时间：2022-11-22 19:00:04
1．1美学在建筑空间设计中的表现
空间设计是建筑设计的一个重要方面，所谓的空间设计主要就是指针对建筑物的内部空间构造进行恰当的设计来提高人们对于建筑空间的使用效率，以往人们对于空间的设计往往大多集中在实用性上，而随着建筑美学受重视程度的不断提髙，在空间设计中体现出美学的身影也越来越迫切，具体来说，对于建筑空间的设计进行美学设计主要的设计内容就是建筑空间的大小规划和位置设计，当然空间的转换也是一个重要的建筑美学表现形式。
1．2美学在建筑比例设计中的表现
建筑物的比例设计是最容易体现出美学概念的一个设计环节，因为建筑比例设计主要就是指针对建筑物所涉及到的各部分的比例的设计和规划，而对于美学来说，比例也是最为关键的一个指标，是影响人们视觉感受的一个重要因素，因此，美学在建筑比例设计中的表现是最为明显的，也是最为有效的，具体的表现内容有大小比例设计、虚实比例设计、凹凸比例设计和长宽比例设计等多种不同的类型。
1．3美孪在建筑均衡设计中的表现
对于均衡这一要点来说，其既是建筑美学的一个重要要求，也是建筑设计的一个重要方面，因此，均衡也就成为了美学在建筑设计中主要的一个表现形式和体现，很多人也把这种均衡理解为一种比例的设计，虽然两者存在较大的类似，但是均衡更倾向于对于对称性的设计和研宄，尤其是对于中轴线的运用最为广泛，通过对称的建筑设计来表现出建筑物的一种美感。
1．4美学在建筑形体设计中的表现
建筑物作为一种作品来看，其形体也是极为关键的一部分，对于具体的设计而言，形体设计也是最为关键的一个方面，比如对于墙体的设计和屋顶的设计都需要考虑到形体的要求，也就是外形的要求，而这种外形的设计正好也是美学的一个重要方面，尤其是对于建筑物外部线条的设计更是可以体现出美学的影响；除此之外，在外部形体的设计中，色彩也正在发挥着重要的作用，对于很多建筑物而言，都已经摆脱了单色调的外形设计，而是加强了对于色彩的运用，而这也正是美学的相关内容。
2如何提高美学在建筑设计中的表现
从上文我们可以看出，美学在建筑设计中的表现是多方面的，这也体现出了美学在建筑设计中的作用越来越明显了，所发挥的价值也越来越大了，因此，这也进一步的促使我们要加强在建筑设计中合理的运用美学，切实提髙美学在建筑设计中的表现，具体来说，我们可以采取的措施有以下几点：
2．1提高建筑设计水平
要想能够在建筑设计中充分的体现出美学的影响，那么必须首先提高设计的水平，因为建筑设计是建筑美学的重要载体，所以说建筑设计的发展是建筑美学提高的一个重要基础条件，如果建筑设计自身都没有获得发展和进步的话，也就无从谈起建筑美学的发展了，更不会出现建筑美学在建筑设计中的深化了。
2．2加强对于建筑美学的研究
切实提髙美学在建筑设计中的表现还必须加强对于建筑美学的理论研究和实践探讨，尤其是要加强切合于当前实际状况的建筑美学的研究，以目前最广大人们的根本需求为着眼点和根本诉求来切实加强相关方面的理论研宄，并且在实践中进行相应的使用，提高实践经验，在此过程中，可以充分的利用现代化的模拟技术来避免对于施工应用造成的损失，通过模拟来发现建筑美学的研究是否具备实践应用价值是当前建筑美学应用研宄的一个主要方式，也是为了建筑美学在建筑设计中应用的一个重要表现手段。
2．3加强对于生态可持续性的应用
就当前的建筑发展趋势来看，生态型和可持续性的建筑物是最为受到欢迎的一种形式，也是为了最为主要的一个建筑设计发展方向，基于这一点来说，在今后的建筑美学和建筑设计的发展中，必须加强对于生态性和可持续性的研宄，并且还可以以这种生态型和可持续性的建筑物为着眼点加强对于美学在建筑设计中应用的深化，其实这一点在当前的表现中也有所体现，正是当前最为重要的建筑和谐设计的一个重要要求和未来发展趋势。
3结束语
随着社会的发展和人类文明的进步，色彩被广泛应用到了平面设计领域，而它作为平面设计中的重要元素，在整个平面设计发展史上占有重要地位，起到了强烈的视觉传达和情感交流的作用。一方面，在平面设计中，三个元素色彩、文字和图像都是不可缺少的，但是当我们直面一件作品的时候，首先进入眼帘的是作品的颜色，其次才是图像和文字，色彩的首先位置可以有效地体现现代平面设计的设计内涵，引起观者的审美体验。另一方面，色彩自身具有的美学特征是平面设计中其他元素不能替代的，每一种色彩都具有特定的象征含义，代表着特定的情感表达，一个成功的设计师往往可以借助色彩来完成他对作品的设计表达，唤起观者心理上的审美联想，从而达到其设计的真正目的。而在当今高速发展的社会中，人们为了满足日益丰富的视觉审美感受和心理感受，需要在设计中得到美的体验，这种结果的来源便是色彩的运用。由此看来，平面设计中色彩的准确和合理表达已逐渐成为人们对于美的追求来源。
二、平面设计中色彩的构成搭配
平面设计中，色彩的搭配在表达内容和主旨上起到了十分重要的作用，通过色彩的搭配和运用不仅能增加作品的观赏性，也能对作品中的设计构图起到衬托作用。一般来说，平面设计中经常会见到以下三种基本色彩的搭配：
1.以色相为基础的色彩搭配法
在平面设计中，人们总是以平面构图为重点进行设计，但是色彩作为设计的重要部分，对平面构图也起到了重要的影响。设计师在进行平面设计时应先对作品有一些主题和内容的联想，通过明确主题的思想、设计的构思以及内容的范围来确定作品的色调。首先，决定主色调，是暖色调还是冷色调，是黑白色调还是鲜艳色调；其次，再加以搭配合适的配色，使得主色调同配色可以按照统一色相补充协调。这个配色方式是按照不同设计作品区域加以不同搭配，以达到类似色相之间的配色。
2.以明亮度为基础的色彩搭配法
平面设计中的色彩搭配有着其规律和特点，不同的色相具有不同程度的明亮度，明亮度可以改变色彩的表现形式，在平面设计上，可以利用色彩明暗程度的不同搭配来设计作品，使观者产生不同的心理审美感受。
3.以纯度为基础的色彩搭配法
平面设计作品中，不同的纯度决定着整个平面画面感的吸引力。色彩的纯度越高，凸显出的色彩更为艳丽夺目，作品也就更鲜明活泼，给人以一种轻松活跃之感，而纯度越低的色彩，画面感越为质朴，给人一种稳定庄严的感觉。一般来说，平面设计用较高纯度的颜色来体现主题色彩，而用较低纯度的颜色作为搭配衬托主题。因此，在平面设计中我们可以合理利用色彩的纯度以到达突出作品内涵的目的。
三、平面设计中色彩运用的美学研究
1.单彩在平面设计中的美学感受
色彩具有极为丰富的美学意义和心理表达，它作为平面设计中一个不可或缺的部分，在制造气氛和增强版面上起着十分重要的作用。不同的色彩有着不同的内涵和美感，能给人以特定的美学感受。在平面设计中，无论是产品表现还是构图结构，因其中都涉及到色彩的运用，因此必须对色彩的搭配重点思考，特别是最为基础的单彩，一般被运用在设计的主旨背景上，不仅要符合设计审美的需要，还要给人以视觉上的最大享受。而每一种单彩又具有不同的象征含义，这就使得当人们看到某种特定颜色时，会产生感性上的认识，而这种视觉反应又是不同层面的。比如红色被人们认为是热烈和兴奋的颜色，人们看到红色便会产生感性和心理的认识，会感受到作品映射的设计思想是积极向上的；而蓝色代表忧郁和安静，看到蓝色会使观者产生一种心灵上的安宁感，这就预示着作品会以一种平和的状态出现。在平面设计中，设计师会根据不同的设计主题对不同的单彩进行诠释，并利用单彩给人的不同感觉，唤起观者内心的审美感受，从而有效地达到设计的审美目的。
2.色彩组合在平面设计运用中的美学魅力
在当今很多平面设计作品中，为了达到统一的效果会运用多种色彩来搭配，以一种颜色为主色，按照色彩组合的搭配方法选择色相、明度和纯度相协调的配色，从而使整个平面设计作品达成统一。首先，主色应根据作品的主旋律来选择，是活泼向上的还是低调迟缓的决定着设计给观者的主要感受。其次，在选择搭配颜色时要与主色调相统一，将这些存在共性的颜色进行组合搭配，不仅增加了单彩的调和感，还能使画面更为丰富生动，加深了观者对作品的色彩印象。主色彩与陪体色彩之间的调和与对比，使得画面主体与大背景之间形成了强烈的视觉感，主体突显主体，陪体烘托主体，使整个设计充满了无限空间，增添了美的情趣。同时，设计中创意的色彩组合会使设计中的图形、文字相得益彰，显现出其创造性的特点。再次，平面设计中的色彩组合构成中，不同色彩之间存在着节奏和韵律，比如色彩的重复、强弱、交替等方式都会使画面产生难以预测的视觉冲击力和空间运动感。
3.色彩感情规律在平面设计运用中的审美体验
