时间：2024-04-03 10:56:57
探析当代通俗古典音乐 文章 来源
引言
通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式,是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚,旋律经典、优美,通俗音乐表达形式丰富,表达手段多样,因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达,是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。
一 通俗古典音乐的艺术特点
1 融合两种音乐艺术特点的表达方式
通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎,因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式,这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积,在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近代发展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式,具有当前最广泛的听众基础。因此,融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长,以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化,让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式,更具色彩的舞美效果,更具现代特色的时代气息,同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容,从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。
《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲,在经过现代手段改编后,曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器,成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外,改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改,使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装,使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代着名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革,并首先使用电子小提琴进行演奏,将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人,又有现代音乐的激昂、壮美,将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬,喜悦、亲切,让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式,将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式,因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧,其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见,将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐,在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力,也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素,并且喜爱这种新型艺术的表达方式。
2 对文化的多元化表达
无论古典音乐还是通俗音乐,都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐,不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异,例如,中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异,不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此,将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果,因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现,例如,中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下,普通大众人们的文化意识形态,即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感,而不再过分强调表达的形式,打破形式上的束缚,是通俗音乐最主要的文化特征。
通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上,李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中,无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱,李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出,便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国着名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的着名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后,是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样,是对文化多元化表达的体现。
二 通俗古典音乐的创编手法
1 编配手法改变
在通俗古典音乐的创编手法中,编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富,但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举,并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此,对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如,中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌,因为其旋律优美,流传甚广,深受广大听众的喜爱,因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律,因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析,通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强,尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时,通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈,这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此,对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如,中国的传统音乐中多以单乐器表演为主,这源于中国传统乐器多取材于自然,因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力,因此人们在对古典音乐重新编配时,自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。
2 音乐元素的融合
通俗音乐中的音乐元素更加丰富,音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中,创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变,将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题,设计者用圆形的幕布将舞台四周围起,并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时,站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋,舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空,上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏,如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时,灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时,原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来,此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间,舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的,因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂,而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂,表现充实的音乐文化作品。同时,不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合,具有更具时代性的文化创作。
3 音乐结构的改变
对古典音乐结构进行大胆的创新和改变,创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中,音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新,更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法,因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如,现代着名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神,同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头,理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性,之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运,我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题,但强烈之中缺少变化,所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上,还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构,这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。
一、中国古典音乐的分析
(一)中国古典音乐的概念
中国古典音乐是众多音乐形式中的一种音乐类别。中国古代的音阶分为:宫、商、角、变微、徽、羽、变宫,称为七声音阶,就是现代音乐中的C、D、E、F、G、A、B。七声音阶通常以雅乐和燕乐作为主要载体。通常在宫廷的祭祀活动或者朝会仪礼中会采用雅乐。雅乐起源于我国周代,起初用于祭祀天地、祭祀祖先、宫廷朝会、军事大典等。燕乐指的是在中国隋唐时期到宋朝时期的宫廷宴请所用的歌舞音乐,具有很强的娱乐欣赏性,又称宴乐。宴乐由声乐、舞蹈、百戏、器乐等几种音乐形式组成,其中舞蹈、歌唱音乐在隋唐时期占有较为重要的地位。燕乐中的乐器有箜篌、方响、筚篥、羯鼓、琵琶、笙、笛等。
(二)中国古典音乐的特点
中国传统古典音乐通常具有抽象、深邃和虚幻的特点,可以使人体悟到真实的高山流水、山竹花鸟,随着缓缓的音乐应运而生,通过这种深邃的音乐可以将千古缠绵不绝的生命呼唤显现在人的眼前。那种说不清、道不尽的唯美感觉,就是中国古典音乐所崇尚的一种淡泊、典雅、含蓄、委婉之美,也是中国古典音乐独具之美。中国古典音乐注重的是心灵和心理上的感觉,就是通过音乐将生命的体验和领悟表现出来,最能体现的是中华上下五千年的生命意蕴。中国古典音乐,无论是在心灵上亦或是在感情上,所崇尚的都是一种同大自然的交织相应,显现的都是诗情画意般美的意境。
中国古典音乐注重对情感的反映,通过乐曲可以使听众得到一种主观上的感受,通过乐曲也能够展现出当时的社会意识形态及人类情感世界。中国古典音乐通过作曲者对情感的捕捉,再配上旋律、声调、词、曲等综合形式,把作品呈现出来。中国古典音乐可以通过旋律、声调、词曲等元素的变化展现作品的内涵意境所在。中国古典音乐具有极强的感染力,使听众在听觉和感官上得到一种自然美、人性美、社会美的意境感受。
二、钢琴演奏的分析
(一)钢琴乐器的表现力
钢琴是众多西方乐器中演奏的表现力最为丰富的乐器之一,素有“乐器之王”的美誉,演奏起来非常引人入胜。没有任何一种乐器,可以独自将宏大的气势表现得丰富多彩、绚丽辉煌。钢琴的音域很广,可以达到6到7个八度,通过力度由弱到强的变化,表现多彩的变化,足以同一支交响乐队相媲美,钢琴演奏者可以独自一人通过钢琴创造出一个完美的作品,塑造一场生动的画面。
