调性，还是和声处理和钢琴的织体，都体现出了自己应有的韵味。所以，周杰伦所创作的歌曲，多年来，在我国的音乐界，一直被称为典范。在作曲上周杰伦善于运用宣叙调的旋律创作歌曲。在这个方面他主要借鉴了西方音乐的创作技法，将音调的变化，用自然而然的手法运用宣叙调融入到自己创作的歌曲的旋律中去。此外就是在曲式上大胆的借用西方的一些音乐创作技法，在和声的曲式中，利用多变的调性使和声色彩变得更为丰富。他的歌曲创作在旋律布局上总是非常得体，乐句分布都十分清晰且完整。例如《青花瓷》这首歌曲，它是一首“中国风”谱曲而成的歌曲，用了民族调式中的宫调式的骨干音宫音“1”和属音“5”在歌曲中起到了重要的、稳定的作用，歌曲结束在宫音“1”上，起到了很好的明亮的音乐效果。可见，“民族元素”的流行音乐多用宫调式的主旋律，充分体现出作品中民族化的特有韵味。整首歌曲只有非常简单的四个乐句，但是布局却十分讲究，每个乐句都是一个字对一个音，用五声音阶来完成。
2.古典意蕴的歌词展现
歌曲表达的难点还体现在歌词的诗歌化呈现上，即歌词来源大多是古诗词，在演唱时也要注意理解古诗词的原本意义，以及了解古诗词歌词的韵律节奏。《青花瓷》在中国古典文化音乐的蕴含上，是以我国古典诗词为基础，将古典风韵巧妙的用歌曲的形式展现，既显示着我国古典文化音乐的含蓄和意境，又表现出了古典文化音乐的内涵。这样的展现和蕴含，代表着中国古典文化音乐的最高境界。在这首歌曲里，本身就带着宋词婉约派哀怨、惋惜之意。尤其是歌词的语言本身的质朴感配上清新、质感的旋律更是深刻的表达出了对爱情不在的惋惜之情。因此，这样的蕴含和情调，对演唱者本身的要求极为严格，不仅要能将宋词婉约、烦忧、惋惜的古典情感融入到唱腔中，并且还要有能力形成声情并茂的意境。在这首歌曲中也展现着中国古典诗词艺术的风范。这首词引用到流行歌曲中，也突出着古为今用的用意。例如，歌曲最后“天青色等烟雨 而我在等你/月色被打捞起 晕开了结局/如传世的青花瓷自顾自美丽/你眼带笑意”一句，不但要在声调上表现出理想的破灭感，更要在表情以及肢体动作上将黯然神伤的情感展示出来，只有这样才能形成声情并茂、张弛到位的力度。同时，也能展现出词中古典的艺术元素，突出将古典韵味，展示到歌曲里的用意。
四、结语
新时期，我国的流行音乐随着市场经济的迅速发展而逐步进入到一个发展的黄金时期，各种流派的音乐人层出不穷，各种风格的音乐作品尝试也是源源不断。尤其是“中国风”流行音乐的发展，更是带有先天的本土化特征。此外现在流行音乐追求音乐内容、形式等各个方面的娱乐化，例如凤凰传奇的《月亮之上》、筷子兄弟的《小苹果》等广为流传的歌曲，其在歌曲类型、表演形式等方面都以满足广大受众的娱乐性需求为主。“中国风”流行音乐作为一种重要的音乐类型，其发展对中国流行音乐文化产生了重要影响，应该加强对“中国风”流行音乐艺术特色的研究，有助于未来我国流行音乐文化的持续发展。
参考文献：
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相比音乐神童莫扎特而言，大器晚成的海顿（他27岁才开始写交响曲）的键盘音乐结构比莫扎特的同类作品有更多起伏，在处理大段音乐时，与莫扎特作品中常见的优雅、歌唱风格的旋律不同的是，他更推崇和弦的结构和节奏推动力。莫扎特的创作更多地倾向人声，而海顿主要是一位器乐作曲家，他的奏鸣曲中，许多经过句是根本无法演唱的。而莫扎特则堪称钢琴协奏曲的奠基人。他在协奏曲中第一个解放管弦乐队和独奏演员，让他们最大限度地平等出现在连续的乐曲对话中，这也是最合乎情理的。另外，莫扎特对钢琴的影响很大，一方面，他向他熟识的钢琴制作者提出中肯的改进意见和建议；另一方面，他通过及其精湛的钢琴技艺展示了钢琴的无穷魅力。