色彩除了本身具有的颜色魅力外，在感情规律上也与平面设计有着密切联系。色彩的温度感、味道感和美观感都在很大程度上影响着平面设计的成败，也反映出了人们对平面作品的真实感受。很多现代平面设计作品中，作者对色彩的运用不仅停留在视觉的体现上，还把重点放在了人们对商品特征的满意度上。要用不同色彩表现商品的温度感，比如在对冰箱、空调广告设计的把握上，设计师往往利用冷色来体现产品的温度，使人产生凉爽的感觉；又如对某些食物、水果等商品的包装设计上，往往以红色和黄色为主色调，给人以温暖好吃的感觉。这样通过不同颜色的设置刺激人们的感官，就达到了设计的最终目的。同时，色彩的感情规律还表现在对事物的潜在品质上，平面设计中色彩的合理利用可以提升作品或者商品的美观感和兴奋感，比如明度高的红色系，可以表现产品的华丽感，提升设计中产品的档次，一般用在化妆品、礼品的设计中，这种对比强烈的色彩能更好地吸引人们停留购买，使人眼前一亮。平面设计中红色、黄色等暖色系色彩可以使人感到兴奋，刺激观者的感官，让人印象深刻。
4.色彩内涵的联想在平面设计中的情感美学
人们在传播色彩的同时也赋予了色彩自身不同的理解含义，色彩逐渐成为表现人们生活态度和心理愿望的一种语言符号。将色彩合理地运用在平面设计中，使色彩内涵的联想发挥出最大的视觉功能，才可以使设计达到更高的标准。一般来说，对平面设计中色彩内涵的联想可以通过抽象和具象两种方式体现，由于观者的社会层次和生活经历的不同，其对色彩的表现会产生不同的情感。当人们看到红色就会联想起幸福、火焰、太阳等事物，这使得颜色在设计中的定位更为复杂和深邃，作品与人的情感联系更为深层次。这在包装设计上有很多体现，比如在喜帖的设计上，设计师大多运用大红色来表达对婚姻的祝福，人们在通过对红色进行联想，产生了火热、红火的感官共鸣，感受到了婚姻中的幸福美满。
四、结语
就本质而言，室内设计是将多种视觉的物质元素组合构成具有三维空间形态特征的造物活动，属造型艺术的范畴，然而与其它纯粹欣赏艺术形式不同的是，室内设计同时具有着实用的动能属性。从形态学的角度看，室内设计中的美学要素及内容任务主要分为一下几个方面：
（一）空间要素：空间合理化并给人们以美的感受是设计的基本任务，因此，设计者不能拘泥于过去形成的空间形象，要勇于探索发现时代技术与审美特点赋于空间的新形象。
（二）美学色彩要求：室内色彩除对视觉环境产生影响外，还直接影响人们的情绪、心理。科学的运用色彩有利于工作，有助于健康，应做到色彩处理得当，既能符合功能要求又能取得美的效果。室内色彩设计除了必须遵守一般的色彩规律外，还应随着时代审美观的变化而有所不同。
（三）美学装饰要素：室内整体空间中的柱子等建筑构件以及墙、顶等各界面，对其进行符合功能需要的装饰，是构成完美的室内环境不可或缺的重要组成部分。充分利用不同装饰材料的质地和丰富多变的装饰形式，可以获得千变万化和不同风格的室内艺术审美效果，同时亦能体现不同地域的历史文化特征。
以上美学要素虽有其相对独立的价值，却不能孤立对待，因为从形态学的角度分析，总体应大于所有个体的总和，仅仅依靠总体中的一部分不能解释总体。因此，室内设计整体审美价值的产生要凭籍各美学要素统一框架下的意义整合而获得。
在所有的与视觉有关的艺术设计中，形态学提供了基本的部件构成形式和把它们组合在一起的准则，当然其中也包括设计中依附于形式的各美学要素的组合法则。不仅如此，形态学理论还被应用在甄别艺术设计风格流派及研究艺术设计的特征等方面。具体到室内设计操作过程中，首先需要考虑的，就是如何把设计的个性从那种“压迫性的总体性”中解救出来，如何充分发展差异性和异质性。其实，这种把大叙述和小叙述对立起来，把总体性和差异性对立起来，把同一性和异质性对立起来，以非总体性、非中心的思维方式来审视、规范自我的创造的思维特征，不仅是建筑与室内设计领域，而且也是当代艺术与文化的重要特色之一。从实践来说，它也确实已经对当代室内设计创作带来了积极的富有成效的影响。
二、整体环境观念下的功能与审美意义表达
处于随社会变化而不断发展中的当代室内设计，或称室内环境设计，应确立整体环境的设计观念，这里的“环境”有两层含义：其一是指建筑实体围合形成的室内环境，它主要包括室内空间形态、视觉环境、空气质量环境、声光热等物理环境、心理环境等诸多要素；其二是指包括建筑外观在内的庭院、街道、广场乃至整个社区、城市、地区的自然和人文景观的大环境概念。
一方水土养一方人，一方人因地理位置、气候条件、社会背景、生产力水平等因素，在不同时期形成了自己独特的生活方式、价值观念、审美取向与理想精神，所有这一切经历史的积淀与传承而形成具有个性差异、丰富多彩的地域文化，它和地貌、物种、气候交织一起共同构成了这个地区的自然与文化景观。以人为中心的室内设计，不但要从功能上考虑符合人们生活方式和生存所需的各种实用要求，而且更应从心理方面进行基于不同文化背景下精神需求的人文关照，以及满足人们渴望亲近自然的愿望。室内设计作为文化的物化创造活动，其风格形式的表现应从大环境整体的高度，运用符号学的理论、方法，把室内环境视作一个符号系统，通过对设计元素在组合中的符号化处理，使能指与所指有效结合而具意指作用，充分运用设计形态符号的象征、隐喻功能，准确反映出室内设计的地域文化内涵和时代特色，以及表达审美情感、体现审美意义和价值。
室内设计的“里”，和室外大环境的“外”，具有相辅相成辩证统一的关系，作为大环境系列“链中一环”的室内设计，不可脱离开大环境中的自然、文化与社会特征、意义而孤芳自赏。正是为了更深入地做好室内环境设计，就愈加需要对环境整体综合因素有足够的了解和分析，着手于室内，但着眼于“室外”。当前室内设计还存在着相互类同、缺少创新和个性的情况，对环境整体缺乏必要的了解和研究，从而使设计缺失内涵而流于一般，设计构思局限封闭。
三、科学性与艺术性的审美结合
当代室内设计的另一个显著特点便是科学性与艺术性的审美结合。设计的科学性在带来空间环境功能的合理、舒适、高效、安全的同时，其结构、材料、工艺本身具有的技术美感与设计形式处理产生的艺术美感，共同形成了当代室内设计审美的一个重要特征。
在室内环境的创造中，现代美学要求室内设计不但高度重视艺术性，而且还高度重视科学性，及其相互的结合。从建筑和室内设计发展的历史来看，具有创新风格的兴起，总是和社会生产力的发展相适应。社会生活和科学技术的进步，人们价值观和审美观的改变，促使室内设计必须充分重视并积极运用当代科学技术的成果，包括新型的材料、结构构成和施工工艺，以及为创造良好声、光、热环境的设施设备。当代室内设计的科学性，除了在设计观念上需要进一步确立以外，在设计方法和表现手段等方面，也日益予以重视，设计者已开始认真的以科学的方法，分析和确定室内物理和心理环境的优劣。另外，在设计
表现方面，计算机技术进行设计和绘图的广泛普及应用，可使我们在初始设计阶段中便能运用其所提供的三维视觉技术去探测第四维效果。例如美籍华裔著名建筑大师贝聿铭先生，早在20世纪80年代来中国讲学时所展示的华盛顿艺术馆东馆室内透视的比较方案，就是以电子计算机绘制的，这些精确绘制的非直角的形体和空间关系，极为细致真实地表达了室内空间的视觉形象，并把新技术产生的视觉美感展现在我们面前。
针对当代建筑和室内设计中的高科技和高情感问题，室内设计在采用物质技术手段的同时，当高度重视并运用现代美学原理，将科学性与艺术性、生理要求与心理要求、物质因素与精神因素进行综合而全面的考量，从而创造出具有表现力和感染力的室内空间和形象、以及具有视觉愉悦感和文化内涵的室内环境，使生活在当代社会高科技、高节奏中的人们，在心理上、精神上得到平衡和满足。
综上所述，处于多学科交叉、渗透、融合、发展中的当代室内设计，离不开美学理论的参与和指导。理论必须是明白清楚的，它是学术和应用的重要工具。没有理论的指导，室内设计便缺乏组织基础且是脆弱的。同时，人类社会的发展，不论是物质技术的，还是精神文化的，都具有历史的延续性，当代室内设计应因地制宜地有效借助美学理论的指导作用，并紧跟时代和尊重历史，从整体环境的角度出发，采取具有民族特点、地域风格、充分考虑文化的延续和发展的设计手法，创造符合功能需要、且具文化内涵意义与审美价值的当代室内设计文化。
参考文献
[1]王世仁，理性与浪漫的交织:中国建筑美学论文集，百花文艺出版社，2005
[2]候幼彬，中国建筑美学，黑龙江科学技术出版社，1997
[3]陈波，浅谈现代工业建筑美学，山西建筑，2006年13期
关键词：平面设计；教学实践；美术专业
平面设计是一门艺术性和专业性都很强的学科，设计出来的作品以最直观的表现方式展现在人们眼前。平面设计方式丰富多彩，可以通过文字、图像或某些符号来传达信息。在教学中，平面设计对于美术专业来说虽然是一门基础课程，但是其具有很强的专业性，它不仅需要很强的动手能力，还需要很丰富的专业知识和实践运用能力。学生如果能很好地掌握平面设计的知识，不仅能够提高个人的动手实践能力，对以后的就业也具有很大的帮助。但是现在很多学校对平面设计课程重视度不够，在教学和理论研究上也不够深入，教学方法老套。学生的学习热情不够，不能很好地掌握这门有实用价值的课程。这些问题是由很多原因造成的，系统地探讨这门课的教学实践问题能够让平面设计教学者更清晰地了解到问题的症结所在，这样才能对症下药，有针对性地对教学方案进行调整。