(二)钢琴演奏的音色特点
在数以百计的音乐弹奏中,钢琴演奏具有其独特的美学效应和发音特色。钢琴具有独特的如歌般的清脆悦耳的灵透的音色,可以将演奏者的情感表达得淋漓尽致,对于钢琴的演奏,要求必须具有纯熟的弹奏技艺,加上演奏者对于音乐深层内涵的理解。钢琴演奏出的音色时而优美甜蜜,时而咆哮愤怒,时而微微细语,时而奔腾豪放,其音色的变化具有极为广阔的空间和延展性。钢琴所独具的音色之美,是其他乐器无法比拟和仿效的。
三、中国古典音乐同钢琴演奏结合所产生的美学效应
通过中国古典音乐同西方乐器钢琴的结合就产生了一种全新的音乐——中国钢琴古典音乐。中国钢琴古典音乐同以往所说的单独钢琴音乐不同,同单独的中国古典音乐也不同,它是一种通过钢琴所演奏出的中国古典音乐,是一种全新的音乐艺术表现手法,是一种东西方的艺术相互结合所产生的结晶。中国古典钢琴音乐演奏具有极强的复杂性,演奏者除了要对音乐深入理解,还要在演奏时极为投入,把握和领会中国古典音乐真正的灵魂及内涵。只有把中国古典音乐与钢琴发音极为巧妙地结合在一起,才能够弹奏出极具中国神韵和静雅风格的中国古典钢琴音乐。
中国古典音乐同西方的音乐,在情感和意境表达、创作手法和表现形式上都有很大区别,中国古典音乐追求的是“神”“韵”“意”的传达和表现,音乐所要展现的是意境和内涵。通过与钢琴的结合,能够很好地弥补中国乐器所演绎的不足,更好地将中国古典音乐通过钢琴的音色表现出来,完美地展现出中国古典音乐的内涵。
(一)对于意境美的表达
钢琴具有极为立体化的音色,可以将中国古典乐曲的意境很好地诠释出来。在中国古典音乐作品中,无法找到纯粹的写实之物,大多是用来歌咏和抒情之作,无论是借景抒情还是借情叙景,都是一种在心理上的感情抒发。下面笔者以几首作品为例,对中国古典音乐用钢琴弹奏表达意境美做更深入的分析。
1.由王建中改编的现代钢琴曲代表作《梅花三弄》通过改编之后,使人们可以透过音乐感受到梅花的时而动态、时而静态的美,并且可以感受到通过傲骨之梅所创造出的意境,从而更加深刻地表达出作者高洁冷峻的情操。改编后的《梅花三弄》不仅再度发挥了原创的艺术之美,并且在原作旋律的基础上,更好地诠释了原作的精神内涵。
2.由陈培勋改编的现代钢琴曲之作《流水》,改编之后,使这首作品更加凸显出作品所要展现的流水之动态和人类同自然界之间相互依赖的意境。听众可以通过钢琴弹奏感受到作品所描绘的流水潺潺的小溪和波涛彭湃的江河,正是作曲者所要抒发的对祖国大好山河的热爱之情。
3.由黎英海改编的现代钢琴曲《阳关三叠》,通过改编之后,成为一首三段式结构的重奏曲。这首改编曲既保留了原作唐代琴歌的音乐特色,又加入了钢琴的特色,融入了一些不同类型的音色,使作品更加丰富,使人能够感觉到更多的层次感,作品改编后,非但没有失去古曲的特色,还增添了音乐的充实感,使旋律线条的音乐更能适应现代钢琴的演奏。
由以上几首古曲改编后的代表作来看,在旋律和音调上仍然具有传统音乐的古朴特点,又在旋律和音调上做了新的创造和发展,使作品不仅能适应现代钢琴的演奏,更创造出了一种深邃久远与现代派融合的意境,彰显了古典音乐的古雅内涵,又使乐曲显得更加余韵无穷。
(二)对于情感美的传递
通过钢琴演奏出的中国古典音乐可以更生动地传递出作曲者想要表达的情感之美,透过音乐的聆听仿佛能感受到作曲者在向人们描述着一个远古的故事。无论何种艺术作品都有其所要表达的情感内涵附着在作品里,听众能够在欣赏乐曲的同时,感悟到乐曲所要表达的情感,欢乐或是悲伤、幸福或是忧郁,都能够在享受乐曲的同时深刻地体会和感受到。
1.感受乐曲美妙情感
对于乐曲美妙境界的感受,是通过钢琴弹奏出的音符来传递的,无论欢快的还是低沉的乐曲都能够带给人全新的体验,使听众跳出现实世界,暂时“停留”在乐曲里进行一种精神层面的享受,更多地感触乐曲中的人与事物。
2.感悟乐曲情感之内涵
透过中国古典钢琴音乐,能够更深层次地挖掘到作曲者的思想意图,从而产生一种情感共鸣,感悟到作品中的灵魂所在,充分感受到作品中鲜活的人物及情感。透过中国古典钢琴音乐,可以把作品中某一时期的情感灌注其中,充分展现作曲者所要表达的意图。
3.灵魂的震撼体验
中国古典钢琴音乐可以拉近听众与作曲者的距离,排除时间的距离,实现两者间的时空对话,灵魂交流。钢琴所发出的的音色,可以使听众体验到作品当时所处的环境,从而通过对听众灵魂的碰触,感受到一种全新的震撼。在人类的灵魂深处,都存在着某种最为真实的情愫,恰巧通过音乐可将其唤醒,通过音乐使灵魂得到一种全新的震撼体验。
(三)对于旋律美的表现
对于音乐而言,其线条之美感是由旋律构成的。音乐透过旋律直接影响听众的听觉感官,使其直接获取到一幅臆造的景象盘旋于脑海。例如《渔舟唱晚》,透过颤音、滑音、跌宕起伏的旋律可以使听众仿佛置身一艘出海的渔船之上,感受到渔船被海水击打的水浪和渔家的歌唱萦绕在耳畔,击浪声、欢歌声美妙地相互交织在一起……中国古典钢琴曲在旋律上力求保留古典滑音、颤音,还加入了新的创造,在旋律上赋予了新意。通过对于音色变化、音乐力度和节奏的把握,使乐曲在旋律上更加丰富生动、起伏跌宕。通过钢琴演奏,不仅能表现出乐曲的古典之神韵,还能够融入西方的复调方法,使乐曲更加具有旋律上的线条变化之美,使乐曲更具表现力等。钢琴演奏更能够帮助欣赏者加深对原作的理解,激发其对美好事物、情感或生活的体验,进而展开对其的追求及创造。
(四)对于古雅典范美的诠释
中国古典音乐通过改编成钢琴曲,可以在保留原曲目的基础上融入西方音乐的曲式结构,形成一种全新的具有古雅之美的乐曲。中国古典乐曲通过改编能够更好地发挥出其古雅典范之美,听众可以透过钢琴美妙绝伦的飘逸质感,呈现古曲的淡泊幽静的古雅之美,更加拓宽了中国古典音乐的美学意境。中国古典音乐通过改编成钢琴曲,会将原有的淡雅从容、从俗到雅的平和幽静展现得淋漓尽致,使这种唯有中国古典音乐独具的博大、深邃、广袤的情怀得到一种极致的展现。如改编后的《梅花三弄》更加深刻体现了原曲的内涵精神,在乐曲的前奏上使用了低音八度的装饰音,使乐曲的音域更加浑厚辽阔,呈现出一种遥远的古雅之美;在乐曲的高潮部分,改编者利用翻滚的音色凸显出梅花的孤傲之雅;在乐曲的结尾上,利用小二度的旋律使整个乐曲的基调变得轻松幽静,表现出古曲的格调及变化创新,让听众感受到梅花不惧严寒的高尚品格,同时又美丽孤傲的淡泊风雅之感。整个乐曲分为六个部分,第一部分旋律较和缓,在缓慢的乐曲中描绘出梅花的透明清秀;第二部分略见活跃之感,利用高音与低音的对比刻画出梅花的淡雅之美;第三、四部分则情绪高昂,显示梅花的刚烈气质;第五、六部分又转入平静舒缓,让听众联想到梅花的典雅之风。这六部分通过钢琴跌宕起伏的演奏给听众一种意犹未尽之感,梅花的超凡脱俗的气度及浑然天成的淡泊之美被一一呈现出来,极致地反映出东方艺术的古雅之美。
[关键词] 新古典主义的特征；琵琶音乐的古典主义；《狼牙山五壮士》；琵琶音乐中的新古典主义
【中图分类号】 J609.2 【文献标识码】 A 【文章编号】 1007-4244（2013）04-128-2
新古典主义是20世纪上半叶的一个重要流派，它力图复兴古典主义或古典主义以前时期的音乐风格和特征。其基本特征是：1.美学方面：它要求艺术整体的各个方面的均衡、完美、稳定。2.情感反方面：它追求适度、有控制的、理智的、普遍的感情。3.在形式和结构方面：它提倡复调音乐，调性明确，节奏匀称。新古典主义提倡“纯音乐”，尽量使听众将注意力放在音乐本身，而不是借助音乐以外的手段，它更注重器乐体裁。这些特征其实在古典主义早期就已经具备了的，在20世纪，作曲家根据自己的爱好和个性将他们与现代人的思想感情融合，再加上现代的作曲技法，对其进行再创造。在残酷的现实生活中，人们对音乐的要求和观念发生了变化，开始追求一种简朴、实在、理智的语言，并从古典主义中找到了他们所需要的样板，将之加以再创造，于是具有新古典主义的音乐就诞生了，可以说，新古典主义是从古典中来，又回到古典主义中去的。那么，在中国的民乐中有没有新古典主义的存在呢？事实上是有的。
众所周知琵琶是中国的传统民族乐器，已经有两千多年的历史，南北朝时，通过丝绸之路与西域进行文化交流，曲项琵琶由波斯经今新疆传入我国。在隋唐九、十部乐中，曲项琵琶已成为主要乐器，对盛唐歌舞艺术的发展起了重要作用。从敦煌壁画和云冈石刻中，仍能见到它在当时乐队中的地位。到了唐代（公元7-9世纪）琵琶的发展出现了一个高峰。当时上至宫廷乐队，下至民间演唱都少不了琵琶，遂成为当时非常盛行的乐器，而且在乐队处于领奏地位。
琵琶传统上是五声音阶。到了民国时期，已开始按照十二平均律增加琴码，目前标准的琵琶已有八相三十品，琵琶表现力和适应力大大加强，不仅可以演奏传统乐曲，而且可以演奏西洋和现代作品，并且有利于与交响乐队合作。由此涌现出一大批融传统音乐和现代作曲理论为一体的优秀的独奏作品，而且还出现了与各种乐器的重奏以及与小乐队和交响乐队的琵琶协奏曲。
在整个琵琶音乐的发展中，我们可以看见新古典主义的影子。作为中国传统的民族乐器，琵琶秉承了中国古典音乐一贯的“和谐之美”的风格，讲求音乐的和谐、完美、感情含蓄内敛，注重音乐的内涵与人们的情感的“天人合一”，这种情感的表现不同于西方的音乐，它清新、自然、不拘泥于形式化，依据作曲家当时的心性以及作曲家个人的经历和情感，乐由心生，音乐有感而发，因此，中国古典音乐一般没有具体的标题，也不像西方音乐有固定的曲式结构，整首乐曲完全是由作曲家自由发挥，现在流传下来的一些著名的琵琶故去的标题一般都是由后人根据对乐曲的理解添加上去的。
由于中西方音乐文化的差异，中国人特有的思想使得中国传统音乐一般都是单声部旋律线条，而中国的传统乐器也是为适应演奏单声部线条而造，它与西方的和声和弦织体的音乐体系有很大的不同。但是单声部旋律线条的最大的好处就是能够最大限度的突出音乐的旋律性，使人们能够将更多的注意力放在音乐旋律的本身，从而使人们能够对音乐有更加专注的欣赏和更深入的思考。在音乐的调性方面，传统的琵琶音乐通常是一首乐曲一个调性，极少出现转调的现象。为什么在琵琶古曲中很少出现转调现象呢？这是因为，中国古代的调式是以五声音阶为主的，因此琵琶作为传统乐器的代表，在制作的时候自然是要顺应潮流，而琵琶真正改用十二平均律制作是在民国时期。所以琵琶音乐中的故去一般极少出现转调的现象。
在琵琶的古典音乐中，节奏一般是极为工整和对称的，节奏型多为工整的二分音符、四分音符、八分音符、十六分音符，以及前八后十六或者前十六后八的节奏型，整首乐曲一般不会出现复杂的节奏型，乐曲节奏匀称，给人一种大气、工整的感觉，这种情况和中国特有的思想有密切的关系，在古代人们深受儒家的中庸之道和道家“无为”思想的影响，认为音乐应该来源于自然，效法自然这样才能符合自然之道，而在自然中，最简单最普通的事物中往往蕴含着深刻的道理和玄妙的含义，所以，在古典音乐中，通常节奏型都是非常简单、对称和工整的，这与西方古典主义时期的音乐有很多相似之处，西方古典主义时期的音乐节奏以对称、均衡为主，对称的节奏使音乐整体听起来使人感觉平稳，富有节奏感。
而在作曲技法和演奏手法方面，中国古典音乐由于没有固定的曲式形式，乐曲的创作完全是根据作曲家的喜好以及乐曲发展形式来进行创作的，所以在中国古典音乐中并没有形成类似于西方音乐严格的曲式体系，作曲家可以自由发挥，由于中国古典音乐都是单声部旋律线条，不存在西方音乐在创作时需要严格遵守的和声对位，因而在作曲时，作曲家自由发挥的空间更大。在演奏手法上，琵琶由于两千多年的发展历史，已经有了系统、完善的演奏手法，由于这些完善的演奏手法的支撑，所以在琵琶音乐的演奏中，可以较为准确的表达作曲家赋予作品的感情，以及较为全面的诠释作曲家隐藏在作品中的思想感情。
受到西方音乐创作的影响，作曲家在传统乐器创作的过程中不断的尝试创新，在古典音乐的基础上将之进行改造和再创作，例如，他们保留了古典音乐的旋律性，但是已经跳出了五声调式的创作范围，而改用十二平均律创作，这样便使音乐有了更广的创作范围；其次，在调性上，作曲家已经不再满足于一个调式内的创作，开始在乐曲中尝试多调式的使用，在乐曲中开始出现转调的现象，大大增加了乐曲音乐语言的丰富性；在旋律上，作曲家保留了古典音乐单线条旋律的特点，在此基础上作曲家加入了类似西方音乐和声的演奏但不采用织体对位，成为中国“本土”的和弦，使琵琶的演奏效果大大增强；在作曲技法上，琵琶的创作技法吸取了西方作曲的特点，通过融合琵琶自身的特点，在保持独奏形式的基础上，加入乐队式的音乐，是整个音乐听起来更加厚实；在节奏上，除了应用传统的单一的节奏型，又加入了较为复杂的复合节奏型，了古典音乐的节奏工整、对称，再加上乐曲加入了由乐曲的需要，作曲家所创造的新的演奏技法产生的20世纪音乐特有的不协和的音响效果，使得琵琶音乐在整体的音乐发展上有了一个质的飞跃。
例如，在《狼牙山五壮士》中，作者吕绍恩先生采用了传统琵琶武套曲的表现手法，运用民族的五声音阶调式排列为基础，结合西洋大小调式的作曲技法，在旋律进行中更多地配置了三和弦、七和弦的和声音响，提升了琵琶这一乐器在功能上的发挥作用，同时由于新的演奏技法加入，增加了演奏技术的难度，拓展了许多崭新的琵琶演奏手法，标志着当今琵琶演奏技巧高峰的一首代表作品。该曲结构非常严谨，音乐形象表现也极为鲜明。以模拟性节奏与象征性旋律为基点，戏剧性地渲染了中国人民抗日将士无畏，奋勇杀敌，不屈不饶地与敌人顽强作战的情景。作为了使琵琶达到乐队的演奏效果，首次在乐曲中刻画了两个主题，并且，依照西方的创作手法，将整个乐曲写成了三部曲式，采用倒叙的手法，乐曲分为三个部分，第一部分是引子，类似于西方音乐的序曲，描写了战场过后的惨烈的景象；第二部分分为两个主题，一个是正义的八路军主题，还有一个是邪恶的日军主题，作曲家通过让这两个主题依次亮相然后交锋来达到刻画描写战争的场面；最后一部分则是对英勇牺牲的烈士的缅怀。整首乐曲荡气回肠，充分展现了八路军战士英勇无畏的精神，生动的刻画了侵华日军阴险凶残的性格形象，以及双方交战的惨烈景象。这首乐曲是近代琵琶音乐史上第一首以西方曲式结构为主，按照西方的创作手法创作而成的琵琶乐曲。
作者不受其传统琵琶曲式较固定模式的约束，用现代的作曲法套路在定调上根据乐曲意境发展的需要采纳了F、D、E、G各调的穿插运用，使旋律发展层次更清晰且对比性强，技术运用上排除了左手习惯于在传统乐曲中调性概念较狭隘的演奏方法，尤为突出的是在旋律进行中运用了许多变化音，左手则大量采用了和弦按法，从而更挖掘了左手技术的潜在力。为了更真实地描写敌人残忍、狡猾、粗暴的本性，在乐曲进行中运用了许多密集型减和弦，在体现敌我交战中旋律进行以半音阶上行与全音阶模进的特殊手法。节奏上采用了散板、连续附点以及民族乐曲中较少使用的七连音等复杂节奏。使乐曲进行更富有叙述性、戏剧性，为该乐曲增添了许多亮点。