贝多芬对钢琴的贡献卓著。他一生创作了大量的钢琴作品，其中大部分都成为西方钢琴音乐的重要文献。他的32首钢琴奏鸣曲被称为钢琴音乐的“新约全书”。“贝多芬重新诠释了钢琴的表现力，1799年，他的首部奏鸣曲《悲怆》震惊了音乐界：情感表达之强烈、对比运用之极端、音乐结构之大胆均前无古人。”⑤古典时期，在钢琴演奏中，左手仅起伴奏作用，为了反驳这种观点，贝多芬确立了左手的重要地位，对他来说，左手常有助他构建独特的声音世界。
勃拉姆斯是“最后一位古典大师”。19世纪下半叶，当浪漫主义的风潮席卷而来时，勃拉姆斯还在使用几十年前的对位法，继续沿用贝多芬的形式作曲，与浪漫主义的知名作曲家格格不入。他的一生都致力于钢琴音乐创作。他经常使用密集的和弦结构，使得弹奏者两手之间的距离须频繁而敏捷地把手从键盘的中心向两端移动。他的钢琴作品风格严肃而醇厚。
从19世纪初开始，音乐中的浪漫主义因素逐渐占据主要地位，在音乐史上称为此后的100余年为浪漫主义时期。⑥浪漫主义音乐特点是：感性胜于秩序，知觉超乎理性。浪漫主义乐派在音乐史上的地位是不言而喻的，不但音乐体裁空前广泛，还出现了许多伟大的音乐家，如浪漫主义时代六杰：“为作曲而生”的舒伯特、“抒情风景画大师”门德尔松、“谱写灵魂”的舒曼、钢琴诗人肖邦、“角斗士”李斯特、“俄罗斯的名灯”柴可夫斯基。
“以法国作曲家C·德彪西为代表的印象派音乐是向现代音乐过渡的最重要的流派。它最终完成了古典调性与和声功能的解体，对20世纪的西方音乐发展有着无法估量的影响。”⑦与同样是印象派画家莫奈不同的是，德彪西在钢琴中捕捉光与色彩的瞬间。印象派音乐家拉威尔的作品虽然不多，但件件是精雕细琢的精品。如果说，德彪西是运用画笔跟颜料描绘出万物的印象的话，那么拉威尔则是用尺和坐标测量出音符的位置。
1915 年，自从美国出现了最早的爵士乐队以来，爵士音乐就以迅猛之势风靡全世界。爵士音乐源自美国的黑人音乐，它具有粗犷的节奏特征。美国人使用钢琴等欧洲乐器演奏了在文明社会中未曾出现过的非洲黑人音乐，并在短期内让它成为美国的音乐。美式民族音乐奠基人格什温是位出色的钢琴演奏家，他音乐创作的最大价值是把美国通俗音乐与严肃音乐有机结合起来，创立了美国所特有的音乐风格，即所谓的交响爵士乐，从此开创了美国现代音乐。
总之，钢琴已不单单是一种乐器。它的独特魅力不仅在于是一个宏大的音乐器材或家具，也不仅在体现于音乐作品上，它还是一种力量，能激发起各个时代的社会中不同阶层的想象力和雄心壮志。同时，它更是一种社会地位的象征。不可否认，浩瀚的钢琴文化承载了这300年的一切，没有钢琴，哪会有室内音乐？更不会有莫扎特、贝多芬、门德尔松等等音乐大师的精彩华章。没有钢琴，现代音乐又如何开创呢？钢琴的魅力，已经远远超过了它作为乐器本身的意义。毋庸置疑，钢琴在近300年中造就自身的同时，它也成就了人类。它的诞生，是人类音乐历史上的重要里程碑。 转贴于
注释：
①杰里米·西普曼．乐器之王：钢琴[M]．希望出版社 东方出版中心，2005：9．
②杰里米·西普曼．乐器之王：钢琴[M]．希望出版社 东方出版中心，2005：17．
③杰里米·西普曼．乐器之王：钢琴[M]．希望出版社 东方出版中心，2005：25．
④杰里米·西普曼．乐器之王：钢琴[M]．希望出版社 东方出版中心，2005：36．
⑤杰里米·西普曼．乐器之王：钢琴[M]．希望出版社 东方出版中心，2005：113．