1平面设计教学实践问题的“病灶”
1.1学校教学不能实事求是
现在学校里开设的平面设计课程大多是概论课，虽然讲解了很多概念，但主要是学生被动接收的填鸭式教学方式。学生在记录大量的概念后根本不能及时消化，导致学生只知其一不知其二，不能形成自己的知识体系，只能了解到零散的专业知识。这直接导致学生不能把所学知识运用到日常生活中，特别是对于一门刚刚接触的课程，学生还需要一定时间去了解，一味追求课程进度只会导致学生对课程一知半解，可能有的学生能够记住老师讲授的知识，但是缺乏实践练习，还是不能熟练运用平面设计知识。设计类课程就是要调动学生的思维和动手能力，而现状是很多高校延续了中学的考核教学模式，还是一种应试教育的状态。
1.2新型教学工具的局限性
随着计算机的大规模普及，我们可以很简便地运用软件来完成设计任务，计算机设计的便利和快捷是传统美术所不能匹敌的，它可以进行多维度的创作，可以快速引用现有资源。这对于平面设计的创造本应该是件益事，但现在很多高校只教学生如何使用计算机技术，反而减少了传统美术设计的教学。所以，现在学设计的学生在学校学习的只是各种设计类的软件，离开这些软件后就不知道如何画图了，完全被工具所限制。计算机只是一种工具，设计需要大量的积累，需要自己动手去赋予作品生命，而不是复制粘贴计算机里的资源，所以老师不能只注重计算机软件的教学，还要教授设计的理念，不能丢掉传统的美术设计，让学生脱离工具的束缚。
1.3教学与实际需求脱轨
平面设计需要走出课堂，学生不仅要学习好理论知识，更重要的是能够活学活用，能够满足社会的需求。现在很多学校是在闭门造车，教授的知识与社会实际需求相差太远，没有构建很好的校企合作机制，学生没有足够多的机会去设计一线工作，严重缺乏社会实践能力，不能把自己所学的知识变成有社会价值的作品，不了解社会的需求，延长了学生工作时与企业的磨合期。
2改善平面设计教学效果的“治病良方”
2.1改进教学理念
不能只是让学生被动地接受知识，还需要积极地进行沟通交流，老师需要耐心引导学生思考，了解学生所思所想，调动学生的思维，激发学生的创作灵感，让他们的想法能够运用到学习和实践中，这样才能让学生真正了解到设计的魅力。老师可以和学生一起设计创作作品，让课堂上的设计理念活生生地展现到学生的面前。这样学生不仅能够直观地感受到设计的魅力，也能提高学生的动手能力，使理论与实践教学有机地结合在一起。教师可以将学生平常的实践表现放到成绩考核中，改变应试教育的现状，寻找多元化的考核方式。
2.2加强学生的创新设计思维的训练
设计软件让设计变得简便、快速，设计作品的质量也有了很大的提升，但是互联网上能够伸手拿来的东西太多了，设计的过程变得越来越简单，导致设计作品抄袭问题严重。学生要具备自主设计作品的能力，教师在教学中应当积极引导学生构思设计出一份优秀的作品，如何通过设计作品向别人传达出自己想要表达的信息。要具备这样的能力，就需要在平时进行大量练习。老师应该在日常教学中增加学生自主练习的机会，减少设计软件的使用，让学生使用传统的设计方法，一步一步踏踏实实地积累知识，让学生脱离工具给设计带来的束缚，这样才能培养出高素质的设计师，而不是只会使用软件的制图员。
2.3增加学生社会实践的机会
平面设计必须要走出课堂，在学生有一定理论基础的前提下，创造条件让学生与社会需求接轨，进入需要平面设计人才的企业或者单位合作，让学生能够直观地了解设计工作的完整流程和实际成品的制作过程。这样既能提高学生的学习兴趣，又能拓宽学生的眼界，掌握平面设计实际应用能力，使学生真正走出课堂了解社会对平面设计的需求，给需要平面设计人才的企业和单位培养输送平面设计人才。学校要制定出企业、学校和学生共同发展的良好机制。
3结语
平面设计本身具有艺术被认同的偶发性，平面设计作品是长期积累的专业知识与生活需求所结合的产物。一般情况，平面设计是一种以改造具体事物和影响人们的生存行为来增进社会转变的因素，它在新的流行文化的发现和推进上有着重要的作用。与此同时，设计对生活中一些边缘化和非主流的文化保持了一定的关注。事实上，平面设计是一门与其他领域有高度联系的学科，其特性使它具备了很多学科不具有的中心性，而设计者在这种属性下得到的是一种社会责任，而不是权威性。如今，平面设计在实践教学中还没有引起足够多的重视，教师应当身先士卒积极采用多元的教学方法、科学先进的教学理念和给学生创造合适的实践环境来提高教学效果，培养出高素质的设计人才，得到社会的广泛认同，推动平面设计进一步发展。
作者:温宇君 单位:广东省电子信息高级技工学校
“境界的意义非同小可，王国维就是以境界概括中国艺术的美学特征，‘呈于吾心而见于外物’……”，“艺术要刊落一切表皮，呈显物的晶莹真境”，禅宗的“境界”即是意境诞生时主体的心境。悟后所达境界，引导意境的表达。王国维在《人间词话》提出人生境界与艺术境界必须经历寻觅、沉思、顿悟等三个阶段。第一境，借用晏殊《蝶恋花》词境：“昨夜西风凋碧树，独上高楼，望尽天涯路。”这个阶段的艺术功能，就是禅宗拓宽了审美领域。第二境，是沉思阶段，借用柳永《凤栖语》词境表示：“衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴。”这阶段的禅悟激发了艺术沉思的萌生。第三境，顿悟阶段，借用辛弃疾《青玉案》词以说明“众里寻他千百度，暮然回首，那人却在灯火阑珊处。”这一阶段的艺术功能，就是禅之境界推动了艺术意境的创构。
二、禅宗美学与中国画“境界”要素提取
构成品牌服装设计的诸多设计元素，如何通过它们之间的组合诠释传达出“境界”，需要从相似的艺术表达中进行追求和借鉴。禅宗境界对精神生活的意义在于，通过感性去“证”和“悟”精神本体。从唐代以后美学和艺术的发展中看到，禅宗的直观方式向中国山水画、写意画导入了精神的深度，使之心灵化和境界化。本节通过对禅意中国画造型、思维等方面的分析，提出在品牌服装设计中可应用的一般方法。从绘画形式上看，最具中国文化和风格的不外乎中国画，它是中国绘画领域的辉煌成就和重要组成部分。中国画追求意境，此中“意”即为思维主体超越客观物象以表达主体的意志、情感和心境，注重思维主体的精神抒发。所不同的是对于客观物象的态度，道家尤以庄子美学传统来看，并未把客观物象从时空中孤离出来，主张亲和自然而达到逍遥的意境；禅宗将客观物象看空，超脱时空，以客观物象证明自身解脱自由的意境。禅宗美学影响下的中国画意境尤显深沉化和个性情感化。从历代中国画中，可以寻求到不同美学思想影响下的画面体现，归纳为线条笔墨、形状轮廓的造型特点和画面空白的结构特点。
（一）线条、笔墨
清代绘画技法图谱《芥子园画传》，由诸多文人、画家编绘，其中对于中国画的基本技法做出了详尽的介绍，图文并茂，从中可以发现线条、笔墨是中国画中重要的造型手段。画面中，线条通过笔墨表现出刚、柔、直、圆、曲折、轻、重、粗、细、虚、实、干、湿、浓、淡、顺、涩、动、静等诸多特征，并将诸多特征赋予表现对象，然不以写实为基准，而更在于表达与思维主体心境的一致，视为以线条表达直觉并使之和谐的紧密结合。“抽象线纹，不存于物，不存于心，却能以它的匀整、流动、回环、屈折，表达万物的体积、形态、生命；更能凭借它的节奏、速度、刚柔、明暗，有如弦上的音、舞中的态，写出心情的灵境而探入物体的侍魂。”通过线条的多种特性，加之墨色的深浅浓淡，使线条展现更多的形态变化，从而使画面获得总体的色调和丰富的层次。这些对画面意境的表达，都具有较大的影响，色调的浓或淡直接使人们获得幽邃深沉或清河淡雅的感觉。色调的浓淡、墨色的深浅并不以光线明暗而论，线条流动亦不以客观事物一一相对，皆是思维主体心境的主观感受，是一种“意象”，是文艺家构思的意趣和物象的契合。
（二）形状、轮廓
中国画的“以线表物”能够成为重要的造型手段，探寻其最重要的原因是线条、笔墨不注重对表现对象内部结构、细节的追求，而多表现事物的形状、轮廓，从而快速的扑捉表现对象的特点，如图3所示。“因为视知觉对物象的整体把握往往是对轮廓线的把握，把一个物象的轮廓线勾勒下来后，这个物象的形给‘捕捉’住了。这无疑是把客观物象‘搬运’到画面上来的最直观也最便当的办法”，这种方式更依赖于人的直觉，以直觉快速的对应表现事物的结构特征、形态特征，而不纠结于具体细节，从而使中国画中的艺术形象更趋于平面化。
（三）空白