乐曲的引子部分为F调、4/4拍，整个引子部分的节奏打破了古典音乐工整、匀称的特点，使引子部分整体听起来悲壮、惨烈，为第二段的音乐起到了铺垫的作用。乐曲的第二部分开头为光明的八路军主题，主题开始为D调、4/4拍，描写了在中国的神州大地上，遍地是起来反抗日军的革命之火，而后改为2/4拍，此处借用了新四军军歌，旋律斗志昂扬、鼓舞人心，展现了中国人民高昂的斗志和面对侵略者无畏的决心，而后，乐曲又转为4/4拍，描写了各地的人们都拿起武器来反抗日本侵略者，革命之火一片燎原的景象。接着为第二主题，为了形象的刻画侵华日军，整个主题为E调、2/4拍，作者大量的采用较为复杂的节奏型，在主题中采用了典型的日本音乐，并且运用独特的琵琶独特的演奏手法和特殊的位置演奏，使音乐有一种独特的音响效果，听上去类似于加了弱音器的小号，非常生动传神的将侵华日军阴险、狡诈、凶残的形象刻画出来，而后旋律转为G调，作者通过将新四军的主题与日军的主题交替出现，表现八路军与日军之间激烈的交战，直至第二部分快结束，乐曲变为4/4拍，至此处，双方交战已经结束，英勇的五位壮士抱着宁为玉碎，不为瓦全的决心，毅然决然的摔枪跳崖，整个战场上弥漫着惨烈的味道。尾声段是一首宽广、庄严、雄伟的颂歌。在琵琶演奏技法上运用了难度较高的长时值、强力度的滚奏四条弦和轮四条弦的指法，并采用传统的民族五声调式与大小调式相结合的手法，利用民族音乐旋律横向发展的特点，给人在音响的听觉上犹如交响乐队的演奏效果，表现了人们以英雄为榜样，化悲痛为力量，从而鼓舞、激励着人们继承英雄的遗志，奋勇前进。
这首乐曲无论从创作技法的创新、旋律的变化、节奏型的突破、调性上的频繁转调穿插还是琵琶演奏手法上的创新，都堪称是东方与西方、古典与现代音乐的完美结合。这些创新使整首乐曲听起来仿佛不是一件单一的乐器在演奏，而是一个乐队在演奏的感觉，用单一代替整体，这在琵琶音乐中尚属首例。
关键词：“中国风” 流行音乐 《青花瓷》
进入新世纪，随着社会经济文化的迅速发展，我国的流行音乐逐渐呈现一种多元化发展的态势，流行音乐创作中添加了非常多不同的文化元素。而“中国风”是近年来国语乐坛所兴起的一股新潮流，“中国风”歌曲受到大中华地区乐迷们的喜爱，媒体对于“中国风”音乐创作也非常关注。所谓“中国风”即指中国文化创作风格，它以中华文化为创作基础，在流行音乐中加入大量的中国文化的元素和表现形式，它是流行音乐真正本土化的重要表现，构筑起了在全球流行音乐文化发展环境下独特的以东方文化为基础的流行音乐流派。
一、“中国风”流行音乐的艺术特征
（一）音乐理念方面展现东方的意境美和文化性
从中华传统文化方面来说，其在艺术审美方面的一个重要特点就是非常强调对古典文化意境的追求。在中国传统文化领域，无论是诗词歌赋，还是书法、戏曲等，都非常强调对意境美的追求。“中国风”音乐继承了中国传统文化当中的那种追求意境之美的文化内核。“中国风”歌曲的歌词通常都是非常具有古典文化气质的，歌词大多具有很强的写意性，加之在乐曲中会配上传统的民族乐器或者传统声乐的唱腔、技法等，完全展现对东方意境之美的追求。
“中国风”流行音乐最突出的特征就是对中国传统文化元素的运用，将各种诗词以及古风意象的内容运用到歌曲中来，使得歌曲的歌词或曲风呈现一种古典意象之美。这方面，周杰伦和方文山的组合就是创作具有古典意象之美的“中国风”流行歌曲的代表人物。他在《东风破》《发如雪》等歌曲中都采用了唐诗、宋词等古典文化内容，例如《东风破》这首歌曲的名称就是宋词的词牌名，它不仅运用了这些极具古典意象的事物作为其歌曲创作的内容，将它们进行有效地排列组合，使歌曲形成一种文化性特点。
（二）创作配乐编曲方面体现民族性和现代性的相互融合
“中国风”流行音乐在编曲方面也大量地对民族音乐元素进行积极的融合，例如在歌曲中加入民族乐器和中国地方戏曲等极具中国传统艺术形式的内容或元素，使歌曲整体上形成一种“中国化”的表现风格。具体来说，“中国风”流行音乐的编曲在节奏呈现上是既有古老的中华文化元素，同时又加入了现代流行音乐的表演节奏，这样的组合不仅能够更好地增强歌曲的艺术张力，同时也能使其表达呈现的层次更加丰富。而在乐器的使用方面，也是现代流行音乐的西洋乐器配以中国传统乐器的运用，让流行歌曲同时具有中国传统文化的韵味。例如歌曲《霍元甲》中也加入了京剧的花旦唱腔。这样在流行音乐中加入民族性的文化元素和内容，呈现“中国风”，能够得到更多本土观众的民族认同感，能够推动“中国风”流行音乐的传播。
（三）创作思路上的多元性和融合性
流行音乐传播方式和传播内容逐渐向着多元化方向发展，现在人们可以通过各种各样的方式来接收音乐文化传播以及音乐欣赏。中国流行音乐的表演形式多样化也是其多元化发展趋势的一个重要表现。主要表现在演奏乐器上面，运用的演奏乐器越来越多，不仅有中国传统乐器如古筝、笛子、萧等，还有西洋音乐的吉他、贝斯、架子鼓以及古典音乐的小提琴、大提琴等，都很好地融入到了流行音乐文化中来。音乐人的表演方式也更加多样化，自弹自唱、不插电表演，等等。如今的流行音乐人具有浓厚的个人特色。当前“中国风”歌曲的创作思路也向着多元化方向发展，对音乐元素的选择也更加自由，现代文化和传统文化、西洋文化和中华文化，这些音乐元素可以根据创作者的需求进行自由组合，其呈现方式也是多样化的。
二、“中国风”流行音乐的艺术审美
“中国风”流行音乐的艺术审美表现的是不一样的审美价值理念。具体来说，其审美价值主要表现在以下这几个方面：
（一）古典意境之美
“中国风”歌曲在歌词、编曲、唱法等各个方面都比较重视它能够展现中华文化传统的古典意境之美。例如《红尘客栈》《发如雪》等“中国风”歌曲都大都以古典诗词的内容为歌词题材，在歌词中的场景和景物的选择也大多符合古典文化意境，较多满足人们对“风花雪月”的想象的意境类事物，表达的情感较细腻而多情。追求古典意境之美的审美理念，在曲调上也多悠长和谐，拥有独一无二的雅致韵味，符合古典意境的沉着、含蓄之气概，就像《台》所创造出来的一个哀伤、凝重却含蓄、温厚的古典世界，也符合中国传统文化的意象美学观。
（二）柔和之美
“中国风”歌曲的整体呈现在力度、节奏等方面也与中国传统文化所强调的阴阳调和相一致，即强调刚柔相济、节奏舒缓。从其所透露出的文化气质方面来说，“中国风”流行音乐展现的是一种文静、柔和之美，整体气质是比较偏向阴柔风的。在歌曲中有比较多的阴柔、婉转的缠绵之音，其目的就是为了迎合中国传统文化的阴柔意境。这种偏柔和的艺术审美是当前“中国风”流行音乐的一种比较具有偏向性的路线。
三、“中国风”流行音乐的艺术表现――以周杰伦的歌曲《青花瓷》为例
（一）《青花瓷》歌曲概述
《青花瓷》是方文山作词，周杰伦作曲并演唱的歌曲，收录于2007年11月2日周杰伦制作发行的音乐专辑《我很忙》中。《青花瓷》宛然一出烟雨朦胧的江南水墨山水，水云萌动之间依稀可见伊人白衣素袂裙带纷飞；论词句，《青花瓷》却是一幅笔端蕴秀临窗写就的素心笺，走笔曲折只因心似双丝网，中有千千结；论曲调，《青花瓷》仿佛微风中静静流淌石上的山泉溪涧，清泠透亮而又蜿蜒回环多有不尽之意；这三者叠加至一处，《青花瓷》一曲正如其名，恰似那“自顾自美丽”的青瓷极品，洗尽铅华、古朴典雅、清新流畅。古筝撩拨，牙板清脆，琵琶淙淙，《青花瓷》的中国风分外动人。
（二）《青花瓷》的中国风艺术表现
1.传统5声民族调式
周杰伦的“中国风”歌曲无论是选材、词乐、调式、调性，还是和声处理和钢琴的织体，都体现出了自己应有的韵味。所以，周杰伦所创作的歌曲，多年来，在我国的音乐界，一直被称为典范。在作曲上周杰伦善于运用宣叙调的旋律创作歌曲。在这个方面他主要借鉴了西方音乐的创作技法，将音调的变化，用自然而然的手法运用宣叙调融入到自己创作的歌曲的旋律中去。此外就是在曲式上大胆的借用西方的一些音乐创作技法，在和声的曲式中，利用多变的调性使和声色彩变得更为丰富。他的歌曲创作在旋律布局上总是非常得体，乐句分布都十分清晰且完整。例如《青花瓷》这首歌曲，它是一首“中国风”谱曲而成的歌曲，用了民族调式中的宫调式的骨干音宫音“1”和属音“5”在歌曲中起到了重要的、稳定的作用，歌曲结束在宫音“1”上，起到了很好的明亮的音乐效果。可见，“民族元素”的流行音乐多用宫调式的主旋律，充分体现出作品中民族化的特有韵味。整首歌曲只有非常简单的四个乐句，但是布局却十分讲究，每个乐句都是一个字对一个音，用五声音阶来完成。
2.古典意蕴的歌词展现
歌曲表达的难点还体现在歌词的诗歌化呈现上，即歌词来源大多是古诗词，在演唱时也要注意理解古诗词的原本意义，以及了解古诗词歌词的韵律节奏。《青花瓷》在中国古典文化音乐的蕴含上，是以我国古典诗词为基础，将古典风韵巧妙的用歌曲的形式展现，既显示着我国古典文化音乐的含蓄和意境，又表现出了古典文化音乐的内涵。这样的展现和蕴含，代表着中国古典文化音乐的最高境界。在这首歌曲里，本身就带着宋词婉约派哀怨、惋惜之意。尤其是歌词的语言本身的质朴感配上清新、质感的旋律更是深刻的表达出了对爱情不在的惋惜之情。因此，这样的蕴含和情调，对演唱者本身的要求极为严格，不仅要能将宋词婉约、烦忧、惋惜的古典情感融入到唱腔中，并且还要有能力形成声情并茂的意境。在这首歌曲中也展现着中国古典诗词艺术的风范。这首词引用到流行歌曲中，也突出着古为今用的用意。例如，歌曲最后“天青色等烟雨 而我在等你/月色被打捞起 晕开了结局/如传世的青花瓷自顾自美丽/你眼带笑意”一句，不但要在声调上表现出理想的破灭感，更要在表情以及肢体动作上将黯然神伤的情感展示出来，只有这样才能形成声情并茂、张弛到位的力度。同时，也能展现出词中古典的艺术元素，突出将古典韵味，展示到歌曲里的用意。
四、结语
新时期，我国的流行音乐随着市场经济的迅速发展而逐步进入到一个发展的黄金时期，各种流派的音乐人层出不穷，各种风格的音乐作品尝试也是源源不断。尤其是“中国风”流行音乐的发展，更是带有先天的本土化特征。此外现在流行音乐追求音乐内容、形式等各个方面的娱乐化，例如凤凰传奇的《月亮之上》、筷子兄弟的《小苹果》等广为流传的歌曲，其在歌曲类型、表演形式等方面都以满足广大受众的娱乐性需求为主。“中国风”流行音乐作为一种重要的音乐类型，其发展对中国流行音乐文化产生了重要影响，应该加强对“中国风”流行音乐艺术特色的研究，有助于未来我国流行音乐文化的持续发展。
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一、西方古典音乐在中国流行音乐中的运用
1.在歌曲的前奏部分融入古典旋律
每一首歌曲在开唱前均有一段不同的旋律，而在中国的流行音乐中往往会引用西方古典音乐中的某一旋律作为前奏，前奏播放完再进入正曲。欣赏者会陶醉在前奏中而顺势进入整首歌曲的倾听中。如S.H.E的《波斯猫》和《不想长大》两曲在前奏部分就分別运用了英国作曲家亚伯特科特比的管弦乐作品《波斯市场》和奥地利作曲家莫扎特《第四十交响曲》之第一乐章旋律片段；而范晓萱的《我要我们在一起》则在前奏部分运用了挪威作曲家格里格《培尔金特》中《安妮特拉之舞》的旋律片段。再如蔡依林的《离人节》和林宝的《蓝色月光》在前奏部分也分别运用了波兰钢琴家肖邦E大调练习曲《离别》和德国作曲家贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章的旋律片段。又如刘若英的《分开旅行》的前奏部分运用了法国作曲家德利伯的歌剧《拉克美》中的咏唱调旋律片段。以上几例不但选取了管弦乐合奏曲、钢琴独奏曲等器乐作品的旋律片段，更有运用歌剧的旋律片段作为歌曲开头的前奏，从而引出正曲，使得歌曲风格突变，出其不意，给人一种别样的感觉，吸引欣赏者将整首歌曲倾听完毕。
2.在间奏部分融入古典旋律
有部分歌曲在间奏部分也会选用融合一些西方古典音乐旋律，在间奏出现前以流行歌曲自身风格发展，进入间奏后突然以古典音乐旋律片段出现，给人以别样的新鲜感与听觉冲击，增加戏剧性效果，也加强了作为流行歌曲的旋律感深度。如五月天的《知足》在间奏部分就出现了奥地利作曲家莫扎特的C大调《小星星变奏曲》；再如4 In Love的《一千零一个愿望》在间奏部分采用了德国音乐家巴赫《G大调小步舞曲》的主题旋律片段。在间奏部分融入古典旋律可增加流行音乐的深度，让欣赏者进一步感受到戏剧性的歌曲，在倾听的过程中始终保持新鲜感。
3.在尾声部分融入古典旋律
将西方古典音乐片段作为歌曲尾声的情况不常出现，但也有为了强化歌曲意境的效果而选择这种运用方式的。如周迅的歌曲《伴侣》即在尾声部分运用了奥地利作曲家约翰施特劳斯圆舞曲《蓝色多瑙河》的片段。由于该圆舞曲的节拍正符合歌曲三拍子的节拍，故选用之，使得歌曲即使到了尾声部分但却产生令人意犹未尽之感。
4.运用古典音乐旋律进行改编
中国流行音乐中有部分歌曲是选用西方古典音乐的某一片段，或是选用整首曲子进行旋律的改编于创作，或是在使用乐器上进行改变。这样的歌曲在多数情况下是以古典音乐为伴奏背景，或选择某一片段进行不同程度的改编、改创。其主要方式有配器上的改换，如五月天的《快乐很伟大》运用了德国作曲家贝多芬《欢乐颂》的旋律片段，而以吉他、贝斯、爵士鼓来重新配器、演绎，一来符合流行歌曲的一贯配器手法，二来对于听惯了以古典形式演奏的《欢乐颂》的人来说，无疑是一次新的听觉感受。再如杨丞琳的《庆祝》以及S.H.E的《Remember》两曲中分别运用英国作曲家艾尔加的小提琴协奏曲《爱的礼赞》以及俄罗斯作曲家柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》的主题旋律，并用电声化配器进行改创，增强了节奏感与律动性。
综合以上可看出，西方古典音乐在中国流行音乐中的运用十分广泛，为流行音乐注入了不一样的元素。而当代中国流行歌曲中对于西方古典音乐运用之情况较为丰富多样，不同体裁作品，不同位置的选择，不同形式的编创，无不体现出当代中国流行歌曲在创作时的创新意识，同时也带给听众不同的审美体验。
二、中国古典音乐在中国流行音乐中的运用
中国古典音乐旋律更加和谐，更加流畅，其中主要包括宫、商、角、徵、羽五个音，五个音的完美结合更易让人接受。因此，在中国流行音乐中融入中国古典音乐是必要的。加上中国戏曲、民歌的独特风格和演唱方法，更会给人一种眼前一亮的感觉。也正是因为这样，中国传统的古典音乐文化似乎得到了现代人的肯定。比如黄雅莉当年的成名之作《蝴蝶泉边》，明显的中国民谣风格，再加上朴实的歌词又给歌曲增添了几分中国色彩。就连编曲也决不疏忽，用到了各种民乐，古筝、箫、扬琴、琵琶、笙等等，过足了一把中国风的瘾。而后的《火星爱月亮》依然以民谣为主体，民谣最大的特点就是接近生活，传唱度非常的高。所以琅琅上口的曲调，成了这两首歌曲成功的秘诀。
【关键词】高校；古典；萨克斯管专业；教学；颤音