试析哲学与音乐
［摘要］本篇文章主要探讨了中国古典音乐与古代哲学之间千丝万缕的联系。阐述了哲学与传统琴学之间的关系，论述了音乐在我国古代社会中所起到的作用，以及一系列音乐理论在古代文化中的位置。
［关键词］“道” 古琴 哲学 天人合一
［中图分类号］B21［文献标识码］A［文章编号］1009-5349（2011）07－0090－02
音乐在我国古代并不像今天这样能被每个普通人轻易地接触到，这一点和今天是不同的。可以毫不夸张地说当今的音乐已经通俗到这种程度：不同身份、不同阶层的人很有可能都非常熟悉或知晓同一个音乐作品。今天的音乐有着许多的受众群体。音乐产业已经发达到具有分门别类的音乐种类去针对、迎合不同类型欣赏群体的程度，这在我们当今的社会也是很常见的。中国传统音乐尤其是早期的古琴音乐却不是这样的，它所具有的功利性和目的性更强。在某种程度上“音乐”更像是一种工具。在早期等级森严的封建社会里，音乐这种东西并不是一般老百姓能接触到的，甚至可以说有些遥不可及。学习音乐这种艺术形式在古代有着非常严格、苛刻的条件，不像现在谁想学钢琴就能学习钢琴，谁想学二胡就能学习二胡。它特别挑人，即便一个人有着非常好的音乐天赋与音乐感觉，他想学习音乐也未必能学。老师收学生的时候并不是只看你的音乐造诣及你在音乐上的见解，而是还要考虑你的天资、灵气等这一类综合实力。这一系列钢性的指标缺一样都不行，哪怕你的乐理水平或演奏水平再高。因为在中国古代系统地学习音乐和音乐理论不只是单单学习音乐本身而已，而是学习一系列综合的东西，是要通过音乐来学习一整套为人处事的道，音乐只是其中的一部分。这一点有些类似哲学这门学科的任务。大家都知道，哲学是关于世界观和方法论的学问，是一门讨论宇宙、人类社会、大自然最一般规律的科学。也就是说它讨论的不是某一具体领域的特殊规律，而是从大千世界所抽象出来的普遍规律。冯友兰先生曾经说过：“哲学不是一门能够增加具体知识的学科，它的目的是提高人的思想境界。”大概意思就是说学习哲学能够给人提供一种认识问题、理解问题、解决问题的一整套方法。而在我国古代，学习音乐所要达到的最终目的从某一点来说似乎和学习哲学所起到的作用是一致的。所以在古代，正统的音乐教育只能在一些皇室家族或达官显贵的家庭中见到。在古代，音乐及音乐理论的学习所包含的层面特别多，其中包括为人、处事、养生，甚至还包括为军、管理、治天下等这一类复杂的事物。以上的例子都能说明音乐的学习在我国古代是一件非常讲究的事情，并不是普通的老百姓能轻易接触到的。
拿古琴这种传统乐器作为例子，就可以看出音乐在我国古代是一件多么严谨的事情。倾听古琴演奏便会感觉到这种乐器十分简约，甚至简约到几近枯涩。它完全是自己演奏给自己欣赏的，不像西方音乐是用来取悦人的，它完全是一种孤芳自赏、自娱自乐的。但古琴所传达出来的东西绝不是表面听到的几个音符而已，也就是说古琴所演奏出来的音符只是整个古琴曲的一部分，还有相当一部分的弦外之音，真正的内涵是它所表达出来的弦外之音。这就好比海明威所描述的冰山一样，他说我们所看到的冰山其实只是整个冰山的十分之三，其余的大部分都深深地埋在大海里，看不见，实际上我们看到的只是冰山一角。中国古典音乐与西方音乐说白了一个是写实的，一个是写意的。西方的大小调音乐直接了当，有什么就表现什么；中国古典音乐则比较含蓄，它讲究衬托，衬托弦外之音，衬托只可意会不可言传的东西。这点有点类似“禅”。禅宗曾经说过“道由心悟”“由心悟道”这样的话语。就是说只有通过“悟”才能获得一切的真谛、才能获得那些不可言传的东西。