“禅家云：‘色不异空，空不异色，色即是空，空即是色’，真正道出画中之白，即画中之画，亦画外之画也。”出自清代华琳的《南宗抉秘》，文中揭示了空白所带来的美学特征。清代华琳曾提出：“夫此白本，笔墨所不及，能令为画之白，并非纸素之白，乃为有情，否则画无生趣矣，然但于白处求之，岂能得乎，必落笔是，气吞云梦，使全幅之纸，皆吾之画，何患白之不合也！挥毫落纸如云烟，何患白之不活也。”画面通过富含意趣的空白与表现实体相互补充，进而成为创作主体情感、心境的完美诠释。空白以表现实体间的空间形成，表现实体又通过空白的衬托更加突出，这里空白与表现实体形成了不同层次虚与实的对比，虚中承载了思维主体的精神寄托与情感流露，体现出思维主体作画时那一刹那的直觉——心造的境界进而形成。可以说明，“空白”是营造境界的重要手段，独特的空间表现为灵动、妙境所在，具有无限的张力，营造出充分的审美空间和智力空间。唐代诗画家王维，深谙禅宗之道，其作品渗透自身的审美情趣，通过画面中大面积的空白与实体的相互交融，表现出静谧空寂的境界。“空白”本身亦为色相，是中国画布局和构图的重要手段。“我们的画面空间感也是凭借一虚一实，一明一暗的流动节奏表达出来。”“章法位置，总要灵气往来，不可窒塞。大约左虚右实，右虚左实，布景一定之法，至变化错综，各随人心得耳。”由此，虚实相辅相成，以虚显实之生趣，以实体虚之空灵，画面充满对比调和、变化统一的形式美感。中国画的特点不以透视形成纵深空间，强调以大量的空白来体现位置与空间，以空白分割画面，从而形成上下左右的“平远”空间结构。董源的《夏山图》中，画面以象征云气的空白横向分割，从而形成近山远山的实虚转化和过渡，使画面具有了“深远”的结构关系。
三、中国画“境界”要素与品牌服装设计元素
一、概论
1.解释学美学
把“解释学”或称“释义学”运用到美学分析或作品解释上来，非自今日始。但是到德国哲学家伽达默尔，则早已完成了原有意义上的解释学向本体论意义上的哲学解释学的转折。这在这种理解中，一切表达的意义——艺术的意义以及一切从前流传物的意义——就形成并实现了。 因为解释的目的不是诠释文本而是深入事质本身。①
伽氏的解释学美学是以胡塞尔的现象学为其基础，并师承海德格尔。伽达默尔说：“我的著作在方法上是立足于现象学基础本文由收集整理上的，这是毫无疑义的。解释学美学从传统理论中所吸取的理论营养；从传统美学中所吸取的人文主义的关怀精神、主体性精神、审美判断。这种凭借概念的审美的反思判断，恰恰为伽达默尔本体论解释学美学不同于科学论证的“此在”的真理观奠定了理论的基础。
2.接受美学
接受美学运用现象学、解释学的方法对接受者进行了深人的探讨。它提出，文学不是一种指向客体的对象活动，而是一种处理作为主体的人与人之间的活动。正如尧斯所说，文学的本质是它的人际交流性质。文学的进程应该成为一种“对话过程”。
尧斯认为接受美学应更多地去考虑接受者的心理和接受后的反应，像对待创作者一样，要深入地并系统地研究读者在有效阅读过程中的地位和作用。而且要把读者作为研究对象之一。它强调应把文学史从实证主义的束缚中解放出来，把审美经验放在社会历史环境中去研究。
二、设计理念与大众文化
1.设计理念与大众文化
大众文化这一概念最早出现在美国哲学家奥尔特加《民众的反抗》一书中。主要指的是一地区、一社团、一个国家中新近涌现的，被大众所信奉、接受的文化。依据目前的状况，从某种意义上说，在文化层面上每个人都属于大众，因此，将过去传统的“高雅趣味”作为人类普遍性的标准是难以成立的。事实上，可以理解，这种具有普遍性的趣味的标准，是在已经形成了一定的审美习惯与审美规范。
朱立元先生在《接受美学导论》中提到，阅读是读者想象性再创造的接受美过程，一部新作品的文本“为读者唤起熟知的来自较早文本的期待和规则的视界，那样，这些较早的文本就被更动、修正、改变，或者甚至干脆重新只做了。”接受美学运用到二者中意味着设计理念的转变，从过多注重设计师的创作转变到既注重设计者的创作又要注重受众者的欣赏上来。关注欣赏者的接受效应，
转贴于
是提升审美的一项重要措施。因此，设计理念和大众接受在解释学美学和接受美学中，是相辅相成缺一不可的，具有十分重要的双层作用。
2.出现的问题
然而设计理念与大众文化并不是平稳的向前发展，在时代的影响下，各种审美思想的作用下，也会面临矛盾：设计理念中的历史精神和大众审美的矛盾。对待这个矛盾，有两种片面性。
一种是片面地强调历史的客观性，而排斥任何当代的解释。这样的历史，就成了编年史或者完全的复刻。死的材料是有用——只对少数学者有用，广大读者不会有兴趣。
另一种片面性是强调历史的当代性，否认历史的客观性。把历史的“当代性”理解为当代的某一个最新的思潮。把这种新思潮直接套用到历史的头上，改变历史本身。
众所周知，这两种观点都过于片面，正确的方法应该是折中的，也就是在历史主义精神和大众审美之间保持一种张力的平衡。这种张力的平衡，有些接近于尧斯的接受理论所说的视界的融合。
当然，要达到这种平衡的融合是很不容易的。因为这里显然存在着很大的困难。那就要求设计师的个人的视界尽量做到符合“历史精神”和“大众审美”才能更好地引导接受者在空白处填补和完善，实际上就是一种解释性行为，在设计创造中，利用接受美学中“为定点”理论提出的理想模式所创作的文本是一种开放的结构，具有充分的可解释性。
三、总结
1电源的平面化
手机的电源主要由电池和充电器两个部分组成。随着技术的发展，手机电源由厚变薄，容量由小变大，重量由重变轻。一直以来，手机电池的体积成为制约手机造型的关键因素，手机电池经历了镍镉电池到镍氢电池再到锂电池，以及今天的聚合物锂离子电池，电池的发展一直都在向着续航能力更强、更加环保的路线前进着。当今的智能手机的应用软件繁多，需要容量更大的电池。一般来说，容量越大，体积就越大，这与手机平面化趋势相矛盾。在黑白屏手机时代，接打电话是主要功能，一块电池可以待机一个星期；在智能手机时代，一天一充电是不可避免的。就目前来说，手机日益增加的应用软件功能与有限的电池容量是手机发展的一个主要矛盾，近些年兴起的移动电源技术弥补了手机电池容量不足的问题。手机的充电器部分属于外置部件，通过USB接口连接充电，无论是充电器还是移动充电设备，虽然没有增加手机本身的体积，但是增加了人们携带的负担和使用的复杂性。正在发展的无线充电技术必将简化手机的电源部件，无线充电技术主要有电磁感应、无线电波和电磁共振三种方式。电磁感应是比较有前景的技术，其充电原理是：将电流转化为电磁能发射出来，而手机端接收并把磁能转变为电流从而得到稳定的直流为手机充电。
2电子技术的智能化带来的手机操作方式的革命
2.1人们行为的改变设计是为了改变人们的生活方式。如果说盛田昭夫的walkman随身听改变了人们听音乐的方式，那么智能手机对于人们生活方式的改变太多太多了，无论你是在公共汽车上、地铁上，还是在会议室、休闲娱乐场所，几乎所有人都在低头摆弄自己的手机。人们花费了一天当中的大量时间在手机上，发微博、看视频、读书、处理文件等工作在4G网络时代下，变得轻松自如。智能手机，正在一步步的改变人们的行为和生活。
2.2人机交互方式的改变传统的按键式键盘需要手指去适应键盘的布局，在多点触控技术发展完善的今天，手机的操作方式从单手操作到两手并用，从按键操作到滑动手指。手机的操作方式越来越自然化，更加接近人的本能动作，在下意识中就完成了命令的输入。人与手机的交互方式正朝着“人机合二为一”的方向发展，使用者只需轻轻一点就能得到自己想要的信息，一改往日手机命令层层进入的烦琐步骤。从操作的反馈来看，美国认知心理学家唐纳德•诺曼认为：好用型产品需要良好的信息反馈。［5］“反馈原则”其含义为：向用户提供信息，使用户知道某一操作是否已经完成以及操作所产生的结果。［5］智能手机简化了按键的操作，但是也增加了操作反馈的不准确性，导致误操作的可能性。对于操纵反馈问题的解决，智能手机通过虚拟按钮的震动、按键形状色彩的变化以及按键的声音来提高反馈的准确性。为了防止误操作的发生，通常的做法是增加操作的复杂程度，如增加锁屏按钮，组合式的解锁动作，或者输入密码来解决。近年来，智能手机的体感与语音识别技术不断完善，操作的方式逐渐符合“自然匹配”的原则“。自然匹配”是指利用物理环境类比和文化标准理念，设计出让用户一看就明白何使用的产品。［5］智能手机的体感操作技术，是通过人肢体的动作传达特定的语义，［6］用户使用简单的动作就可以完成相应的操作。例如，三星note系列运用了丰富的体感操作，利用手势左右摇摆实现翻页的操作；将手机扣在桌面上可以实现关闭闹铃或拒接来电的操作；选中欲播出的电话号码，只要将其放置耳边即可自动拨打电话；在接打电话的过程中屏幕自动黑屏，当把手机移至眼前屏幕自动亮起；在阅读或长时间注视屏幕的时候，手机前置摄像头可以感知人的眼睛以防止频繁锁屏带来的阅读上的不便。早在2009年的TED演讲中，麻省理工学院的博士生展示了他的产品“第六感”。“第六感”是以智能手机为载体，综合互动投影、多点触控、体感控制等多种新型技术的装置，用户只需要佩戴小型的外置投影设备便可以将手机的操作和显示界面投影到任何能够反光的表面上进行操作。［7］此外“，第六感”运用体感控制技术，通过简单的手势即可完成对手机某些功能的操作“。第六感”标志着智能手机新的设计理念——计算部分和操作部分的分离，利用虚拟现实的技术对产品进行操作，手机的造型设计将趋向于“无”。