颤音的主要作用就是为了整体修饰声音，其主要的表现意义在于展现出更加规律的跳动效果，从根本上提升音乐作品的表现能力，增强声音本身的波动性。假如能够运用系统、有序的音乐技术进行颤音学习，就能够使得学生在实际应用阶段更好地选择颤音的应用技法。在高校的古典萨克斯管专业学学习期间，有效地运用颤音的优势，能够使学生演奏音乐变得更加游刃有余[1]。在20世纪80年代初，相关研究人员就提出，在古典萨克斯管中增加适当的颤音能够更好地提升最终的演奏效果，并且在实际的演奏中增加颤音的技术，能够更好地提高现场的演奏质量[2]。
一、在古典萨克斯管教学中增加颤音的教学价值
颤音本身作为古典萨克斯管演奏中常见的一种表现方式，在萨克斯演奏过程中使用得十分频繁，并且也会常常出现在古典萨克斯管的现场演奏中。在传统的观念中，古典音乐的演奏需要进一步地使用颤音的技术。所以，在当前的高校古典萨克斯管的学习中，教师十分注重对学生颤音的指导，同时音乐专业院校也对该项知识内容有进一步的研究与跟进。在高校的古典萨克斯管日常教学中增加颤音的内容，能够帮助学生更好地通过颤音进行声音的修饰，对于声音修饰来说，它不仅能够利用音符规律性的跳动来提升或者降低整体作品的音高，还能够采用颤音的方法增加或者减少振幅，从而使得音乐发声在整体音色上有一定改变[3]。再加上采用颤音的方法本身只是起到对声音的修饰作用，而并不会对古典萨克斯管的基本节奏以及旋律产生较大的影响，也不会对作品整体的表现力产生不良效果。在实际古典萨克斯管的演奏期间，假如能够科学有效地使用颤音的技术，就能够使演奏在感染力以及表现力上有所增强，进而提升整体效果。当前的音乐社会正处于传统与现实社会相互矛盾的局面，社会的进步能够侧面影响到音乐在各个方面的发展[4]。传统音乐的发展也同样如此。假如传统音乐想要在当前的社会背景下占有不可忽视的位置，就需要更大程度地去适应当前的社会背景，不断进行更新与完善。鉴于此，在高校古典萨克斯管的教学中增加颤音的课程教育内容，是古典萨克斯管演奏今后发展的必然趋势。当前，高校的古典萨克斯管教学也需要顺应时代的发展变化进行教学改革，采用颤音与日常课程练习结合的模式才能够更好地推进高校古典萨克斯管今后的发展，为高校古典萨克斯管今后的教学质量提供保障。颤音的演奏技术本身在高校古典萨克斯管课程结构模式中就属于基础性的内容，教师只有在不断更新颤音教学理念的基础上进行教学，提高学生对于颤音的理解能力，才能够从整体上为提升高校古典萨克斯管的演奏效果打下坚实的基础[5]。
二、高校古典萨克斯管专业教学中颤音的应用
（一）早期古典萨克斯管作品并没有体现出颤音的实际应用。颤音从音乐本质上来讲就是一个音的音高有规律的上下起伏，颤音的基本属性包含两方面的内容——颤音的幅度与频率。一个普通的音高就是固定的，没有相互之间的起伏，而颤音的音高则呈现不固定的、有规律的起伏。古典萨克斯管最早被发明出来的时候，演奏者并不会在演奏期间使用颤音。他们之所以不使用颤音是由于古典萨克斯管的发音原理是借鉴单簧管的发音原理而来的，都是利用单一簧片振动发声的模式将声音发出来的[6]。并且，早期的古典萨克斯管演奏者大部分都是单簧管的演奏人员，其中也包含古典萨克斯管的发明者阿道夫•萨克斯本人，他也是一位出色的单簧管演奏家。鉴于此，古典萨克斯管早期的演奏方法与单簧管演奏模式十分相近，古典萨克斯管在演奏期间也尚未使用颤音的技术。从19世纪中叶到19世纪末期这一阶段，社会以浪漫主义风格的古典萨克斯管独奏、重奏曲目的创作为主，所有的作品都没有涉及颤音的运用，比如，古典萨克斯管早期作品中都运用浪漫主义风格的演奏模式，听众都能够感受出浪漫主义的色彩[7]。但是在当时的作品中，都几乎不使用或者少使用带有颤音的演奏模式，大部分的演奏家也都会参照古典单簧管演奏家在声音方面的处理方式。（二）出现古典萨克斯管颤音的时间以及20世纪上半叶颤音的应用形式。古典萨克斯管颤音最早在爵士乐中有所呈现，当时古典萨克斯管作为一种独奏的乐器被融入爵士乐的演奏中，对于爵士乐的发展起到根本性的推动作用。同时，爵士乐的风格也能够从侧面促进古典萨克斯管演奏技术的发展及演变。产生这一影响最为关键的一个因素就是古典萨克斯管演奏中颤音的产生。当时爵士乐逐渐走入欧洲，古典萨克斯管的演奏人员也逐渐开始吸收爵士乐中的颤音演奏方法，并将其有效地融入古典萨克斯管的现场演奏中。正因如此，在早期的古典萨克斯管现场演奏资料中，能够听到的颤音都会或多或少地带有爵士乐的风格类型[8]。在当时的颤音演奏中，大部分都是在标准音高的模式下进行上下之间的起伏，主要的特征就是幅度大、频率快，并且，幅度与频率基本能够保持稳定不变。比如，在法国演奏家演奏的《克里斯顿》中，听众可以感受到颤音特殊的表现力，当时的颤音表现模式最为明显的缺点就是整体十分的机械，并没有过多的变化内容，在萨克斯的演奏期间，整体声音也不够柔和、优美。再加上本身颤音就是在原本音高的基础上进行提高一下的运动，幅度较大，在演奏阶段常常会因此影响音准的问题而导致整体效果出现误差[9]。（三）20世纪下半叶古典萨克斯管颤音的变化以及实际应用。由于古典萨克斯管的不断发展，在古典萨克斯管颤音逐渐形成的同时，颤音技术的发展也在一直推进。在20世纪80年代之后，颤音的技术出现明显的改进与创新。为了能够解决早期古典萨克斯管颤音演奏中的音准以及音色等细节方面的问题，古典萨克斯管演奏家借鉴并采用了新的模式对颤音内容进行改进，对比长笛与双簧管中颤音的应用方法对古典萨克斯管颤音进行创新，这样的变化模式能够让颤音的音高更加接近于作品的标准音高，在这样的基础上保证音乐的音色得到了延伸与拓展[10]。比如，聆听法国演奏家在不同时期演奏的《克里斯顿》的同一作品的录音时，就能够感受到颤音的演变过程。这样的变化就是由于社会的背景在不断变化，演奏人员在古典萨克斯管演奏期间的演奏技法在不断革新。从那时开始，颤音在实际的应用中，其幅度与频率就会随着音乐的不同状态进行一定的变化，已经不再是固定性的模式。当音乐作品的情绪较为轻柔、舒缓时，则颤音的幅度较小、频率较慢，甚至演奏者会有选择性地使用颤音；反之，当音乐作品本身的情绪较为激烈、紧张时，则颤音的幅度较大，频率也会随之加快。鉴于此，颤音在印象主义色彩变化期间的作用是十分关键的，教师在进行高校古典萨克斯管的教学期间也需要进行历史方面的正面引导，让学生能够在具备文化知识的基础上，再进行古典萨克斯管颤音知识的学习与应用。
三、结语
随着国家对于音乐教育的重视程度不断加深，在高校的古典萨克斯管教育教学中也应该积极进行创新，进一步落实素质教育的教育教学方针，让学生能够在校感受到音乐背景文化知识的魅力，在此基础上再进行萨克斯管演奏技术的学习。在古典萨克斯管的演奏期间，颤音的使用是古典萨克斯管演奏人员必备的基础技能，采用颤音能够让演奏者更加准确地进行音乐作品的表达。在学生了解到各个阶段的颤音概念、特征以及差别之后，在实际的教学阶段教师还需要对作品本身的特点进行反复的分析，并认真斟酌，帮助学生将颤音所具备的优势得以最大程度地展现出来，使得他们对颤音的应用能够更加自如，展现出更加强烈的音乐感染力与表现力，为音乐整体所展现出的风格奠定基础。
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［关键词］古筝表演;作品情感;古典美育;艺术表现力;演奏技巧
古筝属于弹拨类乐器，在我国拥有非常悠久的发展历史。一直以来，古筝表演中所蕴含的独特的艺术表现力和博大精深的文化精髓都受到人们深深的喜爱，具有较高的古典美艺术价值。随着现代文明社会的不断发展，人们的音乐素养水平也逐渐提升，对古筝作品的要求越来越高，古筝表演者除了要不断提高自身的演奏技巧，掌握不同古筝形制的演奏要求和不同筝派的特点之外，还应注重深入挖掘作品内涵，提高自身的艺术表现力，将音乐作品的生命力呈现给观众。只有这样，才能在表演过程中更加得心应手地处理好各项细节，充分展现出古筝作品中所蕴含的古典美艺术价值，使其在现代文明中得到更好的传承与发展。
一、古筝表演的古典美艺术实践
1.历史发展概况古筝最早出现于春秋战国时期，在当时的秦国一带广为流传，故又称“秦筝”，至今已有超过两千年的历史。最初的古筝表演形式多以娱乐目的为主，到盛唐时期，社会民生发达，人们的生活趋于稳定和谐，古筝逐渐超越瑟和筑成为人们广泛认可和青睐的弹拨乐器。唐朝时期的古筝表演已不仅仅局限于表现出“声音”，而是将“声”与“色”完美地结合在一起，进一步增强了古筝表演中的古典美艺术表现力。2.白居易对古筝表演传统古典美的认识白居易除了是我国唐朝时期的著名诗人，还是一名伟大的音乐家，他一生亲自创作的音乐诗歌共计三百余首，内容涵盖面十分丰富，从民间音乐艺术表演到宫廷演奏均有所涉及。在其以古筝为题材创作的音乐诗歌《筝》中，就充分体现了古人对古筝表演的认识和审美看法。白居易认为，古筝在传统古典艺术文化中有着十分鲜明的定位，即所谓的雅俗共赏性。通过白居易的音乐诗歌，我们不难看出古人关于古典美艺术的审美标准，人们更加倾向于从男性角度来欣赏古筝表演并对其进行评价，集中体现了我国传统社会时期盛行的男权文化。3.现代文明对古筝表演中古典美的认识随着时代的发展，不同时期的人们对古典美艺术也有着不同的看法。在现代文明社会背景下，人们在解读“古典美”的含义时更加关注其内在的含蓄和凝重，即便经过岁月无情的打磨，也依然能够焕发出独特的艺术光彩，为世人所传承、发展。古筝表演有独奏、合奏、乐队等多种演奏形式，融合了多种传统文化元素，演奏者在声乐表演过程中应与其他乐器相互配合，只有这样才能充分表现出古筝演奏中的古典美。
二、古筝表演中的情感体现与艺术处理
1.作品的情感表达演奏者只有在充分了解古筝音乐作品内容和创作背景的基础上，才能准确把握作品的情感内涵，真正展示出作品的古典美艺术价值。音乐是人们抒发内心情感的一种方式，只有能够引起听众情感共鸣的演奏才能称为一场成功的古筝表演。因此，古筝演奏者须提前了解作品的主题、风格和背景，在此基础上融入自己的看法，从而演奏出既原汁原味，又能凸显出自身风格的古筝音乐作品。要想达到这样的境界，不仅对表演者的专业素养和演奏能力水平有着严苛的要求，还要求他们能够深刻地体会到古筝表演中精湛的古典美艺术文化精髓。2.作品的处理每种形式的音乐作品都有其独特的处理方法，作为一名合格的古筝演奏者，不仅要具备高超的演奏技巧，还应能够对作品进行理性、成熟的分析，只有这样，才能有效提升古筝表演中古典美的艺术表现力。具体地，我们可以从以下几个方面来对作品进行处理:一是音乐情绪。通常情况下，抒情类作品的节奏大多较为缓慢，演奏者应着重把握其温柔、优美的特征;欢快类作品的节奏极富感染力，需要表现得尽量欢快、活泼一些;激越类作品主要出现在一些比较庄严的重要场合，演奏者在表演时须注入更多的情感。二是速度和力度。在古筝演奏中，对于速度和力度的把握是十分重要的。表演者应根据实际情况来对演奏的速度和力度进行适当调整，注意突出不同段落间的速度的对比，控制弹奏力度的强弱，以此表现出作品中的节奏变化。三是乐句、乐段之间的关系。在古筝音乐作品中，句与句或段落与段落之间的划分停顿是为了突出作品的层次感，表演者在弹奏时一定要注意处理好段落、乐句之间的停顿，既要表现出作品的节奏感，也要确保整个表演的流畅性。
三、提升古筝表演中古典美艺术表现力的途径
1.正确掌握古筝的形制与演奏方法就目前而言，标准规格的古筝多为s型，长约为1．63米，有21根弦。古筝面板材料的主要成分为桐木，框架的材料为白松，首部、尾部和周围侧板的材质则主要为红木、老红木、紫檀等。经过数千年的发展演变，古筝的外形和结构变化都始终体现了我国古代博大精深的哲学思想和宗教文化，故用“仁智之器”来称赞古筝并不为过。古筝的形制风格雅致且端庄稳重，表演者应以坐姿来进行演奏，体态要端正并尽可能地处于放松状态，保持肢体的协调性和平衡性。表演者弹奏过程中应将自己身体的各个部位视为整体，使古筝演奏更加流畅自然，同时还应学会合理运用身体不同部位去表现出音乐作品的需要。女性表演者在演奏时应注意并拢双腿，双脚的位置不宜分开过大，否则会失去古筝演奏的古典美韵味。古筝演奏中最常使用的手法是:右手大拇指、食指、中指拨弦，主要控制音乐的节奏和旋律;左手主要负责润色旋律、升半音和控制弦音等。古筝通用的指法有挑、勾、劈、撮、劈、抹等，各个筝派还有其独有的指法。新中国成立后，古筝的演奏手法有了突破性的发展，古筝表演者们开始尝试在弹奏过程中使用左右手交替，不断涌现出大量的左手创新技法和多声部演奏方法，不仅极大地丰富了古筝演奏技巧，还对表演者的身姿形态提出了更高的审美要求。总的来说，古筝表演者要想提高自身的艺术表现力，首先应正确掌握古筝的形制和演奏方法，使自己的身体与整个古筝表演融为一体，为观众带来一场视听上的双重审美享受，实现对传统筝乐古典美的继承。2.了解不同筝派的特点及演奏形式整体上来看，我国筝乐分为南北两派，具体又可细分为六个派系，分别是蒙古筝、山东筝、潮州筝、河南筝、浙江筝和客家筝，每种派系都有其独有的特色演奏方法。通过对我国古筝音乐源流和表演风格的研究，不难看出各个地区的古筝音乐风格都与当地的戏曲文化、民间说唱有着十分密切的联系，也正是因为这个原因，尽管古筝是一种十分古老的乐器，在我国已有数千年的发展历史，但至今仍然保持着顽强的生命力，在中华大地上生生不息地流传着。此外，不同派系的筝乐在形成与发展方面与外界环境和地域文化存在很大的关系，主要体现在其演奏形式上。例如:客家筝是以《汉皋旧谱》为形成依据，音乐风格含蓄内敛，具有十分鲜明的地域特色;浙江筝主要流传于浙江杭州地区，受江南丝竹影响较深，乐曲也多从琵琶曲移植而来;河南筝是由秦筝和当地民间音乐融合而来，其演奏形式具有“曲高和寡，妙技难工”的特点。每种筝派都有其各自的形成、发展与流传历史，演奏风格多样而迥异，作为一名古筝表演者须对这些不同筝派的特点有所了解，熟练掌握每种筝派的演奏形式，从而在演奏过程中更加得心应手，充分表现出作品中所蕴含的古典美艺术魅力。3.在现代文明背景下，实现对古筝演奏古典美的传承与创新发展在古筝初级教学中并没有局限于某一种特定派系，而是以强调技能训练提升为主要教学目的，教材中包含了各个筝派具有代表性的音乐作品。对于专业的古筝表演者而言，除了要有保留地传承流派，还应充分认识到自身所担负的跨流派传播古筝古典美艺术的重要责任，结合现代文化发展的实际需求来不断地创新古筝表演，不断提高自身的艺术表现力。20世纪80年代涌现出了一大批现代筝乐作品，例如，《天涯歌女》《分飞燕》《香港之夜》《绿岛小夜曲》《一剪梅》等等，这些筝曲大多被用于一些影视作品中，不仅提高了作品的影响力，还让更多现代人了解古筝音乐的魅力。古筝音乐古朴而不失典雅，既有小桥流水般的美好恬静，也有大气磅礴的激昂，总体上呈现出一种超凡脱俗的古典美。与现代乐器相比，古筝的音色优美、秀丽、清雅，婉转的旋律中仿佛包含了种种深情，为人们营造出一种幻想中的仙境。因此，古筝表演者将现代音乐元素融入筝乐作品中，不仅是为了满足现代文化市场的发展需求，还是为了让古筝演奏焕发出新的活力，以全新的表演方式来充分展现出古筝表演中甜美雅致的古典美韵味。在现代化社会背景下，市场化是艺术文化发展的一项重要风向标，现代古筝表演者需在尊重古典文化的基础上迎合市场需求，对筝乐作品进行适当地改编，重谱，实现古典艺术与通俗文化的完美融合，做到热情与优雅并存，充分满足当代人对古筝表演提出的新的审美要求，表演者应与时俱进，准确把握当代人的心理，并将其融入作品的演奏当中，从而有效引起当代人的情感共鸣，提高艺术表现力，将古筝表演的古典美淋漓极致地呈现在观众面前。