嵇康在《琴赋》中说：琴能“感天地以致和”。这也充分说明了琴是一件被赋予了神秘色彩的一门乐器。“感天地以致和”在这里暗示了琴是一件可以通天地之灵气的东西，琴在这里起到了一个中介的作用，人可以通过“琴”与天地发生感应。实际上也就类似于董仲舒所说的天人感应论中的“天人合一”。这就好比古罗马教皇在当时所处的地位一样，教皇是上帝与凡人之间的一个中介，普通老百姓只有通过教皇才能与上帝发生联系。有关人可以通过琴与天地发生“天人感应”“天人合一”的说法在古代还有很多，这里就不一一列举。通过以上这些例子可以轻易地看出古琴是一门既出世又入世的乐器。上述这些例子都表现着人和琴与天的关系、宇宙万物与古琴的这种参天地阴阳，人道完全顺应天道、人道完全符合天道的这种“天人合一”的中国哲学理念。换一种角度，从古琴的设计上来看也可以看出古琴是一种通“天地”的乐器。就拿古琴的造型来说，它长三尺六寸五分，象征一年三百六十五天。琴的表面是弧形，琴底是平的，象征着古人所认为的天圆地方。从以上这一系列考究的制作及命名就可以看出古琴的确是一件通天地的器物。而从古琴的形状、命名所借用的社会秩序、等级的名称来看，也可以轻易地看出古琴的制作已经讲究到了不可思议的地步。总之，古琴自古以来就不是老百姓摸得着的东西。
西方哲学的特点和西方音乐极为相似。如传统的交响乐，有着一套非常规范的模式。交响乐大体上可以分为高音区、低音区及中音区。一般来说它分为五个器乐组：弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。无论怎样风格或节奏的乐曲只需用不同的乐器按照这个模式去套就行。中国古典音乐则不同，它的随意性很强，并没有一个统一和中规中矩的模式。它包含的面非常广，更加强调意境与内涵。东方音乐里的中国传统音乐如此，特点就是简约，而且带有一丝神韵在里面。不像西方音乐那样有着庞大的气势和跌宕起伏的旋律。它更讲究简单、淡雅，淡一点、素一点。但这里说的简单是一种有深度的简单，用一句话来形容中国传统音乐就是：“中正平和，清绝幽绝！”自古以来，中国的古典音乐和哲学一直保持着密切的联系。这一点无论是从中国的儒家文化或是道家文化甚至禅宗文化都可以轻易地看出。还有我国古代著名的哲学代表人物孔子、庄子，他们在我国古代不仅是大哲学家更是美学家和音乐家。孔子、庄子的音乐美学思想在我国古代有着非常巨大的影响力，并且独具一格。我国的音乐美学思想产生非常早，可追溯到两千八百年前的西周。在战国时期，诸子百家争鸣，人们对“美”的认识和审美意识也在逐渐深化。孔子在美学方面的最大贡献就在于他以“美善合一”的主张奠定了儒家的音乐美学思想。孔子与庄子二人关于音乐的论述有着很大的差别。孔子将音乐上升到了“礼”的社会意义；而庄子则从“道”上强调音乐与自然的融通，同时又为了达到所谓的“道”而否定音乐的社会意义。二者虽有区别，但从古代音乐思想史来看，他们的音乐思想共同奠定了中国古代音乐美学的基础。
中国风钢琴音乐作品可以被定义为如下：是指从中国国家的传统文化出发，在满足不同时代人群共同的审美情趣的前提下，禀陈出新的钢琴音乐作品。中国风钢琴音乐作品既要继承和发展中国传统音乐和民间音乐，又要反映时代精神，同时展现出中国文化特征的艺术美。具有中国风格和中国文化的钢琴作品必须进行深入的分析，中国钢琴演奏的技艺与技巧主要还是源于西方钢琴音乐的演奏技巧，但在钢琴音乐在中国经过多年的本土化发展后，中国钢琴音乐具有了自己的风格和特点，中国钢琴音乐不在依附于西方钢琴音乐的发展而发展。钢琴音乐是没有国界的，结合中国文化特色的中国风钢琴音乐作品确实给人以新的气本文由收集整理息，这些具有内涵的中国风格钢琴艺术作品，不单单体现出至真中国艺术美的风格，也是世界钢琴音乐艺术在中国本土化的体现。