2.3多种功能的整合“手机”顾名思义，指手上的机器，这一命名完全符合当前的手机特征。起初手机是用来通讯的，基本的功能是接打电话、发送信息，那时候叫做“移动电话”。随着手机Cpu计算功能的强大，智能手机整合了电话、音乐和视频播放、电子商务、银行终端、数码相机、照明、数码扫描……可以说是万能机器了，如图2所示。传统的产品整合设计是指将不同功能的部分进行模块化设计，然后将这些模块整合在一起，从而创造出多功能的整合产品，关键点在于实体的整合。在智能手机时代，手机的运行依托的是计算能力愈来愈强的CPU，智能手机的多功能设计不再是实体的整合设计，而是应用软件“APP”的设计。手机强大取决于应用软件的开发。例如，现在的“条形码、二维码扫描”软件可以提供购物时比质比价的服务。
3电子技术推动下手机造型设计方法的变革
CMF（Color，Materiaj&Finishing），是指产品的色彩、材质与加工工艺设计，CMF将产品设计的三要素统一起来，通过深入的研究对产品的细节进行处理，从而提升产品的内在品质。［8］在电子技术的推动下，造型的简约设计是目前手机的主要风格，由苹果公司推出的“极简主义”设计风格近年来已风靡全球，成为各大手机企业学习和模仿的对象。纵观国内手机市场，产品同质化现象愈演愈烈，在众多手机品牌中，如果去掉其标志，一般很难区分出各个品牌产品造型上的差异。产品同质化现象是设计缺乏创新的表现，加之山寨手机层出不穷，扰乱了正常的手机市场。因此，CMF设计越来越受到国内企业的重视。传统的手机造型往往可以从结构出发来进行设计，比如滑盖结构、旋转翻盖结构、全键盘结构等。在智能手机时代，单单外观形态的变化已经不足以打动消费者。时尚的色彩和丰富的表面机理足以吸引消费者的眼球，良好的材质触感赋予产品生命力，严谨科学的加工工艺使产品的表面无可挑剔。CMF设计需要设计者首先研究当前的流行色、新的材料和前沿的加工工艺，然后结合消费者的情感需求。［9］从细节上进行设计，如苹果手机按钮的造型设计，做到让人一看就有“想去舔一下”的程度。
4结语
产品设计的发展史就是一部技术与艺术的结合史，电子技术的进步对手机造型设计产生了深远的影响。在智能科技不断完善，在简约之风盛行的手机造型平面化趋势下，手机造型的同质化现象越来越普遍。各大手机生产厂商在加速产品智能化程度的同时，也要重视产品造型的CMF设计，增加产品的差异化、情感化以及趣味性的表达，这样才能够将艺术与技术完美的结合。
作者：金鑫单位：广东石油化工学院机电工程学院
1.平面设计方面。
现代的社会对于平面设计方面的人才需求非常大。此专业的应用领域非常广泛，学生毕业以后，基本上能够达到独立制作的要求。在这方面学校开设的课程主要有：广告基础、图形创意、书籍装帧、Photoshop、CI设计，等等。学生毕业以后可以到事业单位进行单位宣传工作，也可以到企业从事出版、印刷、家居设计、装修等相关行业的设计工作。
2.室内设计方向。
这个专业可以说是现在比较流行，也比较热门的行业。学生毕业以后从事室内装修、设计方面的相关工作，还有建筑行业的设计。在这方面的开设内容有：人体工程和建筑制图、CAD制图、效果图后期处理等课程。这个行业的人才培养为美术专业其他方面奠定了坚实的基础。
二、中高职美术课程专业结构上的调整
1.重复课程的合并。
由于传统的课程在内容上有重复安排等情况，所以新课程对于这些情况作了一些调整，对于重复的内容要进行删除，重叠的现象开始减少。例如，平面的构成与图案在内容设计上就存在重复的现象。我们可以考虑把两门课程合并成一门课程。这样教师教起来既省时间，又提高了课堂效率。还有《广告基础》，就是由多门课程合并而来，根据这几门课程之间的联系，重新调整出符合时代要求的具有科学性、合理性的方案。整合后的教材充满了时代的特点。
2.课时比例的调整。
针对一些与课程无关的，教师可以结合实际情况进行删除，以降低它们在整个学习期间的课程中所占的比例。例如，素描课程原来安排为中专一学期，而大专一学期学生还要学习。合并后统一安排为大专一学期，在素描内容上进行了结构渗透、视图深化，在颜色的淡化与虚实上，注重了线条的讲授。这样的设计就为学生高职专业的学习奠定了基础。
3.教学内容的合理调整。
新的课程设计在素描、水粉等方面进行了改变，变为设计素描和设计色彩，等等。其中在设计内容上同样和设计相互衔接。其中改变最大的方面就是将原来三门课程中的精华进行了筛选、渗透，并且完全打破了以往各自为政的教学模式，把这些内容相互贯通、渗透合并。这样学生学习起来既省时，又大大提高了教学效率和教学质量。这样的教学内容上的安排，为提高美术教学质量打下了扎实的基础。
三、混合模式教学在选取的专业部分实行混合式教学，具体的方法如下：
1.第一学期，将平面设计、色彩构成、CorelDraw混合为同一模块的教学实践。
拿色彩构成和平面设计来说，它们是中专美术专业主要课程。主要目的就是让学生懂得色彩构成的主要概念，他们构成的知识都是些什么，组织规律、基本造型是什么。其主要目的是开发学生的思维能力，让学生懂得基本的知识，并且运用这些知识为学生以后的学习奠定坚实的基础。在以往的教学实践中，学生的作业质量非常差，对于手绘画，学生从根本上来说基本就是不重视，然而对于电脑绘图却表现出强烈的兴趣和爱好。基于此情况，教师可以将教学内容进行改革设计。让学生通过计算机来对图形进行编写、绘画的学习，这样既可以使学生对于计算机知识，计算机软件设计知识进行熟练地掌握，对于二维图像的设计学生能够进行练习，并且也掌握了手绘图画的知识和技巧。
2.三门课程在内容上有很大的重复性，教师就可以根据这一特点进行混合讲解，统一传授，将教学内容穿插讲授。
1.学生在审美意识形成的最初关键期对相应知识掌握不足。中学是学生审美意识形成的最初关键期，而现行的高考美术(含设计)类术科的专业测试仅仅考查学生的绘画或设计能力本身，却不关注相关理论的测试。这样的考试形式会对学生现代审美意识的培养带来负面的反拨效应(Back-wash，指的是测试对教学和学习的影响)。使学生在本应对美术及设计类相关知识有全面了解的关键时期走入了轻理论、重实践的误区。他们的审美意识只停留在可观察到的物体本身所呈现出来的外在形式上。学生的这种意识在形成的关键期缺少时间上的保证以及内容和形式上的熏陶，学生在以后更高层次的学习就会欠缺相应的敏感度和时代性。
2.学生在审美意识发展的重要阶段对相关理论知识的学习心存抵触。大学阶段是学生审美意识发展的重要阶段，为数不少的学生在实践操作类课程中表现积极，而对理论类课程有所抵触。他们因缺少足够的理论支撑，实践操作类课程也往往后续动力不足。个别学生虽在一开始有较好的设计敏锐度，但不能更好地理解一些理论知识并运用到自己的设计中，虽有较为扎实的动手操作能力，但原本不错的想法往往不能在作品中得到充分体现:其作品虽有精细的做工，却缺乏应有的内涵，显得匠气满满而创新不足;虽有创新，但没有呈现出应有的设计效果。
3.学生对审美意识有了一定掌握，认知却似是而非。我们发现，学生对某种概念或设计元素常常没有精准的认识，即没有把握住正确的设计点，在应用其审美能力的过程中所选取的核心设计点不符合设计概念及主题。有时这样的设计会歪打正着，带来“混搭”的“神奇”效果，然而多数却缺少内涵。长此以往，设计出的产品只能让人感觉“西装领带配运动鞋”似的不伦不类。此外，还存在核心设计点过于陈旧甚至落后于当前设计潮流的现象。
4.学生的现代审美意识受生源地、家庭环境等因素影响。如家庭成员中有设计类相关从业人员的学生所具备的现代审美意识较强，来自一线城市的学生由于视野上的优势，其艺术素养也往往强于来自旗县的学生。
二、培养艺术设计专业学生现代审美意识的改进建议
鉴于审美意识对设计类专业学生所具有的重要性，应从学校、教师和学生自身两个方面进行改进。
1）学校和教师方面:
1．在学生入学后第一时间应当对其在中学阶段欠缺的理论知识进行补充。入学初期，是学生审美意识培养的关键时期，这个时期对于学生审美意识的培养不仅要从绘画技巧上加以培训，而且要进行相关理论方面的授课，还要开设一些基础性、补偿性课程来弥补学生欠缺的理论知识，使学生在绘画和设计实践中不是仅凭感觉去练习，而是通过提升理论基础，指导动手操作实践。具体而言，在开设史论课之前，让学生学习一些有关审美知识的课程、欣赏一些现当代优秀的设计作品，并做相应的练习以充实和加深对于现代设计的认识和认知。