四、结语
综上所述，提升古筝表演的古典美艺术表现力是一项需要长期坚持的训练过程，表演者须对不同筝派作品的演奏风格进行系统化的学习和理解，在自身音乐修养的基础上用心感悟作品中深层次的情感表达，同时融入自己关于人生的一些见解和看法，只要这样才能不断提高自己的艺术表现力，在现代文明社会的包容性氛围下，实现对古筝表演中古典美的继承与创新。
［参考文献］
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［2］朱丹．古筝演奏中音色的体现及把握探析［J］．黄河之声，2013(03)．
钢琴家薛啸秋和指挥家李心草，一个是新晋钢琴偶像，学起斯诺克和魔术不遗余力；一个是全国一流指挥家，却在业余时间演电影、电视剧，客串综艺节目评委。
薛啸秋
青年钢琴演奏家，2010 年签约环球音乐，成为环球旗下最年轻的古典艺术家。薛啸秋也是作曲家，《无声曲》、《独奏者的秘密》都为原创音乐专辑。他的原创音乐流行感强，但依旧是演奏技法很扎实的古典音乐，被称为新古典音乐。
李心草
现任中国国家交响乐团首席指挥、韩国釜山爱乐乐团音乐总监兼首席指挥、中国少年交响乐团音乐总监等职位。在古典音乐家中，李心草属于“兴趣广泛型”，参演电视剧、话剧和电影，担任综艺节目评委。
话题一：古典音乐家的生活是怎样的
李心草：可能大家在台上看到我们的音乐表现，会幻想我们音乐家平常的生活是不是多彩多姿，或者是很浪漫。其实我的职业生涯是很枯燥、很辛苦的。我在舞台上特别累，因为我要控制一个乐团，自己是没办法享受音乐的。平常的生活，不光是枯燥，还可以说是非常艰苦。指挥家最辛苦的时候是外人看不见的时候，也就是在家里研究总谱的时候，这点可能只有最亲近的人才知道。
如果是工作期间听音乐会，我是很难受的，因为我会下意识去挑毛病，或者是担心台上的音乐家出错。经常有人说，“我一点都不懂音乐但是我很喜欢听”，那么我会说，你比我幸福 100 倍。他不知道什么是错，反而可以单纯地沉浸在音乐里，哪怕台上演得按照我们的标准来说已经是一塌糊涂了。反倒是平常在生活中我听到流行音乐会觉得非常放松和享受。
薛啸秋：我觉得我的生活和每个年轻人没有什么特别不同。只是我觉得会有一点和常人不一样，可能就是因为我们做的是艺术这一块，所以对很多事情都会特别敏感，无论是电影里还是看的书或是在街上走着，有些气味、温度，或者是一点点差异都会让自己很敏感。另外让我觉得很困惑的是，比如说，走过一条马路，我看到了一个觉得令人费解的现象，就会停在那里看，完全没有办法做其他事情了。
李心草：我想插一句，可能啸秋他自己不太清楚，但是我从旁观者的角度来看，指挥和独奏者不一样，指挥虽然辛苦，但是我们每天排练都是面对着一群人，都有交流。在舞台上也是有交流的。但是独奏家不一样，而且他又是身兼独奏家和作曲家，那么他大部分工作除了在舞台上面对观众以外，其余时间都是面对自我，而且他又这么年轻，所以我觉得成功的独奏家要耐得住寂寞，尤其像他这么年轻能做到这点是很不容易的。
薛啸秋：我平时也有娱乐活动，但是讲给同龄人听，他们会觉得很闷。比如说如果可以去三里屯看场电影啊，和朋友吃个饭啊，如果还可以去钓钓鱼什么的，那就太快乐了。但是好像讲起来，同龄人会觉得太老旧。我的消遣就是半夜两点多一个人特别闷，然后出去开车溜一圈，这就觉得已经非常幸福了。你懂我这样的感觉吗？
我习惯在夜里作曲。前几天凌晨 5 点多，有邻居敲门，我以为要投诉，可他先跟我握手，然后说“薛老师我非常喜欢你的音乐，你怎么弹琴怎么创作都没有关系，我上班睡不好也没关系”。我的楼下就是他的主卧，他说我半年多都没有上来敲过门，就是怕你在创作的时候被敲门声打断了。我当时就特别感动。他拿出手机，打开语音备忘录，全是我这半年弹的乐段。因为他听我弹不下去了，就想能不能帮我，一条条放给我听。我自己都忘了。这个时代有这样的邻居太不可思议了。
李心草：我现在经常开玩笑，半认真半不认真的那种，我说我现在最痛恨的两件事：第一是坐飞机，第二是穿演出服。哦，再补充一点，就是住酒店。
薛啸秋：对。坐飞机有件事你肯定有同感，就是有时候去机场换登机牌，会说不出具体要去哪里，可能是因为出行太频繁了吧。比如你把身份证和护照给人了，人家问你去哪，你却讲的是上一个地方。
李心草：对，有时候会想，唉，去哪来着？我有几次差点坐错飞机。因为我很少去东欧，那次我要去华沙，但我是从法兰克福转机的，我直接就奔着去柏林的那个口了。然后那个人也愣了半天说不对啊，你是去华沙不是去柏林。
薛啸秋：还有一个就是在酒店醒来的时候不知道身处何方。半夜醒来，或者一早起来也会觉得是之前那个地方。
李心草：而且古典音乐家的生活里也不是只有音乐。我在 15 岁的时候差一点去学相声，但是我妈不让我去。我小时候就喜欢表演，还演过曹禺先生的话剧《原野》，演的是里面那个最小的角色，白傻子，从头到尾就 5 分钟的戏，但越傻的角色越难演。我还演过歌剧《波希米亚人》第一幕只出现了 5 分钟的一个角色，就是那个房东，很色的一个老头。后来我考中央音乐学院的同时也报了中央戏剧学院的表演系，那会儿没现在这么难考，还真给我考上了。再到 1995 年，我中央音乐学院毕业，中戏导演系当时的系主任鲍乾铭老师给我开绿灯，要我去考中戏的导演系研究生，把我的蓝图全部都规划好了。但是后来维也纳的留学机会来了，我还是走了。再接着，陈凯歌导演拍《和你在一起》，我也在里面露了个脸。2003 年的时候真正触电了，“非典”期间音乐家都不能演出，一个很巧合的机会我就去安徽待了 3 个月，拍了一部电视连续剧，出演了一号男主角，名字改了好几次，现在叫《夜幕较量》，网上还能搜得到。
薛啸秋：在学琴的同时，我还学过好多东西，把每个兴趣都很认真地、自尊心很强地去练，然后练到一个很高的段位。我学过 6 年魔术，有段时间每天苦练斯诺克，差点没去打职业比赛。我还喜欢摄影，2011 年在成都办了摄影展。
话题二：古典音乐教育哪里出了问题
李心草：我有一个亲身经历，是我在维也纳上学的时候。有一次去维也纳金色大厅听一个大师排练贝多芬的第六交响曲。坐在我旁边大概有 3 个人，一 个是父亲，跟我现在年龄差不多，带着两个小男孩，一个大概 十来岁，一个可能只有六七岁。两个孩子非常安静地坐下来，父亲从包里拿出三本很小的总谱，就是指挥用的那种总谱，两个孩子一人拿了 一本。那两个孩子听得特别认真，音乐到哪谱子就翻到哪。中间休息的时候，小的那个就去问他父亲，说爸爸我们前几天在家里听的时候你给我听了这个大师的版本，还有那个大师的版本，好像有些地方和现在处理得都不一样，哪一种更好一些？相当专业的问题。他爸就非常正常地回答说，哪个都对，只是个人喜好不一样。我当时在旁边就惊呆了，不由自主地走过去，我说您的孩子这么小就能看总谱，可以提出这么深刻的问题，一定在学钢琴或者小提琴之类的乐器，而且学得很好。他说，不不不，我们的理念跟你们东方人不一样。我们重视的是怎么让孩子去欣赏真正的音乐、真正的文化，至于学不学乐器，他们愿意学就学，不愿意学就不勉强。比如我大儿子，去年他说想学长号，那就让他去学，学了 3 个月他说不想学了，那就不让他学了，长号拿到二手市场给卖了。我对这件事感触特别深，同样这个岁数的孩子，在中国，可能考级已经达到几级几级，音乐上面却没有多少真正的文化艺术熏陶。包括其实我们专业音乐学院培养职业音乐家的时候也存在这样的问题，都已经大学毕业、研究生毕业了，问他一个非常简单的音乐史上的问题，一问三不知。我们只注重表面的东西不注重真正的文化。
薛啸秋：我在四川音乐学院开设讲座，也给创作系的学生开了一门叫做“即兴创作与演奏”的课。这是第一次在学校开这个课，从将近 400 个大学本科生里选出了 5 个尖子生来上课。他们每个人都弹得特别好，技巧都特别完善。我说那你们都给我弹个《月亮代表我的心》，很多人都不会了，那我问《生日快乐》会弹吗，也不会。确实，学习古典钢琴就是学习肖邦、学斯特，但是你弹的都是肖邦的开心和难过，李斯特的开心和难过，你就不会弹一段你自己的音乐吗？
以前作曲家和演奏家是不分开的，但是现在不知道怎么，就慢慢变得作曲家不演奏，演奏家不作曲。现在作曲家不太会弹琴了，弹琴的不太会创作了，就让我觉得很遗憾。我们就一直用自己所学习的技巧来一遍遍勾勒和临摹，看谁更像肖邦，更像柴可夫斯基。
李心草：我觉得现在古典音乐的学习圈子里有些现象非常不好，像追风一样。当年我离开维也纳的时候还没有什么私立的音乐学院，我上的维也纳国立音乐大学以及另一所维也纳城市音乐学院，都是全世界最难考的音乐学院。但是现在维也纳遍地都是私立音乐学院，而且基本都是中国学生，只要出钱就可以去上。关键是在这些私立学院学习的中国学生，他们在国内连任何一所音乐院校都考不上才出国。
薛啸秋：现在很多孩子都被父母逼着练琴，可我学琴基本上没有被父母逼过。5 岁的时候父母带我去挑乐器，完全是觉得我太调皮了，有个乐器让我安静一会儿。那时候我根本连乐器都不认识，我以为是买玩具，就挑了个个儿大的。别人问我那你 5 岁的时候有没有立志成为一个钢琴家？其实我 5 岁的时候连钢琴是什么都不知道。后来找老师教我就不愿意了，觉得怎么一个大玩具就变成了学习工具。但是父母也不逼我，反正我不在他们跟前晃悠就行了，我出去踢球他们也不管，我弹琴他们也不管。12 岁之前一边跟着老师学，一边弹一些谱子上没有的，比如说弹一些儿歌，别人老弹练习曲，我就弹《机器猫》。那个是没有谱子的，但是很好地训练了我的耳朵。所以在 12 岁之前基本上就是这么过来的，而且在日本那段时间是快乐教育法，所以从小对音乐就没有排斥过。
李心草：我学音乐是家里不让我学，我自己非要学。而且等我考上了艺术学院以后，我妈妈还不让我去，最后是我的启蒙老师专程坐了三天的汽车到我家去说服我妈妈，我妈妈才放我去，从老家云南宝山到昆明去上云南省艺术学校，最后走上了音乐这条路。但是上了学以后就特别苦，在同龄人里没有见过比我更拼命的了。因为我学得晚，12 岁才开始学音乐。而且我有很强的自尊心，自己差一点就不行，一定要赶上。
薛啸秋：刚在日本学琴的时候，教我的大柱惠老师就觉得我是个很考验老师的学生，因为老师知道我不太练琴，就发明了很多教育方法，比如听一个曲子想到什么就画下来，再回去弹这首曲子，要弹得很像这幅画。但是 12 岁以后回国学琴，师从但昭义老师，那就是很科班的教育，开始要重新打基础。到了 18 岁高中毕业以后，已经拿过奖，也开过几场音乐会，但我父母还是觉得我是不是该去国外念一个别的专业，他们在 18 岁之前从来没逼迫我一定要在这方面干出点什么。
李心草：我比较了解啸秋，所以知道他确实是属于极有天赋的钢琴家。倘若是一个正常人，在他这个年纪，想要拥有这么成熟的技术，从 5 岁学琴学到 20 多岁，如果每天不保证 6 个小时练琴，是不可能达到的。关于这点我有一个理论，俗话说天才是 99% 的勤奋加 1% 的天赋，但是对音乐家来说，在最关键的时候，那 1% 的天赋要比那 99% 的努力重要得多。所以我就得出了另外一个结论：艺术门类，包括音乐，需要 100% 的天赋加 100% 的刻苦，这两个 100% 是相辅相成的。艺术这个门类尤其是音乐的条件实在太苛刻了，特别是音乐上的天赋。那个没有办法，有就是有，没有就是没有。
话题三：古典音乐可以不那么高高在上吗
李心草：古典音乐有一种特质，因为所包含的内容太多，去欣赏的时候需要一些思想，思想就会给人带来负担。但是现在这个社会，尤其在中国这种经济发展这么快的社会，人们的生活压力太大，是不适合去听古典音乐的。我也是这样，人在极度疲惫的情况下是不可能投入地欣赏古典音乐的，我也喜欢去听流行音乐，因为不费脑子，很轻松。这就是为什么现在古典音乐市场比较困难的一个很重要的原因。
薛啸秋：我从 5 岁开始学习古典音乐。记得很清楚的一件事情就是刚上高一的时候，有小伙伴戴着很大的耳机，听的都是流行音乐、摇滚乐什么的。大家认识以后就会问你是学什么的，我就说我是学习古典音乐的。他们就露出很鄙夷的表情，就是说，咦，你怎么会去做这么无聊的东西？那时候我已经学了 11 年古典音乐了，但是突然被同龄的小伙伴这么说，觉得特别心酸。当时有几个我很喜欢的钢琴大师来深圳开音乐会，上座率真叫惨淡。除了赠票，只有像我们这种学习古典音乐的会去观摩学习，而场内真正来听古典音乐的年轻人少之又少。
李心草：我可能在古典音乐界里面思想相对开放一些，会有小部分同行说我不务正业、跨界。我说我不是跨界，就是业余时间轻松一下。因为我去参加了一些娱乐性的节目，现在就能碰到很多年轻观众，他们不是为音乐而来，而是为我而来。其实这也是当今推广古典音乐的一种手段。不是去照本宣科，做一场古典音乐的普及音乐会，介绍作曲家的背景等等。对不起，一点百度谁都能看得见，不用你去做这些。
关 键 词 ：俄罗斯 古典音乐教育 优秀传统
今年是我国的俄罗斯文化年，许多重要的俄罗斯文化（包括俄罗斯优秀的古典音乐文化）的宣传、介绍和鉴赏活动，正在有条不紊地进行着。中俄关系几个世纪以来在持续发展着，尤其是新世纪以来的发展，开创了两国关系的新纪元。随着我国改革开放的深化和对外交流的进一步扩大，异质文化精华的借鉴吸收，已经成为我们现代化发展的必经环节。正如《望周刊》所说，中国人有着“永远的俄罗斯情结”①，俄罗斯文化年的开展，为我们认识、学习俄罗斯古典音乐文化提供了机会和条件。
俄罗斯作为具有悠久历史和文明传统的大国，在世界文明历史中占有重要的地位。了解外国包括俄罗斯的文化传统，吸收人类优秀文化精华，是我国改革开放的一个直接目标。尤其是深入了解俄罗斯古典音乐文化教育的发展过程，借以进一步与国际接轨，吸取其异国优秀文明传统，为我国音乐文化教育发展服务，对于加强青少年的历史文化熏陶，提升广大青少年的艺术文化素质，都有着极为重要的意义。文章通过介绍俄罗斯古典音乐文化教育的经验和特色，设想通过深入发掘俄罗斯深厚的传统文化底蕴以及蓬勃的现代活力，向公众展示一个全面而又生动的俄罗斯音乐艺术大国形象，给俄罗斯文化年提供一个有益的资料借鉴，也揭示出俄罗斯古典音乐文化教育对于我国现代艺术文化教育的借鉴意义，直接为我们的现代化建设服务。
一、俄罗斯古典音乐文化教育及其特色
作为一个充满音乐气息的国度，俄罗斯已经形成了全民爱好音乐的氛围，这种全民爱好音乐的特点，源于它有着古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。而且，21世纪的俄罗斯经过了诸多社会剧变之后，其伟大的古典音乐不但没有消失，反而得到了更大的振兴，此间的原因，如同俄罗斯格涅辛音乐学院硕士生吕冬所说：“对古典音乐的热爱已经深深地嵌在每个俄罗斯人的灵魂里。”②简要概括俄罗斯古典音乐艺术教育的特色，至少有下面几点。