一、中国风格与古典美学
“韵”是中国古典美学与古典音乐美学的基本测量标准。中国最早提出的“韵”的范畴，是在南朝画家谢赫记录的《古画产品》序言中出现，但作为中国美学最高的范畴，正式出现于宋代的“韵”说。在中国艺术中，“韵”是等同于“美”，属于西方艺术审美中的最高级别。
“气韵”经常被用来作为一个词运用，实际上两者是不同的。“韵”是指音乐风格的外部特征，而“气”是在内部蕴含的[1]。构成“韵”的基本要素主要有：单一的音调、节奏、速度、力度、音色和音调，在每首音乐作品中通过各要素的变化来实现一首音乐作品中“韵”的展现。“气”只可意会不可言传，它不仅是实际存在的，也是音乐的风格特点中决定性的因素。由此可以看出，“气”和“韵”是内外对应的关系，只可“共融” 而不可“独存”。因此在中国风格钢琴音乐作品中，“气韵合一”是一首作品的灵魂所在，做不到“气韵合一”则作品就会失去灵魂，其韵味也会大打折扣。总之，在创作中国钢琴音乐中把握住“气韵”艺术的运用，便是创作出一个好的钢琴音乐作品的关键所在。
钢琴作品的创作风格与中国传统文化和审美意识的形成有着千丝万缕的联系，在音乐学术界已达成一致的认识，这就是中国钢琴作品创作的最主要难点在于对中国民族器乐的表演意识相一致的民族风格和民族意识把握上。作曲家只有在深入研究中国古典美学文化精华，深入了解古典音乐作品在不同的历史环境背景下所要表达的审美观念、音乐作品产生时代所具有的时代影响力，才可以准确地把握古典作品风格的艺术范畴，诠释古典作品的艺术美。
二、中国风格与民族文化
不同的地域，不同的生活氛围，不同的文化造就了世界上不同民族各具民族特色的钢琴音乐风格。音乐的发展紧随社会发展的脚步，由于中国文化与西方文化迥异的历史背景，差异显著的社会形态，因此钢琴音乐艺术的发展是不同步的。
在钢琴音乐作品的创作过程中，音乐素材的搜集和筛选是极其重要的，由于音乐作品具有特殊的美学性能，这些素材是钢琴音乐作品在创作过程中必备的重要背景。任何表演艺术都是一种“再创造”的艺术，钢琴作品的创作也是如此。因为是“再次创造”就要求创作者一定要认真研究音乐，缺乏了对原作正确的、深入的、全面的了解，是不可能创造出一个完美的，符合原创精神的艺术作品的。
中国音乐在民歌、说唱、戏曲、器乐曲中存在大量以五声化、节奏化，加强旋律线条韵律感和节奏感的作品，而这也正好填补了没有西方和声立体结构陪衬的空白[2]。中国古典音乐是我国音乐发展的源泉，想要创作出各具特色的中国风格钢琴作品，首先要在中国传统音乐文化的调性、和声、复调、曲式结构、民族风格的音乐文化等要素的理解上做好充分的准备工作，通过学习，才能加深了解中国风音乐，有权表达中国文化思想内涵的钢琴音乐作品。
三、中国风格创作特性
中国风钢琴音乐并不是狭隘的融入一个地域或者单一民族特定的音乐元素，而是使用不同民族音乐语言或中国地域民族文化，注重民族民风民俗文化和古典艺术风韵与现代作曲技法的结合，从而创作出中国风钢琴音乐作品。20世纪至今中国风钢琴音乐创作的一个重要特征是在现代钢琴音乐发展的基础上熟悉和了解现代作曲技法，对中国风格的中国钢琴音乐进行多维的思考与探索。许多作曲家大胆使用不同的衍生变化的方式创造，如音调、泛调性、无调性、十二音体系、序列音乐、偶然音乐等其他现代技法[3]，为创造中国风钢琴音乐提供技法支持。