2．加大理论类课程的教学力度。在史论课教学中，应以学生掌握有关审美理论的系统性知识为核心，将有关现代审美的理论知识贯穿整个教学过程。应通过分阶段学习，让学生的审美意识不断得到提高，从而使学生从理论高度了解和掌握有关知识，并指导其今后的设计实践。除进行相关理论本身的讲述外，在教学中还应辅之以欣赏大师作品等优秀设计案例，让学生更好地理解理论知识。应该注意的是，欣赏作品不针对某一个专业，而应当是通识性的，要让所有相关专业的学生理解好的设计元素如何运用，如何在各个设计领域都有展示。在专业课教学中，授课教师应通过对学生作业的讲评，给学生讲述更多的设计理念和设计思想，并穿插讲解设计大家的作品，让学生从理论到实际产品都有深入了解，从而明白现代审美意识的范式，在元素、色彩等方面的搭配以及给受众带来的感受，不仅要通过理论教学提升学生的专业素养，更使学生懂得，现代的审美意识是一个大而综合的集合概念，既有当下流行的元素，也不忘对传统的热衷，还有对未来的憧憬。
3．在重视改进教学本身的同时，还应注重对考试的改进。现代教育测量理论认为，考试会对日常教学和学习产生影响。鉴于高考美术及设计类术科测试方式短期内不会改变的情况，在大学阶段，应该设置较高的通过门槛，以难度较大的闭卷考试形式进行测试，同时，提高理论类课程的学分设定。通过这一方法，使学生达到重视理论课学习的目的。
4．对现行教学形式进行改进，使授课形式多样化，增加课程的趣味性。在实践中，我们总结出学生乐于接受的教学形式:分组练习，根据人数和学习内容，分成多样式团队组合，培养学生的团队意识;角色对调，让学生当老师，讲述自己的学习体会，培养学生的语言表达能力;游戏练习，通过游戏的形式，把知识传达给学生，增加学习乐趣。
5．适时对所教内容“回头看”。相对于实践性、操作性较强的专业课，理论类课程往往更为抽象，学生对其理解也更为困难。因此，教师在课程进行到一定阶段、教学难点所在以及课程将结束等重要事件节点，带领学生总结学习的内容，重点知识，学生的问题，应该补足的地方，并及时答疑解惑，方便学生课下进行复习和总结。
6．重视素材的积累。现代审美意识的提高需要多个过程的洗礼，需要时间的累积，通过长期的学习，才能保证掌握足够的素材性知识。因此，在日常教学中，要给学生以大量的常识性信息。学生只有通过大量阅读和欣赏量之后，才能提高对于美好事物的感知能力，才能理解现代审美意识的重要性，进而获得足够的设计敏锐性。
2）除了学校和教师的努力外，也应引导学生在以下方面进行自我完善和提高:
1．在史论课方面，引导和鼓励学生认真学习专业史论课，使之做到以设计史为鉴，面向现代化的设计实践。学习历史可以帮助学生明白事物的发展规律，有利于审美意识在理论层次上的培养。要让他们懂得，明白原理才能搞好设计，优秀的理论才能指导出优秀的设计实践。
2．在专业实践方面，引导和鼓励学生在接受正确理论指导的同时，从日常设计实践中总结经验，提高审美能力。要让学生明白，动手练习的设计实践不仅是设计作品，更要从中主动去发现美、认识美。让学生在具体操作中感受具象事物的美好形式、优美形态、完美形状，培养一定的审美感受能力和认识能力。
3．在团队完成设计作业方面，引导和鼓励学生从其他成员中获得新的信息、新的看法、新的资源，从而增加其知识面，扩充眼界。通过团队协作，不仅使其自身设计的精细化得到提高，还可以使其提升审美趣味、了解更多审美观念和审美理想。
4．此外，还要引导和鼓励学生多做自我总结。审美意识的培养不是一朝一夕的事情，教师应引导学生经过一段时间的学习、练习、交流等过程后，总结感悟到的审美感受，审美经历，审美取向。一方面能够确认自己的审美趣味方向，另一方面也能够了解自己的不足，从而针对不足继续深入学习，培养比较全面的审美意识。在这个过程中，教师可采用比较法提升学生审美意识。比如:比较地看待不同时期的美学流派、设计思潮、思想体系，比较中国传统审美观和现代审美观，使之更明确现代审美观所承担的重要角色，而与之相应的审美意识就有了重要的作用;比较不同时期的审美取向，审美意识，明白现代审美意识的重要性;让学生学会用比较的方法进行个人设计作品的创作，比较自己不同时期的作业作品，了解自己的差距和不足，找到努力学习的方向。
三、结语
【关键词】平面设计 传统美学 作用
1 传统美学理论的内涵
1.1 概念
（1）美学是一个综合理论体系。美学，一门审美理论学问，是各种审美观念的综合体。每个人都有其独特的审美观点，有的是与生俱来，而有的则是在后天的生活和工作中逐渐形成的。通常所说的一个人所具有的世界观和价值观，其中也掺杂进了一定的审美观。对于世界的认识和看法，对于某一价值体系的理论认识，或多或少地都会融进一些审美思想。由此可见，美学理论并不是单一的独自存在的，它是很多思想观念的综合体。
（2）美学理论的研究方法呈现多元化。美学理论不仅是多种思维的综合体，其认识方法也是多元化的。外界事物产生的美感，必须要通过人类本身活跃的思维和感官，才能发现这种美，这就是一个人的审美观所决定的。而在其感受美的过程中，所传达出来的各种认识观点，就是审美观，这些理论就是美学理论。
1.2 发展轨迹
（1）独立发展的标志――《美学》一书的出版发行。德国哲学家亚历山大・戈特利布・鲍姆加登的《美学》―书，标志着美学理论的独立。在过去很长的一段时间，人们无法正确认识“美学”这一学科，只是很笼统地将其与哲学混杂在一起。直到《美学》的出版，人们才有了公开研究探讨美学理论和观点的文化舞台，很多人也才意识到美学的真正价值所在。
（2）美学理论研究的对象不只是“美”，还有“丑”。美学不只是审美的理论，还包含有审丑的观点。有点美学常识的人都知道，美学理论的观点之一是提倡活生生的自然美。然而这并不是说美学就只记录人们对于自然、艺术和社会中美的观点和看法，它还有对于一切丑恶现象的研讨和批判。前面已经说过，美学是一个各种观念的综合体，其中有对于“美”的研究，当然就会有关于“丑”的理论。
为什么美学理论中要有关于“丑”的描述？因为世界是一个多元文化观、价值观等的结合体，美与丑本来就是对立存在的。只有让人们从美的对立面一丑来全面地看待一个事物，才能真正认识和理解该事物，这就是唯物主义辩证理论中强调的“矛盾观”。只有承认美与丑这对矛盾的存在，人们的认识思想才不至于狭隘，停滞不前。
2 传统美学理论在平面设计中的作用
2.1 在美学理论的指导下，平面设计的作品更加富有感染力
平面设计中融入的图文信息，在美学理论的指导下，将更加富有灵魂，带来极大的感染力。众所周知，平面设计的作品中体现着设计者自身的本体意识，包括其世界观、审美观和价值观等等，都将细化地展现在该设计作品中。就比如一些线条、色彩和文字的处理，无不流露出设计者的所思所想。因此，在深厚的美学理论的指导下，设计者对于图形和文字、色彩的搭配和处理，必定会更加富有感染力，给作品本身带来无穷魅力。
也许有的人会很迷惑，这个感染作品的作用到底如何体现出来？举个简单的例子，设计者想要设计一个儿童玩具。玩具设计的草图上肯定要充满着纯真、有趣、新奇等思想观点，要针对小孩子的个性特点来设计。如果作者系统性地学习过美学理论，他就很清楚在画图时应该使用哪些吸引孩子的色彩，哪些文字是孩子容易识别的，哪些组成图画会打动孩子的内心等等，诸如此类的问题，都是设计者应该重点考虑的问题。运用美学那一套对于事物的审美观点，设计者就能很快找到切入点来进行设计。而如果对传统美学理论知识甚少的人，在设计中则很难顺畅地组合思维。
2.2 传统美学理论为平面设计作品注入深厚的文化底蕴，使得设计作品更加富有韵味
传统的美学理论，指引平面设计向着内在美的挖掘发展。关于平面设计，有多种不同的表现要素。加之当今世界中流行的一些外来文化的熏陶，设计作品中所具有的外来文化元素的东西越来越多，而逐渐淡化了传统艺术美学理念的表达。当然，这也是顺应时代潮流的一大体现。这里并不是说在外来文化指引下产生出的设计作品不好，只是说传统的美学理论不能淡忘。流行元素在设计中固然需要融入，但传统的审美理念也应该适时加入，因为这将会大大加深作品中的传统文化底蕴，使整个作品更加富有韵味。
每一种艺术和理论的孕育和发展，都是由小到大，从弱到强的。它积极而上升的前进和发展方向，当然是大家愿意看到的结果。然而，在为其热血欢呼时，不能忽视传统理论存在的价值和意义。
结语
传统文化理论博大精深，美学理论便是其中璀璨的一颗宝石。传统的美学理论是一个思想价值和世界观思想的综合体，它产生于哲学，却逐渐发展成为一门独立的学科。美学理论不仅教会人们审美，其中也有很多关于丑的理论。只有用多样化的研究方法，才能真正掌握具体事物中存在的美学价值，认识到其对于平面设计的重要指导作用。
参考文献
[1]洪永稳.简析康德美学中审美与人的自由[J].安徽大学学报（哲学社会科学版），2004年03期.