(一)从小培养，音乐艺术教育深入家庭
俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养，并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力，让儿童从小就受到艺术的熏陶。俄罗斯人最喜欢去的地方是戏剧院，常常是父母带着孩子，一家人兴致勃勃地到剧院去。观看演出时，每个人都很投入，时常报以热烈的掌声，演出结束时孩子们纷纷向自己喜欢的演员献花。音乐厅和艺术展览馆也是父母经常带孩子光顾的地方。孩子们从小就聆听许多世界著名的交响乐曲，感受到许多艺术作品的魅力。父母对孩子的这种通往艺术殿堂的引导和熏陶潜移默化地提高了孩子们的艺术修养。
游览艺术博物馆，是俄罗斯人的嗜好之一。在博物馆的艺术品前，年轻父母对孩子耐心指点、讲解。在周末和节假日，父母常常带孩子去公园、郊外，感受大自然的美，在大自然中放歌、作画、读书、凝思。这有助于把对周围世界的美的观察和感受，作为理解和体验现实生活的快乐、生活美的主要源泉之一，把大自然的美作为进行情感教育、审美教育的一种手段。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所言：“我们坐在大陵墓上，四周响起各种鸟儿和谐的大合唱，空气中飘荡着青草的芳香。我们沉默不语，不必给孩子们讲很多，也不必用叙述填满他们的脑袋……”“让孩子们从儿童时代起就喜欢听百花怒放的花园里和荞麦花盛开的田野上那悠扬的乐曲，欣赏春暖草地上和秋风细雨里那悦耳的旋律。”③这种从小给后代以艺术熏陶的做法，无疑为音乐国度的文明继承和发展，提供了绵延不断的艺术张力源泉。
(二)开设各级各类音乐学校，大力普及古典音乐艺术
据《国外学校和教育》④介绍，俄罗斯有许许多多的七年制儿童音乐学校，学生一边在普通学校学习，一边在儿童音乐学校学习。优秀的毕业生可以通过入学考试进入音乐学院。另外，还有大约1000所儿童歌咏学校。这些学校招收4至6岁的孩子，学制6至9年。除合唱外，可学习乐理基础知识和演奏乐器。俄罗斯有好几座儿童音乐剧院。俄罗斯的学校基础音乐艺术教育，分为强制性公共音乐教育、补充性公共音乐教育和音乐夜校等。音乐课在普通学校中是必修课，一般每周1课时。这类音乐教育是免费的，而且是必须接受的。传统音乐课的内容以音乐知识，音乐欣赏和合唱为主。教师授课时有较多的示范演奏和演唱。音乐课有统一规定的教学内容，使用我们国内较熟悉的卡巴列夫斯基的教学大纲。补充性公共音乐教育亦即上面所说的专门的儿童歌咏学校，七年制。音乐夜校也是免费的，包括音乐俱乐部、音乐小组等。音乐教育的多种形式，为俄罗斯古典音乐的普及，提供了良好的条件。俄罗斯中小学音乐教育的特点主要是：强制性公共音乐教育时间的延长，为九年。同时允许强制性音乐教育教学大纲的多样化。目前俄罗斯政府指定可供选择的教学大纲已经有5套⑤，每所学校可以从中任选一套。此外，音乐教育的实践活动非常丰富。中小学生经常利用业余时间排练举办音乐会，他们甚至可以演芭蕾舞剧、歌剧、交响乐、大合唱等一些难度较大的艺术节目。许多地方每年为少年儿童举办“音乐之春”“音乐团”等活动，充分调动孩子们的积极性。社会各界也都大力支持学校音乐教育活动。有很多作曲家、出版社还每年为儿童出版多种音乐作品集，介绍音乐知识、传播音乐文化，培养孩子们的音乐欣赏趣味，让他们在美妙的音乐声中快乐而健康地成长。显然，俄罗斯古典音乐之历久不衰，自有所本。大力普及古典音乐艺术的结果，直接提升了俄罗斯民族的音乐文化素质。
(三)政府大力扶持
即使是在经济转型、局势动荡时期，俄罗斯政府对古典音乐艺术教育也没有停止。如1999年7月，俄罗斯普通和职业教育部（2003年俄罗斯政府组织改造后已不存在）就专门颁布了《艺术教育大纲》，鼓励各种形式的音乐教育活动，强调加强全民音乐教育。政府的鼓励、支持和投资，使得音乐艺术教育成为全俄罗斯的小学和初中联邦课程、民族地方课程的重要组成部分。当前，俄罗斯小学和初中的艺术教育包括绘画、音乐、世界艺术和文化。又如俄罗斯政府给出了学校音乐艺术教育的最低限度要求，具体是：学生不仅要掌握音乐、绘画和表演技巧，而且更重要的是还要形成对俄罗斯和整个人类艺术和文化价值的认同以及正确的价值观念。从《大纲》中可以看出，俄罗斯中小学艺术教育注重对学生艺术理论和艺术修养的整体培养。俄罗斯的高等教育，更是重视古典音乐艺术教育，俄罗斯不仅专业艺术院校众多，且有很多综合类大学也设有艺术系。这些院校多年来培养了一批又一批优秀的艺术家。如果说高等学府是俄罗斯音乐教育金字塔的塔尖，那么各地音乐学院、艺术中学、小学就构成了坚固而又庞大的塔身。正所谓“为学要如金字塔，又能博大又能高”。再如，俄罗斯政府放开政策，鼓励支持各种音乐艺术教育活动齐头并进。除了强制性音乐教育之外，还开设有专门音乐学校和音乐夜校，这些都是政府出钱，学生免费接受教育的。正是政府的大力扶持，使得俄罗斯古典音乐文化教育蒸蒸日上，为民族的音乐艺术发展，添加了强大的行政力量。有人统计说，按人口比例来计算，俄罗斯青少年中学习音乐的人数在世界范围内都是名列前茅的⑥。
(四)丰富音乐艺术教育的内容
俄罗斯艺术教育的内容是非常丰富的。不管是家庭教育，抑或是学校教育、社会宣传，都强调教材容量的饱满和古典音乐教育内容的丰富。俄罗斯音乐艺术教育的教材内容突现下述几个特点。
一是大量的古典音乐艺术内容被编进教材。在各级各类学校和艺术学院的教材中，都有着大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈的丰富内容。例如从格林卡奠定了俄罗斯民族乐派的基础以后⑦的音乐艺术成就，都被编进教材。许多优秀的作家作品都成为音乐艺术教材的首选。如格林卡的《为沙皇献身》⑧《鲁斯兰与柳德来拉》等，达尔戈梅斯基（alexander dargomyzhsky，1813—1869）的《水仙女》和《石客》等，此外还有五人团⑨、柴可夫斯基（pyotr tchaikovsky，1840—1893）、拉赫玛尼诺夫（sergey rakhmaninov，1873—1943）和斯克里亚宾（alexander skryabin，1872—1915）等。教材中，柴可夫斯基承袭的欧陆浪漫乐风，葛令卡作品的俄罗斯的民族性活化，巴拉基列夫、库伊、鲍罗定、穆梭斯基与林姆斯基－高沙可夫等的国民乐派，以及史克里亚宾的不寻常的音色探索，史特拉汶斯基频掀波澜的经典作品，悉数被编进教材。这些丰富的内容，展现了俄罗斯古典音乐的丰富与繁盛，成为俄罗斯青少年艺术追求的典范。
二是教材将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学，使之成为学生成长的文化养分。如世界文化艺术的基本风格和潮流、古俄罗斯音乐艺术、古代和中古文化艺术的特点、文艺复兴时期艺术的人文主义、17至19世纪上半叶欧洲艺术中的古典主义、17至18世纪西欧的启蒙思想及其在艺术中的反映、19世纪文化艺术中的浪漫主义和现实主义、19至20世纪俄罗斯的艺术生活、20世纪文化发展的基本趋势、20世纪末艺术的新形式和新体裁等等，都成为俄罗斯中小学艺术教材和课程的设置内容。
三是教材主要强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色，包括民歌、民间舞蹈、民间节奏等，选择表现民族特征，具有浓郁的生活气息和高雅的艺术特色。俄罗斯主要音乐家的作品有的深沉宏伟，有的敏感细腻，无不深刻地反映了作曲家们处在剧烈变革时代热烈而又丰富的心路历程。如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》、第六交响乐《悲怆》，拉赫马尼诺夫的钢琴协奏曲、声乐套曲，普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的交响乐、弦乐四重奏等，从诞生之日起就受到了俄罗斯乃至全世界听众的广泛欢迎，时至今日依然是各大歌剧院、音乐厅里经久不衰的保留曲目。这些具有代表俄罗斯先进文化的作品，都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。
(五)继承传统，致力创新
俄罗斯政府和艺术界人士专注于古典音乐的教育和发展，并致力于不断地创新，使得俄罗斯古典音乐在新的历史条件下，放射出了更加璀璨的光芒。多年来，继承了俄罗斯音乐文化优良传统的古典音乐高雅艺术，伴随着具有音乐天才和前卫思想的新生代的加入，正沿着世界艺术的发展轨道前进。俄罗斯音乐教育创新的成果突出表现在融合与推陈出新上。其直接的成果是出现了许多新的剧团剧院，在莫斯科，由叶夫盖尼·卡拉伯夫主倡的新歌剧院和德米特里·别尔特曼领导的盖利公歌剧院就很有代表性。同时还产生了包括把交响乐、爵士乐、歌剧与音乐剧合为一体的新风格流派。音乐艺术范围逐渐扩大，高雅音乐正在探索一条现代化的道路。比如歌剧中的表演成分越来越多，导演有时会忽略音乐和歌唱的表现之间的差异，力图使演出更具现代感。又如引起观众极大兴趣的国家模范交响乐团与“蝎子组合”的联合演出，也是在寻求传统文化与流行文化的结合点。概括起来，俄罗斯古典音乐教育的继承创新主要体现在：
人文性与经典性的结合。俄罗斯人不是把艺术视为单纯的消遣娱乐或单纯的技艺，而是把它视为人类文化的积淀和人类想象力与创造力的结晶，这样的理念具有极高的人文价值。当前，俄罗斯音乐艺术教育在课程设置上将具有艺术史意义的艺术作品和其他相关的学科知识，作为艺术教育和教学的核心内容。如多少世纪以来俄罗斯各民族的文化遗产、艺术发展的联系和价值、俄罗斯各民族的文化对世界艺术和文化的贡献，等等。我们认为，人文性和经典性的结合，就是一种创新。
强调体验和实践创造。俄罗斯古典音乐艺术课程在大量充满情趣的个人或集体的创作、表演、欣赏、交流、评价等活动中，为学生提供丰富的感性材料和信息，使学生尽情地、自由地参与多种艺术活动，体验艺术学习的快乐和满足，获得身心的和谐发展。通过这些具体的实践活动，鼓励学生的创造，音乐艺术课程涉及的各种创意、设计、制作、表达、交流以及多视角的连接和转换，为学生提供了创造性地解决问题和发挥其艺术潜能的机会，赋予他们表现自我和发挥想象力的空间。例如，每个学期，学校、文化宣传部门都要开办节日演出、周末舞会、专题调演等活动，这些都是学生表现自己发展自己，进行音乐艺术实践的极好机会。正是家庭、学校和社会都在大力强调音乐艺术教育的体验和创造，才使得俄罗斯古典音乐艺术在新的历史条件下，仍然保持着旺盛的生命力。这种艺术张力是永恒的。有人说，在柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫之后，俄罗斯的音乐没有静止，没有凝固，没有被所谓的“现代艺术只能屈从浅薄的市场化”理论所吓倒。“俄罗斯的流行古典音乐让人相信，一个血液里流淌着音符的民族，有的是乐观放达的个性，异彩纷呈的生活。”⑩这除了源于俄罗斯民族对音乐的偏好和根深蒂固的艺术情结之外，俄罗斯古典音乐本身的永恒魅力和俄罗斯音乐艺术教育的执著，应该是首要的原因。
如果说俄罗斯的古典音乐，以其博大精深和丰富繁盛充实着文明世界，在国际上产生重大的影响，那么，俄罗斯悠久的音乐艺术教育传统所熏染的国民音乐文化意识、高雅的艺术追求，成为世界各国有凤来仪的艺术旗帜，那就显得非常自然了。提高文化艺术素质是举世公认的美化心灵的重要手段。作为一种热烈的社会现象，俄罗斯古典音乐的教育普及，给我们以深刻的启示，俄罗斯在这方面的优良传统有很多地方值得借鉴。
二、俄罗斯古典音乐文化教育优秀传统之借鉴意义
随着我国素质教育的不断深入，艺术教育在学校教育中的地位得到显著加强，对艺术教育的价值和功能的认识也日益深化。目前，我国新一轮的基础教育课程改革已经启动，艺术教育是重要的组成部分，俄罗斯全民音乐教育的优良传统及其特色是很有典范意义的，完全可以借鉴到我们的艺术教育中来。
(一)深化改革，加强学校艺术教育
学校要切实加强音乐艺术教育，要通过理念更新和课程设置，把音乐艺术教育摆到突出位置。要去除片面追求升学率的思想，让艺术课程给予每一位学生平等的艺术教育机会，使每个学生都有权利学习和享有人类优秀的文化艺术遗产，使每个学生都具有为生活增添色彩的艺术能力。现在我们的初中高中学校，音乐课比例很少，音乐课歌声很少，有些学校音乐课可有可无，特别是高中阶段，受高考制约，高三学生的音乐活动近乎停止。这是极不应该的。学校应该通过课程标准要求，强化音乐艺术教育。同时，艺术教育要关注每个学生的个性特点、生活背景，充分调动他们的主体意识，为他们创设参与体验、主动探索、积极实践的条件。显然，更新理念，深化改革，加强学校音乐艺术教育，是我们普及全民音乐艺术的关键。
(二)音乐艺术教育要从小抓起
让儿童从小就接受艺术的熏陶，培养他们的艺术感受力和鉴赏力，不断提高他们的审美修养。艺术形象的鲜明多样和直观具体，很容易激发儿童的审美情趣。儿童的审美知觉越深刻，他们思想的飞跃就越有力，他就越渴望通过自己的眼睛去看更多的东西。苏霍姆林斯基曾说：“对所见所闻的观察、倾听和体验，犹如通向美的世界的窗口。所以，我们一项重要的任务，就是教会孩子看到和感受到美，而待他们有了这些能力之后，则要教会他们保持心灵的赞美之情和善良之意。”父母和老师要充分调动大自然、言语、文学、音乐、绘画、造型艺术等一切手段，去发展学生的情感——审美修养。学校和社会应该鼓励学生学习欣赏音乐艺术，鼓励学生投身艺术事业，从事个性化的艺术活动。在中学和高等学校，艺术课程应着力改变艺术学习中的机械模仿与枯燥训练，不以单纯掌握专业知识技能为目标，而是让学生在围绕人文主题的艺术学习中，学习音乐艺术的基本知识和技能，了解艺术的历史和文化内涵，形成艺术体验和艺术能力，获得尊重、关怀、友善、合作、分享等人文素养，促进个性的完善与发展。
(三)政府动员，实现国民音乐人文素养的整体提升
加强国民素质的提升，需要政府的运作。近年来，我国在推行全民体育运动、实现道德纲要目标等方面，都有显著的绩效。我们认为，加强音乐艺术教育、提高国民艺术素养，也需要全民动员。政府可动员有关职能部门和各种媒体，包括宣传、文化、教育、电视、广播、报纸、网络等，加强宣传动员，大张声势，开展富有成效的活动，把音乐艺术意识和理念贯穿到现代化建设工作中去，借以实现民族音乐文化素质的整体提升。近年来，中央电视台每年的春节晚会、《同一首歌》各地巡演活动、湖南卫视的“超女”海选活动等，都产生过万人空巷的艺术效应，值得总结和优化。
总之，俄罗斯古典音乐文化艺术教育的优秀传统，对我国很有借鉴意义。可以预料，经过政府的提倡和推进，发挥学校音乐艺术教育的作用，借助媒体的宣传，加上吸引借鉴俄罗斯古典音乐艺术教育的先进理念和优秀传统，我国的音乐艺术教育一定会开创新的局面。
注释 ：
①中国人永远的俄罗斯情结[j].?望东方周刊， 2006.01.11.