摘 要：随着近年来国学热的不断升温，华语流行乐坛也掀起了一股“中国风”流行音乐风潮，一大批具有中国风特色的歌曲出现在大家的耳中，众多歌手纷纷在自己的新专辑中推出带有浓重的中国风的歌曲并获得了大众的追捧。“中国风”在全球华人地区范围内刮起一股中国文化的热潮。“中国风”成为中国流行音乐中一支显赫的音乐力量，正在强有力地影响着中国流行音乐的各个方面。
关键词：“中国风”；流行歌曲
一、“中国风”流行音乐的界定
流行音乐是根据英语Popular Music翻译而来的，有人将它翻译为“通俗音乐”。自二十世纪五十年代以来这个词专指那些非古典的、通常是歌曲形式的，由“披头士”、“滚石”之类的艺人表演的音乐。而“中国风”是指采用深具中国古典文化内涵的歌词和现代流行音乐的旋律、唱法及编曲技巧，达到怀旧的中国背景与现代节奏的完美结合，从而产生出含蓄、忧愁、幽雅、轻快等氛围的歌曲风格。黄晓亮在《中国风音乐史》中对“中国风”有着这样的界定：“中国风就是三古三新（古辞赋、古文化、古旋律和新唱法、新编曲、新概念）结合的中国独特乐种。”
二、“中国风”音乐的流行
“中国风”流行音乐是应大众审美对陈旧的流行音乐风格的厌恶和对民族性的流行音乐风格的渴求的背景而产生的，它的产生，一方面源于流行音乐的创作界独特的音乐理念，另一方面，是大众审美需求的不断变化与提升，大众审美促进了这一风格的流行音乐的产生，并推动其迅速由边缘音乐风格演变为主流音乐风格。而大众审美所偏爱的，一方面是它汲取了古今中外的美的精华，另一方面是在中国文化圈内，大众可以在这样的中国风音乐中找寻到中国特色的意境与感觉。一首中国风的歌曲在某种程度上代表着一个时间段内的一种文化内涵，但其间蕴含的还不止于此，有时它还包括这一个典型的中国古典意象、典型的中国古典意境，或是一种典型的中国式的感情。在这样的音乐风格下，在相同的文化背景下，大众更容易与之产生情感等诸多方面的共鸣，这样的民族特色的共鸣，填补了大众审美文化空缺，中国风音乐因此而流行起来。
三、“中国风”流行音乐的特点
从旋律、曲调上来说，中国风音乐追求重现中国古典音乐，或是采取模拟中国古典音乐旋律的方法，或是直接改编古乐或是戏曲音乐的方法，增加歌曲的“中国的”、“古典的”的特色。通过这种模拟与改编，加入现代音乐成分，使音乐出现古今交织的独特韵味。如“中国风”的歌曲的旋律不仅汲取了古旋律的特点，而且融合了戏曲中的长转音与现代R&B转音唱法。像王力宏演唱的《花田错》，其中有经典的一句“花田里犯了错，请原谅我多情的打扰”。其中“请”字绕了十几个弯，这种旋律的处理方法在以前的流行歌曲中是很少见的，在中国风歌曲中，结合R&B转音，使中国戏曲旋律又有了新的市场。
在歌词方面，中国风音乐偏爱中国古典词句，歌曲的歌词常借用古代诗词歌赋的内容。 如S.H.E中国风歌曲中的一首《长相思》，收录于她们最成功的大碟《SUPERSTAR》，歌词不有十分哀婉的古典味道，将这段词以RAP的形式表现，让人们感受到说唱和节奏在整个歌曲中的作用。
在乐器编配上，中国风音乐常使用中西结合的乐器编配方法。在使用钢琴、弦乐、电吉他等乐器的同时，大量使用二胡、琵琶、古筝、箫等中国乐器，这样的乐器的使用，不仅能够增加音乐的中国色彩，而且，对这些在中国文化背景下成长起来的歌迷来说，这些乐器的使用会自然而然地勾起他们的文化记忆从而形成对这类音乐的美的认同。而对非中国文化背景下成长起来的人来说，这样的乐器因其不似西方乐器那么流行，而使其具有独特的神秘色彩，或者说，带有明显的“东方的”或“中国的”的标志性，这样，中国风的特色就越加突出。如周杰伦的《东风破》主要运用了二胡；《霍元甲》则主要融入琵琶和大鼓，林俊杰的《江南》主要运用了箫。民族乐器与现代音乐元素巧妙地糅合在一起，正是中国风流行音乐的一大特色。