【关键词】设计美学 实题实作 审美修养 教学模式
设计美学是艺术设计专业设计领域内较新的一门课程，具有各学科的交叉性、复杂性、边缘性的特点，是多学科综合知识的集结。而且设计美学学科起步较晚，没有统一且权威的课程结构，所以课堂教学常常拘泥于常规教学形式，无法满足实际需要。因此，探索设计美学的教学模式是设计美学课程的需要，也是设计教育的需要。
一、设计美学课程的教学内容与特点
在艺术设计专业理论课程中，设计美学作为一种新兴的学科，涵盖内容复杂，包括范围广泛，涉及内容深刻，既有设计美的性质、构成的讲述，设计美的类型、风格、文化意蕴的分析，还要深层次讲授设计美的创造性、设计美理想、设计美的境界等。如果教学方式仅限于传统的授课方式，会使学生接受慢、理解难，同时由于学生水平参差不齐，会使得一部分学生跟不上教学进度，理解不了。如果采用实题实作的模式教学，让学生动手搜集相关设计美的作品，动手体验材料的性能美，绘制设计的基本形态，在实际设计作品中分析设计哲学、视觉之美，使设计美学课程变得生动活泼，并能够真正建构专业理论知识体系（表1）。
二、设计美学课程教学实题实作的意义
设计美学课程要使学生在掌握美学基本原理的基础上，以文化精神和艺术哲学理念为先导，探讨和分析设计美学的基本原理与规律，重点在设计实践中提高学生的审美文化素养和文化底蕴，分析设计作品的审美形式、审美原则、审美价值和审美文化，为学生从事设计实践打下良好的美学理论基础。从这个意义上说，“实题实作”教学模式更能够迅速地把学生带入设计作品分析中去，在实践中迅速掌握设计美的一般法则和原理，培养出适合时展的优秀设计人才。
设计特有的审美规则并不是空穴来风，其背后有着客观的依据和需求，例如人的需求、各种设计尺度（包括设计物品本身的尺度、人体工学的尺度，社会道德尺度等）、设计的外在形式与内容、设计的使用功能与形式美的关系问题等。设计的实用功能直接影响到使用主体对它的审美评价，即使用带来的愉悦而产生的美感。这种在使用中的审美愉悦使人们对功能美产生联系，所以实用甚至可以转化为审美。这种使用上的功能美的现实存在不得不使人们考虑被哲学美学所忽略的“设计美学”。而在课堂上只注重传统哲学美学的讲述和学习是十分偏颇的，“实题实作”就是基于设计美学这种特殊学科特点提出的。
因为设计美学所涉及到的知识领域十分广泛，也是跨学科的，边缘性、交叉性都很强，而且具有深刻的哲学含义，所以设计美学课程内容不可避免地要涉及到哲学内容。如果说设计是属于哲学范畴，那么其探讨的是关于设计领域美学的实用范畴，不但是设计普遍知识的提炼和深化，也是设计领域的根本观点。
三、设计美学课程教学实题实作的内涵
设计美学是一门复杂、交叉的边缘学科，研究内容有别于传统的艺术门类和美学内容。设计美这种特有的审美规则并不是和纯艺术的审美规律相悖，但是背后又有着独特且客观的依据和需求。众所周知，设计之美的依托是其使用价值，而激烈的市场竞争和人们不断增长的物质精神的需要造就了这一审美趣味。从设计的深层次内涵上讲，“功能美”是设计美学中非常核心的观念，设计美学是一个特殊的哲学范畴，因为其拓宽了传统美学的观念，把“美”这个形而上的哲学概念拓展到实用领域中，并且一定要设计实践领域之内的理解。
虽然设计美学研究的内容包含范围极广，但是功能美的研究应该是设计美学课程首要解决的重点，特别是在本科阶段，应该重视整个设计美学核心理念。设计美学的教学内容不同于普通美学课程，其涉及景观设计的美学哲学原则以及产品设计的美学哲学原则等。这样的功能美实际上包括了设计美的全部内容，比如视觉美观、使用舒适、感觉愉悦等，这正是和设计原则的实用、经济、美观有一致性。这样庞杂的内容，如果只停留在哲学美学的讲述，显然是不够的。因此，在教学模式上，“实题实作”应该是行之有效的：把众多的设计作品按照设计范畴分类，再进行设计美的作品实例分析，把设计中的历史背景、哲学思想、技术分析、视觉美感以及实践方法作为一个整体系统地呈现出来，最重要的是，在实际的设计案例中贯穿设计哲学的分析和美学观的渗透，使学生迅速且切实有效地学习到设计美学的精髓。
另外，“实题实作”教学模式中要注意运用相通课程渗透的方法。这也是设计艺术教育教学所要求的的。例如在学习和掌握设计美学中“形态美”的同时，可以设置一节计算机“分形艺术”课程，不但可以加强计算机辅助设计教学，而且可以加强造型基础的认识，特别是对“三大构成”的理解与应用，这样便提高了学生对于形态美的直观认识，还能使其具备较强辅助设计的能力，适应毕业后市场的需求。再如，学习材料美的章节内容时，可以加大材料学的教学力度。设计美学课程的特点就是其学科边缘性以及交叉性。所以，设计美学“实题实作”的教学中要提高、深化学生的文化修养，因为文化传统具有弥散性，是一种内在的强大力量，是深深植根于设计者的精神血液中的。
作为中国的未来设计师，应该在中国传统文化艺术、古典文学甚至诗词中汲取大量的营养。我国有着深厚的文化传统，独特的哲学观更是对传统造物之美的影响深远，例如中国园林设计中随处可见的那种满足于模糊的混沌，“因地制宜”的审美观表面上不想触动原始地貌，其背后的哲学思想是“归田退隐”的士大夫理想。我国传统设计中求曲、求藏的美学追求使许多园林景观中展现出有意识的曲径通幽，以及藏而不露的诗意境界。
四、设计美学课程教学实题实作的方法
设计美学课程中有很多内容可以“实题实做”，就是教师的引导下形成理论性分析，在实际设计案例中提高理论水平。这种模式的方法是以实际设计成果来完成理论探索，再回到理论，上升到理论。例如在学习“动态设计之美”这一章节中，从实际的设计案例分析入手，展示室内设计中的“虚拟水景”，设计展览中的观众互动等，先启发学生分析什么是动态设计，再通过教师的讲解来理解动态设计之美，最后要追加课下练习，即自己做的动态设计（可以只有方案），这样能够使学生最大程度地理解动态设计之美。另外，“实题实作”的教学模式要加强通过对设计个案的美学分析，使学生直观地体会中西设计美学观念在视觉、结构、空间、色彩等方面的差异，然后再上升到中西方哲学观的分析上，理解哲学观的不同会影响中西方美学的观念，进而对设计的影响十分明显。这样不仅把理论知识变活，而且学生接受起来更有兴趣，使设计美学课程不仅名副其实地成为专业的“基础”，更成为学生专业理论修养的提升课程。
在整个设计美学课程教学中，由于涉及内容极其广泛且复杂，因此设计美学课程的“实题实作”不能面面俱到，这样不仅会使案例庞杂，而且也不适合本科教学的特点。在“实题实作”的教学中，设计案例的选择最为关键。通过“设计美的构成要素、设计美的理想境界，设计美学的发展趋势”这些教学章节的学习，布置一些实践分析环节，比如请学生利用写生实习环节，从中国古典园林入手，配合理论课程，把自己拍摄设计的精彩亮点，其做成幻灯片的形式，在课堂上相互交流，进行设计美学、哲学的理论分析，体会传统美学观在园林设计中的渗透（表2）。这样不仅摆脱了传统理论“枯燥”特点，还配合了实践教学，使理论知识与实践设计能力相结合，强调实用性，保证实践教学的落实。
结语
综上所述，在实际设计案例分析中把设计中哲学、技术的视觉之美传达给学生，使传统的设计美学教学成为学生喜闻乐见的理论课程。这是培养优秀设计师的必要条件，同时其也要具备实际分析能力与审美能力。而这种实题实作的教学模式一定会给设计美学教学带来可喜的明天。
（注：本文为山东科技大学2013年“群星计划”立项资助，项目编号：qx2013267）
参考文献：
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[5]罗伯特・克雷（Robert Clay）.设计之美[M].济南：山东画报出版社，2011.