②吕冬.俄罗斯古典音乐嵌入灵魂[j].人民日报，2006.06.28.
③李范.苏霍姆林斯基论美育[m].湖南人民出版社,1984.12.
④网络电子读物./uploadfile/200633175935808.doc
⑤魏兰.俄罗斯传统公共音乐教育体系及近年来的发展[j].
⑥同②
⑦格林卡（mikhail glinka，1804-1857），为国民乐派的奠基者。确立了俄罗斯民族音乐的发展方向，开启了俄罗斯民族音乐的新时代，被尊称为《俄罗斯音乐之父》。
⑧《为沙皇献身》又名《伊万·苏萨宁》描写一位普通老农为国捐躯的故事，音乐采用了民间音乐的素材，曾被讥讽为“马车夫的音乐”，然而最终还是被承认为第一部俄罗斯歌剧.
⑨五人团（又称“强力集团”）是20世纪六七十年代俄罗斯出现的一个作曲家小组，由俄国音乐评论家斯塔索夫在报刊文章中的称谓而得名。详见《西方音乐简史》，/pdf/12/ts012100.pdf
⑩吴昊.俄罗斯音乐交响曲[j].人物，2006．4
同③，第7～8页
参考文献 ：
[1]李范.苏霍姆林斯基论美育[m].湖南人民出版社，1984．
[2]洛秦.世界音乐人文叙事[m].上海音乐出版社，2002.5．
【关键词】中国古典舞；基本训练；钢琴伴奏；伴奏变化
一、前言
舞蹈艺术是通过人体动作来传递美感的一种综合型的艺术形式，它不仅能够将美妙的伴奏音乐同优雅的形体动作巧妙的联系到一起，同时还可以在传递音乐意境的同时将作品中所蕴含的思想情感淋漓尽致的展现出来。可以丝毫不夸张的说，音乐同古典舞蹈之间已经形成了水融的关系，两者之间就如同是鱼和水一般的相辅相成、缺一不行。正如我国著名的音乐家吴祖强先生所说：“舞蹈和音乐的任务是共同努力通过塑造鲜明、有说服力的形象来展示企图表现的内容，从总的方面来看，舞蹈音乐的最大特点应该是能尽力帮助舞蹈形象的塑造和确立，丰富舞蹈形象，加强舞蹈形象的感染力。”由此可见，在中国古典舞的教学课程中，钢琴伴奏占据了非常重要的地位，为了能够培养出更多优秀的中国古典舞人才，针对其基训课程中的钢琴伴奏变化展开详细的分析是非常有必要的。
二、中国古典舞的内容概述
古典舞作为我国舞蹈领域中的一项十分重要的舞蹈艺术类别来说，具有着非常浓厚的中国古典风格与艺术特色。在经过了漫长的发展历程之后，中国古典舞已经表现的愈发符合现代人的审美习惯与欣赏标准。更加直白一些解释，古典舞是建立在传统舞蹈美学的基础之上，将民族文化、戏曲艺术以及武术等多项元素融合于一身的舞蹈种类，在其中蕴含了浓厚的民族色彩与时代色彩的多元化舞蹈体系。
中国古典舞的基训课程是培养优秀舞蹈演员的基础摇篮，其最主要的教学价值即为改善舞蹈演员的身体素质，从跳跃和翻转等舞蹈技巧处着手来逐渐提升演员的舞蹈表现力。根据我国当前的中国古典舞基训教学现状来看，主要包括了如下几个方面的教学内容：第一，身体柔韧度的训练，针对的是舞蹈演员的腰部和腿部；第二，动作控制能力的训练，例如舞姿的控制、在跳跃中的身体爆发力以及旋转能力等等；第三，舞蹈技巧的训练，例如跳跃、翻身以及旋转等等。
三、中国古典舞基本训练课中钢琴伴奏的变化需求
经过对我国当前古典舞基训课程的教学现状进行了解后可知，绝大多数的中国古典舞蹈基本训练课程的授课教材均为舞蹈学院内部提供的，因此就需要钢琴伴奏教师去自己购买授课教材。然而，由于很多舞蹈院校中的伴奏教材数量都非常的少，并且在内容上也显得十分的陈旧和缺少创新性，因此就需要钢琴伴奏教育者结合自身以往的教学经验以及对学生学习需求的了解来对原有的教材曲目进行多次的创编，通过此种方式来增强中国古典舞课堂教学内容的丰富性。这也就在无形当中对钢琴伴奏教育者的综合素质制定出了更高水平的要求标准。然而，从事钢琴伴奏教育的教师虽然拥有着较高水平的艺术素养与丰富的教学经验，但由于每个教育者的演奏风格与教学理念都各不相同，因此在对古典舞的认识上也存在着很大的出入，很难将钢琴伴奏的教学辅助作用很好的发挥出来。除此之外，中国古典舞的钢琴伴奏教育者同时还要拥有着强烈的创新意识，善于发展和整合在教学过程中所出现的问题与不足之处，促进中国的古典舞艺术可以逐渐朝向系统化与科学化的方向所发展和进步。
还有一部分中国古典舞的教育者过于认定自身的音乐感知与把握标准，觉得只有采用学生比较熟知的伴奏音乐才能够编排出更加容易学习的舞蹈动作，然而由于此种教学方法过于局限，所以会影响到学生创作欲望的形成，压抑学生的创新能力。基于此，中国古典舞的教育者要经常性的与钢琴伴奏教师展开沟通和交流，争取找到一个更加符合学生发展和进步的教学模式，从而让中国古典舞的教学课堂可以在钢琴伴奏的变化中发挥出更好的教学效果。在最近几年来，伴随着我国复合型人才培养模式的深入实施，舞蹈课程需要同音乐教学紧密的结合到一起，在减少教学资源浪费的基础上为国家培养出更多专业素养较高的实用型舞蹈人才，此种教学观念上的创新也是导致中国古典舞基训课程中钢琴伴奏出现多变性特征的一项重要原因。
四、中国古典舞基本训练课中钢琴伴奏的变化策略
1、钢琴伴奏教师要进一步加深对中国古典舞教学课程的认识与了解
为了能够让带有变化性特点的钢琴伴奏教学可以为中国古典舞课程的顺利实施带来积极的辅助作用，钢琴伴奏教育者应当在日后的教学工作中不断的充实自身的知识内涵，要拿出更多的时间和精力来了解有关于中国古典舞的基训课程教学内容。首先，钢琴伴奏教育者要了解到中国古典舞中包含着武术、戏曲、以及民族舞等各种类型的舞蹈元素，并且在不断的发展与创新过程中融入了一些来自于西方国家的芭蕾舞元素，从而形成了一套带有中国特色且符合现代人审美口味的舞蹈教育体系。在这一基础之上，钢琴伴奏教育者要在日常的教学中着重突出对脚尖、眼神等训练内容中的细节重点，同时要弹奏出与舞蹈动作相匹配的音乐节奏，通过此种方式来加深学生对舞蹈课程重点的印象；其次，钢琴伴奏教育者还要对中国古典舞所特有的艺术风格进行准确的掌握，同时运用自身娴熟的演奏技巧来辅助古典舞基训课程中的韵律教学。
在具体的授课过程中，中国古典舞的基本训练课程也要按照不同的教学层次来制定出不一样的训练内容。为了能够凸显出不同难度古典舞基本训练课程中的教学特点，钢琴伴奏教育者还要在课程开始之前对不同年级的课程内容展开全面且深入的了解，在做好钢琴伴奏工作的同时辅助基训课程的顺利开展。
2、钢琴伴奏教师要敢于对伴奏曲目进行改革与创新
在国内绝大多数艺术院校的舞蹈分院中，都会配有专职或兼职的钢琴伴奏教育者，这些钢琴伴奏教师虽然毕业于专业的师范音乐大学，拥有着高水平的弹奏技巧，但是却并不意味着他们能够胜任更加复杂的古典舞基训钢琴伴奏教学。由于在音乐本科院校中基本不会为大学生提供参与舞蹈课教学课堂的机会，所以难以避免的会让一些刚刚参加工作的钢琴伴奏教师产生教学上的生疏感。以大踢腿的伴奏音乐为例，音乐的乐句应当铿锵有力且掷地有声，要将音乐的重拍同舞蹈动作的发力点巧妙的融合到一起，钢琴伴奏教师如果无法掌控好指触的弹性以及重音的位置，那么就会给人一种声音上的跳脱感，十分不利于舞蹈动作的教学。基于此，古典舞基训课程中的钢琴伴奏教师要对舞蹈课程的教学重点与授课规律展开全面的了解，争取能够加深对基训课程的把握深度，结合具体的授课内容来对钢琴伴奏曲目进行适当的调整与改进。
除此之外，在很多古典舞的基训课程中，钢琴伴奏教师会反复多次的演奏同一首伴奏曲目，长此以往就会让学生产生厌烦和疲劳心理，从很大程度上影响到了舞蹈课程的教学效率。基于此种情况，钢琴伴奏教师应当结合自己以往的教学经验与丰富的演奏技巧来对伴奏织体与音乐节奏进行一些适当的调整，让压抑枯燥的课堂气氛可变得生动活跃起来。以平转为例，在同一首伴奏曲目中，教育者可以根据学生的舞蹈功底和学习能力来将其分成多个学习小组，针对舞蹈水平相对较差的学生使用常规伴奏调式；针对舞蹈水平较强的小组则可以采用属调，并且在音乐节奏上也要加入一些力度与重拍上的变化，让整个伴奏音乐给以带来一种焕然一新的感觉。
3、对现有的钢琴伴奏教材内容进行完善与优化
自从我国正式进入到二十一世纪以来，无论是国家的经济水平还是教育水平均出现了较大幅度上的提升，而有关于中国古典舞的伴奏音乐教材也如同雨后春笋一般的层出不穷。从最开始的油印曲目到当前的铅印出版，这些汇聚了无数舞蹈伴奏者辛勤汗水与智慧结晶的音乐书籍成为了促进古典舞教学课程不断进步与创新的重要力量。在这段相对漫长的发展历程中，从事古典舞音乐伴奏的教育者们也开始逐渐的认识到了将舞蹈课程与钢琴伴奏融合到一起的重要性，从而为古典舞蹈艺术带来了更大的进步与完善空间。在我国，古典舞教学课程是在1949年以后开展的，到目前为止，仍然有很多艺术院校在使用由郑国安所编著的《中国古典舞基训钢琴伴奏曲集》，这本伴奏教材由于年代过于久远，因此会导致整个舞蹈课程变得死气沉沉，严重影响到了学生自主创造能力的发挥。而后，例如《中国古典舞基训钢琴伴奏曲集》、《中国古典舞基本训练钢琴曲选》以及《中国古典舞基训钢琴伴奏曲选》等教材的发行和应用，让我国的古典舞基训课程开始表现出了一些时代感与灵活性。然而，即使是增加了近300首左右的钢琴伴奏曲目，但是在具体的古典舞教学课堂中却仍然存在着一首曲目反复演奏的情况，不仅让学生与教育者都觉得烦不甚烦，而且还很难满足于新时期中对于古典舞钢琴伴奏的创新性要求。由此而见，钢琴伴奏教材的选择与应用是整个古典舞基训课程中的重要环节，它不仅能够对古典舞基训课程的教学质量带来了直接性的影响，同时还制约到了古典舞学院舞台实践水平的提高。基于此，作为一名新时期当中的中国古典舞钢琴伴奏教育者来说，应当拿出更多的时间与精力来投身到对钢琴伴奏教学内容的创新与编制上，争取能够为古典舞课程创编出更多优秀的钢琴伴奏曲目。
参考文献：
[1]雷娟.中国古典舞基训课中钢琴伴奏的“变化”研究[J].河北师范大学硕士学问论文，2013.
[2]姜玲玲，沈建.论中国古典舞基本功训练的钢琴伴奏[J].北方音乐，2012（11）：206.
[3]陈萍.浅析钢琴伴奏对基训课的作用[J].音乐时空，2015（07）：93.