在演唱方面，中国风流行音乐的歌手常常结合R＆B唱法、RAP说唱，同时借鉴中国传统戏剧唱腔及模仿方言口音等，拓宽中国风流行音乐的表现力。如王力宏的歌曲《在梅边》中有一段中文饶舌，演唱时要求他在50秒内“饶”295个字。《在梅边》是hip hop和昆曲结合的尝试，这首歌以檀板声等戏曲开场的敲打作开头，rap的唱法很西化，但节奏上的乐器又很中式，唯一的旋律音出现在高潮的四句，四句用和声，除了本身的主调，一直有昆曲花旦作为和声。加之rap中穿插这牡丹亭的唱段。 听来，以rap为主线的整首歌仍是曲艺味道十足了。
在意境追求方面，“中国风”音乐无论在歌词、编曲、唱法、旋律还是MV的拍摄上，都注重使音乐整体上能够展现出典型的东方古典意境。中国古典艺术作品无论是诗词还是曲乐，都讲究含蓄、淡泊，追求意境的绵长深远，含蓄朦胧。“中国风”音乐多采用古典诗词作为题材，情感表达符合“中和”的审美标准。同时，曲调的悠扬和谐也体现了含蓄蕴藉、温柔敦厚的美学观。如周杰伦的《青花瓷》，与其说是一首歌，不如说是一出烟雨朦胧的江南水墨山水，“烟雨”、“青花”、“素胚”、“芭蕉”、“门环”等古典意象配上悠扬的曲调和水墨风格的唯美的MV，组合成了独特的意境。这种欲说还休、借景抒情的表达方式正是符合了“含而不露”这一中国传统的审美要求。
面对飞速发展的社会，全球化的日益加剧，更多的文化形式和审美标准影响和改变着我们的审美实践。对于当前流行音乐界的“中国风”现象，多数民众与学者是持支持态度的。“中国风”音乐承载着中国文化的内涵，以其独特的艺术风格和美丽，影响着大批的听众，同时，它通过特定的传播手段和行为方式，使文化消费群体在文化消费中得到审美的愉悦，最终实现中国传统文化和古典文明的传播。如何更好地创作及运作“中国风”流行音乐，使其在传统文化及满足人们审美需求中发挥更大的作用，仍需我们音乐学习及实践者们投入更多的努力。
参考文献：
[1] 梁和平.废墟上的希望：反思中国流行音乐.艺术批评.2006.5
一、流行音乐和古典音乐的简介：
流行音乐，大家都很熟悉，就是popular music。大范围的流行的，能够让广泛的人们感受到艺术的魅力。流行音乐包括国外的、包括国内的，不再是简单的作词作曲就能完成一首歌。多数的流行音乐的创作者都是青年一代;多数的流行音乐的都是以青年们的情感主体为主;多数的流行音乐使用的乐器都是大众流行的乐器，比如吉他;多数的流行音乐的创作贴近大家心灵，不要求高雅的情操和精湛的技术。流行音乐作品就像他所说的只是“流行”，并不能kt250.com长久的保存它的经典。从《纤夫的爱》、《朋友》、《同桌的你》到《天黑黑》、《黄昏》、《他一定很爱你》，无数的流行音乐雨后春笋似地出现，隔一两天就有新专辑。从邓丽君、尹相杰、刘德华到张惠妹、周杰伦、阿杜，无数的歌星献给人们无数美丽的音乐。
古典音乐，起源很早，就是classical music。从巴赫、海顿一直到李斯特、约翰•斯特劳斯，古典音乐的魅力让很多人记忆犹新。古典音乐为什么能够久胜不衰呢?那是因为古典音乐比流行音乐更能够震撼心灵、更能让人记住。多数的古典音乐的创作都是经典，没有很强的艺术天赋的人是创造不出经典的古典音乐的;多数的古典音乐使用的乐器都是古老的民族/西洋乐器;多数的古典音乐都是权利和品位的象征;多数的古典音乐有着高雅的艺术情操和精湛的演奏技术。古典音乐有很多作品家喻户晓，像《命运交响曲》、《梁祝》、《星星变奏曲》、《婚礼进行曲》、《蓝色多瑙河》、《爱之梦》等等。古典音乐里有着很多辉煌的创作家，像 音乐巨人——贝多芬，钢琴诗人——肖邦，音乐神童——莫扎特，交响乐之父——海顿 等。他们多数都有着平凡的一生，并不富裕，也并不渴望富裕，他们用自己的作品反映了那个时代的进步思想，他们的作品了既壮丽宏伟又极朴实鲜明，它的音乐内容丰富，同时又易于为听众所理解和接受。