美术史类的课程教学在高等学校艺术设计类专业之中占有很重要的位置，在全国各大院校的艺术设计专业中都有开设。学生在学习美术史论课程的过程中，了解了在漫长的人类文明发展史当中出现的各种艺术风格、装饰造型，并且在这个过程当中通过了解美术思潮的变迁理解人类文化特质的形成和演变。我们知道，艺术设计专业的核心在于创新、在于创造。而这种创新又常常来源于对世界民族文化特质的了解。现在随着科学技术的不断进步，艺术设计专业的创作方式也随之产生了很大的变化，特别是计算机技术的发展使得软件成为艺术设计的主要创作的工具。学习艺术设计的学生也越来越依赖软件而忽视对艺术素养的培养。但是学生设计作品的水平高低与否却往往并不取决于他的软件操作水平，更重要的是他能否对设计本身有更深刻的理解与思考。一个优秀的设计师一定是具有深刻的对生活的理解和开阔的艺术视野的，只有这样他才可能设计出具有文化意蕴的作品。所以，在国家不断提倡素质教育的背景下，艺术设计专业的学生进行美术史课程的学习可以促进学生文化素养的积累，让学生了解历史上各种艺术风格的变迁并从中汲取营养，使得灿若繁星的美术作品可以成为学生设计时取之不尽的灵感来源。例如德国设计师冈特·兰博的作品中就借鉴了超现实主义画家马格利特的作品形式，而设计史上极为著名的“红蓝椅”的设计者里特维尔德也是借鉴了蒙德里安的绘画成就。联合国教科文组织的标志就是来自古希腊雅典卫城上的巴特农神殿的主立面的轮廓，这个标志非常鲜明地表明了该组织的特性。
2艺术设计专业中美术史课程教学的现状及原因
国内各个院校的艺术设计专业中都有开设美术史类的课程，但是目前这类课程所面临的情况却比较尴尬。从20世纪七十年代末开始，中国的工艺美术领域经历了一场深刻的观念变革，被认为匠意浓重的“工艺美术”被“艺术设计”这个新名词代替，这场开始自设计概念争论的变革，继而冲击了工艺美术院校的教学模式。设计学科和与其血缘最近的美术学科表现出逐渐疏离的趋势。艺术设计学科自身发展的需求使得学科名称发生改变，但是这种现象却表明了一种不甘受制于人，力图摆脱传统美术教学的影响的思想潮流在设计学科当中的流行。艺术设计学科是一个年轻的学科，它迫切需要建立独立教学体系的愿望有可能会走向极端———这一切使得同属造型艺术领域的艺术设计与美术之间的距离被人为地扩大。在目前设计专业的课程设置当中，美术对设计的影响基本被降到了最低点，即便在课程改革当中被保留的素描和色彩课也必须在前面加上“设计”二字，以显示设计专业不同于美术专业的教学目标。至于美术史论类课程，目前只有艺术设计学科下设的艺术设计学纯理论方向会把美术史课程作为必修课学习，这实质上反映了美术史教学在设计专业中被边缘化的倾向。长期以来，美术史论类课程总是处于陪衬地位，很多学生对美术史论类课程有偏见，学习兴趣不高。在学习美术史论类课程时，大多数学生都相对被动，学习动力不足，相对于其他专业课上课的时候更容易走神。这种情况对美术史论类课程的教学效果也带来了不好的影响。导致这种现象的形成有很多原因，最主要的有以下几点:
原因一:高校艺术设计专业的美术史论课程师资力量不足。高校美术史论教师的来源主要是本专业的硕士和博士研究生。近几年我国研究生招生规模不断扩大，美术史论专业学生的数量也在不断增长，就业形势整体比较严峻，因此，大多学生都不能进入高等学院从事美术史论教学。同时，有一部分学校虽然有专业的史论课教师，但是却因为艺术设计专业的美术史论课程课时相对较少，教师们为了能够完成规定课时量，常常需要开设多门课程。从艺术概论到美术史再到设计学，以至于只要是理论课就无所不教。这样也就致使他们成了“万金油”，学术方向博而不精。甚至还有些学校让设计教师兼上史论课程，设计教师长期从事实践教学，在史论基础、学术累积相对不足的情况下开讲美术史论课程，其教学效果同样难以让人满意。
原因二:美术史课程目前的教学方法比较陈旧。目前大部分的教师还是按照历史发展的顺序教授美术史课程，讲授的内容让人感觉是在口述历史。艺术设计专业的学生比较擅于形象思维，对视觉上有吸引力的具体物象感兴趣，对于纯理论的美术历史的讲述较易感觉乏味无聊。自然比较容易产生抵触情绪。如果只用美术发展的历史作为课程的主要内容来教授，往往不易调动学生学习的积极性，学生的学习兴致不高、上课无精打采，很难顺利完成教学任务。要解决这些问题首先必须要强化艺术设计专业史论师资队伍的建设。教师的学识水平决定着艺术设计专业发展的水平。艺术设计专业是一个必须重视实践的专业，艺术设计专业需要具有熟练的专业实践能力并能指导学生设计实践的专业技能型教师，同样也需要具备广博的学识，具有较强教学科研能力的史论型教师。艺术设计院系应出于让教师更加专业化的目的，设置专门的史论课程的教师，让他们专门教授几门在专业上关联紧密的课程。也可以从现有教师队伍当中选择有一定史论基础知识并能起学科带头人作用的专业技能型教师，培训他们系统地学习美术史专业理论知识，使教师学有专长，对教授理论课程产生兴趣。教师对于学术上的热情会感染到学生，使学生的学习兴趣也得到提升。不仅如此，在课程结构的设计和教学方法的改革中也要做积极的努力，使美术史教学能够和设计实践更紧密地联系起来。
3用启发性教学方法解决当前美术史教学中的问题
工艺美术史课程关注器物的材质研究，注重器物的制作技术的发展演化的历程，设计史课程和工艺美术史课程相互搭配，让学生在人文科学的大构架之中，认识造物艺术的发展规律和表现出来的人类的造物思维的演化。而人类文明对视觉美感的探究过程以及对其间出现的艺术形式的分析和学习的任务该由哪门课程来承担呢?或许不必担心，大多设计院校的基础课中一般都设置了一些实践操作课———素描、色彩等等，但这些课程都是以技法的演示再加上学生动手体验的形式进行的，没有要求教师为他们所讲授的技法在美术史中对应一个合适的位置，同时逼仄的课时数也是不容许的。很明显，当前没有任何一门课程能够替代美术史的作用，美术史课程的缺失会导致艺术设计专业的学生知识结构上的重大缺陷，使得艺术设计学科的学生无法从美术作品中收获灵感和营养。可见，美术史课程在艺术设计专业中的位置是非常重要的。但是在课堂人数多课时少的现实情境之下，传统的课堂讲授的方法越来越显得落后保守，美术史科目自身所具有的繁复浩大的内容体型，复杂的发展脉络也往往使学生感到枯燥而失去学习的兴趣。要改变这样的现状只有通过启发性教学的方法，从教学理念方式方法的改革，课程结构安排上鼓励学生进行研究探索，激发学生的学习兴趣，启发引导学生在课后进行自主学习。美术史启发性教学要针对艺术设计专业学生的特点进行教学方法与技巧的设计，在选择教学内容时要敢于取舍，在明确教学目标的要求下，选择有助于学生开拓设计思路的知识点进行重点讲授，其他的可以简要介绍，有一些甚至可以根本不涉及。启发性教学的关键就在于使美术史当中的丰富的作品与设计实践相连接起来，在教学中恰当地设计问题，利用问题因势利导地启发学生的思维，深入浅出地讲解内容使学生更易于接受和理解美术史中的深奥规律，发现美术作品的实际作用，研究美术和设计的共通之处，了解美术作品的丰富内涵对设计实践的作用，让美术史课程的实用价值真正被开发出来。
4进行美术史启发性教学的方法
4．1围绕设计专题进行课程内容安排
传统的美术史课程通常以时间、地域为单元进行知识点的罗列，这种讲述方式重点不突出，大量知识的罗列也容易使学生产生厌学情绪，所以在启发性教学当中我们对于课程结构的设计采用打破传统的方式，开设以艺术风格为中心的模块式的专题讲座。模块式的课程设计易使学生感到新鲜有趣，在知识传授方面重点突出，给予学生的印象深刻，有利于学生对知识点的掌握。课程整体安排可以改变以前按时间顺序分段式的美术史授课，注重中西方美术发展过程的对比，将设计和美术史的内容相链接。比如，可以把课程设计为一些专题，例如:中国山水画与设计，传统书法艺术与设计，西方绘画与设计的联系等，或者利用富有个性的标题“动画设计中的巴别塔”、“山水灵性的设计表达”等来激发学生的好奇心。设计专业的美术史教学尤其要重点突出在历史当中发展出的种种艺术风格能够对今天产生什么样的实用价值。因此，利用现代著名的设计案例来引起学生的兴趣是一种很好的方式。例如，新苏州博物馆水榭后那堵极富写意韵味的片石假山的灵感就来源于中国山水画艺术，我们可以以这个景观设计案例作为设计与中国山水画艺术之间的一个连接点，发动学生在上百张的传统山水画中去找寻这段景观造型的原型，这比教师单纯的演示图片更能调动学生的主动参与的积极性。等到他们终于在水墨山水画传统里找到设计师灵感的源流之后，就可以开始介绍中国山水画演变的过程了。当找到最终的谜底“米氏云山”之后，原本让人觉得深奥难解的传统文人画笔墨意趣就有了现实的价值。经过这样的导入铺垫，学生对于水墨和青绿山水画的差异、文人画意趣的争论才会有更多的切实体验。从认知心理学的理论来看，一个人积极自主思考得到的知识，比起他人灌输的知识印象和持久性都要强。在教学活动中用美术作品直接刺激学生的感官，调动他们的兴趣，一定会引导学生主动去思考问题，激发学生的创造力。这样就能同时达到既传播知识又培养了学生的艺术兴趣、提高了学生艺术鉴赏力的多重目的。这样的课堂效果是很显著的，使得每位设计专业的学生、特别是环境艺术专业的学生马上就会体悟到，在从事空间造型艺术的过程中从中国传统山水画艺术中汲取营养的重要性。
4．2发现美术和设计的相通之处
设计学院的美术史课程必须紧密联系设计实践，教师要努力让课程的内容能为学生以后的设计工作提供有价值的审美经验。这是追求实用审美统一的设计学科的本质要求，同时也是改革高等教育模式的时代要求。教师要让学生在对美术作品的欣赏分析的同时体会美术和设计的相通之处，这样的教学才能帮助学生在设计实践中实现审美与实用的统一。2008年北京奥运会会徽的设计过程几乎就是中国书法艺术与当代设计艺术的磨合过程，它的造型设计取自于中国传统书法篆刻，它的造型与色调体现着汉字所显现出来的民族气韵，它的创意对于学习设计的学生来说也是很好的可供借鉴的经验。在讲述中国印章和书法的历史时可以由这个设计实例展开，在有如此优秀的设计作品的提示下，学生会对具有数千年历史的书法艺术产生一种亲切的感觉，在教师的引导下他们会发现这种中国特有的艺术类型所蕴含的形式审美经验与现代设计有着相通之处，在文化含义的层面的是单纯的字体设计课无法相比的。
4．3在艺术作品之中探索美术与设计的文化内涵
美术史的启发性教学能够使学生了解美术作品的思想内涵，欣赏其中所体现出的形式美感，使美术史成为设计实践所需要的灵感来源。世界设计艺术中有大量经典实例都可以从绘画、雕塑、建筑当中找到形式的来源，也就是说对于设计艺术实践活动来说，中外美术作品完全可以作为设计时的素材库来使用。种种实例都表明了美术史课程可以更好地填补设计与美术两大学科之间的缝隙，开阔学生的艺术视野，把造型艺术中的经验及时转化成孕育现代设计的营养。教师在美术史课程的教学中既要介绍中外的艺术大师和代表作品，还要讲述大师的成长经历、学习艺术的艰难历程和伟大的人格，在故事的讲述中对学生产生积极的启发作用。培养学生发现美、欣赏美、创造美的能力和创新思维，提高学生的艺术素养和想象力、创造力，在完成教学目标的同时培养学生的综合人文修养。