音乐，带给人们的不仅是一种艺术欣赏，而且是一种精神享受。音乐大致分为流行音乐和古典音乐两类。毫无疑问，当代的大多青少年热衷于流行音乐，认为“流行音乐是艺术殿堂的宝库”。而热衷于古典音乐的青少年就寥寥无几啦。为什么大家热衷于流行音乐?都持着这个喜爱流行音乐观点呢?就这一问题，我进行了以下探讨：
一、流行音乐和古典音乐的简介：
流行音乐，大家都很熟悉，就是popularmusic。大范围的流行的，能够让广泛的人们感受到艺术的魅力。流行音乐包括国外的、包括国内的，不再是简单的作词作曲就能完成一首歌。多数的流行音乐的创作者都是青年一代;多数的流行音乐的都是以青年们的情感主体为主;多数的流行音乐使用的乐器都是大众流行的乐器，比如吉他;多数的流行音乐的创作贴近大家心灵，不要求高雅的情操和精湛的技术。流行音乐作品就像他所说的只是“流行”，并不能长久的保存它的经典。从《纤夫的爱》、《朋友》、《同桌的你》到《天黑黑》、《黄昏》、《他一定很爱你》，无数的流行音乐雨后春笋似地出现，隔一两天就有新专辑。从邓丽君、尹相杰、刘德华到张惠妹、周杰伦、阿杜，无数的歌星献给人们无数美丽的音乐。
古典音乐，起源很早，就是classicalmusic。从巴赫、海顿一直到李斯特、约翰•斯特劳斯，古典音乐的魅力让很多人记忆犹新。古典音乐为什么能够久胜不衰呢?那是因为古典音乐比流行音乐更能够震撼心灵、更能让人记住。多数的古典音乐的创作都是经典，没有很强的艺术天赋的人是创造不出经典的古典音乐的;多数的古典音乐使用的乐器都是古老的民族/西洋乐器;多数的古典音乐都是权利和品位的象征;多数的古典音乐有着高雅的艺术情操和精湛的演奏技术。古典音乐有很多作品家喻户晓，像《命运交响曲》、《梁祝》、《星星变奏曲》、《婚礼进行曲》、《蓝色多瑙河》、《爱之梦》等等。古典音乐里有着很多辉煌的创作家，像音乐巨人——贝多芬，钢琴诗人——肖邦，音乐神童——莫扎特，交响乐之父——海顿等。他们多数都有着平凡的一生，并不富裕，也并不渴望富裕，他们用自己的作品反映了那个时代的进步思想，他们的作品了既壮丽宏伟又极朴实鲜明，它的音乐内容丰富，同时又易于为听众所理解和接受。
二、流行音乐和古典音乐的对比：
在一次全国初中生音乐欣赏的调查中，统计出了以下数据：热衷于中国流行音乐的占65%，热衷于国外流行音乐的占17%;热衷于中国古典音乐的占8%，热衷于国外古典音乐的占10%。也就是说热衷于流行音乐的占82%，而热衷于古典音乐的只占18%。
每一个人从内心都会肯定古典音乐的魅力，只是有时还认识得不很透彻，才没有表现出来而已。这个“认识”不但包括对音乐的领会力，还包括教育程度和周围环境的影响。所以即使是肖邦，他休闲的时候说不定也会乐意听听迈克儿的热血作品，因为当时他为能休息而兴奋不已，需要比钢琴曲更激烈的东西来表达。
三、流行音乐和古典音乐的探讨：
为什么从过去的只听钢琴曲、交响乐，转变到现在兼容并包的局面呢?因为流行音乐的感情蕴涵非常浅显，能够瞬间唤起听众的感情。因此，听众不需要特定的心情、特定的环境，就可以直接进入到主创人员创设的情景中，从而达到与演唱者一起激动、一起忧伤、一起回味悠长的境界。流行音乐的流行就是因为它实在太大众化，根本不需要你有任何的条件，是完全的大公无私的音乐。如今的社会节奏日趋快速，大量信息的广泛传播需要及时处理，商业谈判分秒必争，学习生活如同绷紧的弦。人们的生活越来越紧张，需要以音乐来加以调剂。这种情况下古典音乐那种深深埋藏的韵味怎么会是享受呢?
一位音乐爱好者拜访了一位友人，她家中的光碟数目绝对是瞠目结舌，但找不到任何音乐盛典、外文歌曲，哪怕是老一辈歌唱家的单集、合集。“您认识李古一吗?”“听说过李双江吗?”甚至，“你知道蔡琴和高胜美吗?!”摇头，自始至终。已经忘却了近似常识的音乐知识。这也是沉迷流行音乐，不听古典经典带来的后遗症。还好，像彭丽媛这些还未引退的老一辈歌手还有人认识，伟大巨人贝多芬一生的事迹未被遗忘。
中学是性格爱好形成的时期。目前迷恋流行音乐而不能自拔的大多是十几岁的初中、高中生，试想他们一旦迷恋流行音乐而彻底排斥古典音乐。没有正确的引导，青少年追星简直到了不可思议的地步。这就更是流行音乐的悲剧了。不过我承认，被追星追得不可思议的大多是实力超群的，像刘德华、周杰伦等，的确是优秀。但现在不但世界是在多极化发展，音乐界也在!还有这么多古典经典被抛弃，不知当人们都忘却了古典音乐的时候，音乐界是个什么样子。
不知是大家忘却了古典音乐的原因是什。是没有接触?还是觉得太差劲?当然，我觉得第二种可能性是极小的，每一首古典音乐都是经典，怎么会差劲呢?所以只可能是广泛的青少年没有接触古典音乐。我曾经给我一位热爱流行音乐的同学介绍了她从未听过的肖邦的着作《幻想即兴曲》和《降e大调夜曲》，她听后的感觉非常不错，说：“有一种流水般的感觉”。的确，这两首音乐都有着非常精湛的技巧;有着非常深奥的韵味;有着不可磨灭的精神。这两首曲子并不是古典音乐中最经典的乐曲，还有像《田园交响曲》、《少女的祈祷》，甚至《梦中的婚礼》、《水边的阿蒂丽娜》非常优美的乐曲让大家欣赏。在百度每日金曲排行榜上只有一首可以算是古典乐曲的音乐进入了前50名，排在第38，这就是《梁祝》：
试问，难道能够打动人心的只有这一首乐曲么?只可惜的是大家根本没有机会去细细品味这些现在已经没有更多的古典音乐了!
一、概述
在吉他乐器中，古典吉他和电吉他是相对的，它与小提琴、钢琴并肩齐名，在乐器的整个发展历程中，有着不可或缺的重要位置。不过，古典吉他在确立这个名称之间，还有个正式的名字――六弦琴，和lute琴、竖琴等均属于古典式的琴弦乐器行列，它的适应性、典型性和艺术性较为明显。
二、国外发展阶段性分析
（一）公元8至9世纪
从分属类别的角度来讲有拉丁吉他和阿拉伯吉他之说。“吉他”类属于弦琴体系中古典式把式乐器中的一类。其实，把式弦琴乐器在民间受到欢迎且较为流行。公元8世纪末至公元9世纪始，阿拉伯吉他和拉丁吉他就出现了，这也是古典吉他的起源。学术界认为，东方是吉他的发源地，或者准确地说古典吉他的根源，可以从伊贝利亚半岛中世纪的弹拨乐器中可以追寻，具体的例证就是21世纪圣地亚哥德柯姆斯特拉大教堂正门的浮雕。
（二）公元13世纪
公元13世纪时期的卡斯提利亚国王阿尔风索十世，是最早的古典吉他音乐的追溯者。公元15世纪，吉他的舞台上又多出了把式琴弦的分支鲁特琴，从而导致了阿拉伯吉他的风光逐渐衰落走出了历史舞台。几乎在同一时期，维拉琴也作为拉丁吉他另一形态进入了普通民众的眼帘。从外部形状来看，出现在公元13世纪的吉他有两类：摩洛风吉他和四根弦的拉丁风吉他，前者呈长圆形、外形像葫芦，后者则是四根弦、多个小孔附着在背部圆雕处。这段时期，古典吉他基本都是扁圆形状的头部，到15世纪时，被称为“维乌埃拉”的拉丁风吉他弹奏方式开始出现划片式。
（三）公元16世纪
维拉琴新的演奏方法肇事于16世纪，变划片式弹奏为手指直接弹奏，并开始在民间、贵族、王室中盛行开来。至此，这种新乐器和新的弹奏方式渐渐地被人们掌握，鼎盛时期出现在16世纪30年代至80年代，在西班牙普及程度最高。也是在公元16世纪，古典乐器另一个重要分支――鲁特琴也登上了历史的舞台，并保持长久不衰。追溯到文艺复兴时期，把式弦琴发展并不盛行。这个时期的音乐家开始创作新的作品、加工原有的作品，为后来一段时期出现成熟的音乐作品奠定了基础。进入16世纪真正的文艺复兴，维拉琴和鲁特琴普及程度达到了鼎盛，很多作曲家和演奏家陆续涌现出来。同一时期，演奏吉他的乐谱出现了文字和符号的形式，弹奏方式也出现了和弦反复拨奏，发展趋势呈现中兴状况。
西班牙作为16世纪古典吉他的发源地，此时的古典吉他主要有四弦和六弦两种，用途各自不一，四弦吉他主要以和弦反复拨奏为主，流行歌舞和民歌是其主要演奏形态，实效性较高。六弦吉他和前者不同，演奏曲目的主要途径是借助逐个音符进行弹奏。从古典吉他的分类角度分析，四弦吉他属于普通的大众演奏型乐器，六弦吉他基本应用于王室宫廷和贵族府邸。不过，前者多声部演奏的王室宫廷风格也比较普及，在西班牙、意大利和法国等地区，均已开始出现了类似于这种风格的演奏曲目。公元16世纪50年代至60年代，在法国的贵族阶层中，也逐渐对这一类的演奏曲目开始关注了。
维乌埃拉基本出现在西班牙地区，现在能够保存的七本有代表性的古典吉他演奏曲目的集辑中，出版来源地基本出自于西班牙。演奏维乌埃拉和著名音乐家及其创作的音乐作品比较多，其中包括佛安里雅那、米兰、皮萨多尔（曲集1552）、巴尔德拉巴诺（曲集1547）等作曲家作品。公元16世纪40年代至50年代，维乌埃拉音乐进入了鼎盛时期，作品演奏较为集中。提恩托、幻想曲等作品处于这个阶段的演奏高峰，作品创作的内容覆盖了多声部音乐创作和自由创意等方面。同时，演奏技巧在变奏曲中呈现了多样性特点，演奏过程中民族风格也逐渐地清楚呈现出来。
所以，从古典吉他发展历程来看，尽管此时的琉特琴音乐与维乌埃拉的音乐共存于同一时期，不过从古典吉他外部形态的角度来看，琉特体系中并没有维乌埃拉音乐，维乌埃拉仅从属于吉他类别。因此，在中世纪欧洲特别是西班牙的音乐体系里，古典吉他受到关注的程度是最大的。
（四）公元17世纪
维拉琴、鲁特琴和西班牙吉他一同进入了公元17世纪后，古典吉他发生了新的变化。维乌埃拉的音乐悄然从历史的舞台中退出了，新的样式开始出现，及大字G的五组弦加入了低音范畴并渐渐在民间开始普及和流行。巴洛克吉他，也就是西班牙吉他的叫法也在公元17世纪开始出现。这种类型的吉他以复弦为主（包括五组复弦），还具有一根最高的特殊弦。从调弦的角度来看，在公元17世纪全音调高的现象也出现了，这种特殊的变化和目前的调弦结构类型差不多。到了巴洛克时代，因为鲜明、简易的演奏特点，西班牙吉他得到了基层民众的普遍欢迎。需要指出的是，尽管大量民众都青睐于西班牙吉他，鲁特琴还是占据着重要的地位。巴洛克时期还出现了两位重要的音乐家：素有“音乐之父”的巴赫以及怀斯，他们为鲁特琴音乐的发展发挥了很大作用。
（五）公元18世纪
在这之前，古典吉他还是基本以四根复弦为主，这种以复弦为主的吉他存在调音复杂的缺点。在这样的背景下，五根单线吉他开始出现并逐渐得到了大众的认可。直至1970年，第六根弦也进入了吉他体系中，它的六弦式定音模式即EADGBE模式成为了目前吉他的主要模式。到了公元18世纪初期，琉特琴的记谱法和吉他记谱法基本类似，较为普遍的吉普方法是塔勃拉吐拉，也就是用平行线来代表弦，同时在上面标记有关的数字符号来确定音高。一根新弦和其他相关单弦也增加进了低声部，并开始出现目前比较流行的调弦方法。古典时期，意大利地区弹奏吉他的音乐人才最多，其中比较出名的有格拉尼亚尼、卡鲁里、莫里诺等研究古典吉他的学者。他们创作了不少较为经典的弹奏作品，比如卡尔卡西，他的不少作品现在已经列入了初学吉他课程体系，是一块不容忽略的练习范本。再如，朱利亚尼的一些奔放豪迈特色的作品，也是非常有名的，他与索尔齐共同创立了两大演奏派别。
（六）公元19世纪
19世纪的前半个时期，由于机器工业的出现导致了古典吉他的发展受到了影响，最突出的表现就是古典吉他的调弦改成金属制成。不少有名的吉他制作匠师，如英国的帕诺尔摩、法国的拉柯特、奥地利的斯陶法等开始涌现出来。不过，西班牙的托列斯是真正确立目前吉他比例规格形状的巧匠。19世纪50年代开始，古典吉他兴盛趋势渐减，就连法国的科斯特、维也纳的默茨这样的音乐大师，也没有创作出多少音乐作品。从音乐发展的内部原因来分析，这个时期欧洲开始盛行浪漫主义音乐，人们的审美取向发生了变化，比较喜欢华丽宏大为标杆的作品。因此古典吉他便难以发展下去，同阶段只有西班牙的维尼雅斯、费雷尔及卡诺创作了为数不多的抒情作品。其中，帕尔加的创作热情较高，不少丰盛、热烈的古典吉他的作品都是出自他手。
（七）公元20世纪和21世纪
这段时间流行音乐和爵士音乐普遍开始出现，同样对古典吉他造成了影响。不过，此时一些新类型的古典吉他开始出现，外部构造和以前相比大不相同，比如，尼龙弦得到了广泛运用。最为令人瞩目的是，古典吉他的构造得到了改良，耶佩斯将六根复弦吉他改成了十弦吉他。古典吉他的改造除了在西班牙以外，还在德国、意大利和法国等国家有了发展。东方国家的日本此时也广泛运用古典吉他。21世纪以来，吉他的科技化发展程度越来越高，电吉他得到了广泛运用。尽管电吉他操作上十分方便，古典吉他仍然具有自己的优势，如演奏有灵气、灵活自如，这也是古典音乐爱好者喜欢它的重要原因。所以，在充满现代气息的城市环境里，具有独特艺术风格的古典吉他，更能带来不一样的艺术享受，古典吉他必将迎来它的再次复兴。