二、流行音乐和古典音乐的对比：
在一次全国初中生音乐欣赏的调查中，统计出了以下数据：热衷于中国流行音乐的占65%，热衷于国外流行音乐的占17%;热衷于中国古典音乐的占8%，热衷于国外古典音乐的占10%。也就是说热衷于流行音乐的占82%，而热衷于古典音乐的只占18%。
每一个人从内心都会肯定古典音乐的魅力，只是有时还认识得不很透彻，才没有表现出来而已。这个“认识”不但包括对音乐的领会力，还包括教育程度和周围环境的影响。所以即使是肖邦，他休闲的时候说不定也会乐意听听迈克儿的热血作品，因为当时他为能休息而兴奋不已，需要比钢琴曲更激烈的东西来表达。
三、流行音乐和古典音乐的探讨：
为什么从过去的只听钢琴曲、交响乐，转变到现在兼容并包的局面呢?因为流行音乐的感情蕴涵非常浅显，能够瞬间唤起听众的感情。因此，听众不需要特定的心情、特定的环境，就可以直接进入到主创人员创设的情景中，从而达到与演唱者一起激动、一起忧伤、一起回味悠长的境界。流行音乐的流行就是因为它实在太大众化，根本不需要你有任何的条件，是完全的大公无私的音乐。如今的社会节奏日趋快速，大量信息的广泛传播需要及时处理，商业谈判分秒必争，学习生活如同绷紧的弦。人们的生活越来越紧张，需要以音乐来加以调剂。这种情况下古典音乐那种深深埋藏的韵味怎么会是享受呢?
一位音乐爱好者拜访了一位友人，她家中的光碟数目绝对是瞠目结舌，但找不到任何音乐盛典、外文歌曲，哪怕是老一辈歌唱家的单集、合集。“您认识李古一吗?”“听说过李双江吗?”甚至，“你知道蔡琴和高胜美吗?!”摇头，自始至终。已经忘却了近似常识的音乐知识。这也是沉迷流行音乐，不听古典经典带来的后遗症。还好，像彭丽媛这些还未引退的老一辈歌手还有人认识，伟大巨人贝多芬一生的事迹未被遗忘。
中学是性格爱好形成的时期。目前迷恋流行音乐而不能自拔的大多是十几岁的初中、高中生，试想他们一旦迷恋流行音乐而彻底排斥古典音乐。没有正确的引导，青少年追星简直到了不可思议的地步。这就更是流行音乐的悲剧了。不过我承认，被追星追得不可思议的大多是实力超群的，像刘德华、周杰伦等，的确是优秀。但现在不但世界是在多极化发展，音乐界也在!还有这么多古典经典被抛弃，不知当人们都忘却了古典音乐的时候，音乐界是个什么样子。
不知是大家忘却了古典音乐的原因是什。是没有接触?还是觉得太差劲?当然，我觉得第二种可能性是极小的，每一首古典音乐都是经典，怎么会差劲呢?所以只可能是广泛的青少年没有接触古典音乐。我曾经给我一位热爱流行音乐的同学介绍了她从未听过的肖邦的着作《幻想即兴曲》和《降e大调夜曲》，她听后的感觉非常不错，说：“有一种流水般的感觉”。的确，这两首音乐都有着非常精湛的技巧;有着非常深奥的韵味;有着不可磨灭的精神。这两首曲子并不是古典音乐中最经典的乐曲，还有像《田园交响曲》、《少女的祈祷》，甚至《梦中的婚礼》、《水边的阿蒂丽娜》非常优美的乐曲让大家欣赏。在 百度 每日金曲排行榜 上只有一首可以算是古典乐曲的音乐进入了前50名，排在第38，这就是《梁祝》： 试问，难道能够打动人心的只有这一首乐曲么?只可惜的是大家根本没有机会去
细细品味这些现在已经没有更多的古典音乐了!
