时间：2023-02-23 07:21:59
关键词：社会责任理论；绘本艺术；创作应用；审美教育引导
当代社会发展迅速，大众对知识的掌握量和来源也越来越广泛，有时会呈现一种亚审美状态。同时，随着科学技术的发展，在我国有很多的平台媒介给绘本爱好者提供创作平台，并浏览他们的作品，但其质量却好坏不一。因此，对于绘本艺术创作者的社会责任和审美培养教育势在必行。本文旨在尝试通过社会责任理论的角度，为绘本艺术创作提供新的理论研究思路，通过社会责任理论和其他相关理论的交叉研究，丰富对绘本艺术的研究方法，有助于创作者丰富设计知识，较可能地促进中国绘本艺术的创新与对创作者和大众的审美教育发展。
1概念及界定
1.1社会责任理论
社会责任理论（social…responsibility…theory）是一种规范理论，用媒体行业和公共责任心取代媒体的完全自由和外部控制。［1］是传播学的基础理论之一。社会责任理论的一个理论基础来源为社会契约论。约翰•密尔就曾在解释社会契约理论时指出：“虽然社会并非建筑在一种契约上面，但每个人既然受着社会的保护，每人对于社会也就该有一种报答。”［2］也就是说，社会上的每一个人都直接或间接参与着社会契约的行为。因此，无论出于责任还是道德都要对社会尽义务。［3］
1.2绘本
绘本的英文单词是Picture…Book，在我国早期的时候是被称为“图画书”，真正出现绘本这一词是从日本传入中国被我们大众所熟知和使用的。在日本被人们称之为“日本绘本之父”的松居直先生在《我的图画书论》中认为：绘本不仅是“文加图”，更应该是“文乘以图”。［4］成人绘本一般是用较童真的形式语言，强调绘本艺术实用性或者内容的深度；儿童绘本就是用生动形象的语言以及色彩艳丽的精美图画，用拟人化的手法和站在儿童的角度上尽可能地还原孩子们眼中的童真世界。本文所研究的绘本艺术既包括成人绘本也包括儿童绘本，这两者既有联系也有区别。但两者的界限并不是特别的明确，有的绘本能得到成人和儿童的双重喜爱，并且也可以学到知识。
2当前绘本艺术市场分析
当前处在社会高速发展的时代，但我国绘本艺术市场上存在的问题不容忽视。其包括传播者和传播媒介在观念、人才培养与营销思维等方面仍存在诸多不足，值得我们去深思。但与此同时，其中也不乏好的作品、好的绘本艺术作品。
2.1低劣绘本
首先便是内容低俗、不健康的绘本。例如，在有的绘本中，创作者描绘了在大学中有趣的事情，虽在一部分读者中产生了很大的共鸣，但是会发现，有的地方有一些不文明用语和流行的网络用语，如“我擦嘞”等带有低俗意味的用词。绘本是面向大众的读物，尤其是当面对未成年人时，会造成一定的恶劣影响。再如，在一些绘本中，有时候会出现一些黄色小段子和猥琐的笑话等，画面和内容不堪入目。如果这些低俗知识进入到未成年人的阅读圈里，势必会对未成年人的身心健康和成长造成比较大的伤害，使得其审美能力下降。
2.2优质绘本
在当下，有的绘本作品还是很不错的，如几米的作品《星空》《地下铁》等，给人传递出的是一种正能量，创作者的社会责任意识强烈。又如在绘本《星空》中，小女孩在得知爷爷去世的消息后，冷静而坚强的表现，使观看的读者也能感受到一股强大的正能量。再如，高木直子的绘本，用最真实而简单的线条以及自身迸发的正能量感触进行的绘制，及带有她个人特色的幽默和自我调侃，使读者看后有很大的共鸣并回味无穷。
2.3应该提倡的绘本
绘本艺术应当是能够提高大众审美的艺术品，然而当下由于个别人对利益的向往和审美的缺失，有时候就失去了自身的艺术独立性，从而使作品缺少了审美表达的价值追求，成为对日常生活所不满的一种低俗文化。因此，对于我国的绘本创作者来说，应当肩负起社会责任，使创作出来的绘本作品能够做到雅俗共赏，适应现代人们精神所需求的正能量，并在一定程度上潜移默化地寓教于乐。
3社会责任理论下的当代绘本
我国绘本艺术的发展是属于外来带动发展，如日本和台湾绘本对大陆绘本的刺激，而且是成人绘本先行得到重视和“火”起来，儿童绘本后续紧跟并越来越受到儿童和家长重视。另外，由于在市场经济条件下赋予了很多创作者和媒介很大的自由度，公众对其所承担的社会责任与义务也寄予了很大的希望，应当规范其大众传播中的绘本艺术表现内容和表现形式。
3.1表现内容
3.1.1题材激励型题材：通过阐述生命意义、哲学及透析生活意味来表现人们的内心世界，并通过这些温馨的小故事和生动朴实的绘画语言表现读者生活的经历，使得读者精神上有一种提高。这样的绘本艺术会使得社会受众群体产生向上和积极的精神力量。叙事型题材：主要指的是以图为主要的绘制和表达手段，讲述一个个不同或相似的小故事，故事内容可以是真实的，也可以是虚构的。通过读者对绘本中图像表现的事物形象、故事情节、情感发展等故事主题，产生一定心理上的心理认知。内容到最后一定是健康向上的，才是一个好的叙事类绘本。治愈型题材：主要是创作者用一个个温暖心灵的小故事，能让读者感受到一股暖流，使其能够在舒适温馨的心境下阅读，治愈人们在生活中受伤的心灵，并指引人们向美好的生活进发的一种状态。3.1.2主题成长主题：成长主题在儿童绘本中是比较常见的，在里面既有儿童特有的童真语言，又能有深刻的哲理意味在其中。例如，绘本《一棵会唱歌的树》就是讲述了一棵小树，遇到大风等挫折，但是依然坚持成长的故事，从而引发读者强烈的共鸣和思索。生活主题：生活主题大多体现于成人绘本中，其中的内容大部分是对现实生活的感悟与思索。例如，高木直子的《一个人在东京》等一个系列绘本，以她自己独自生活在东京的日常故事为切入点，非常的有趣、生动，读者看到后或许会有情感上的感悟和共识，能够从她的故事中得到一些启示。情感主题：无论是在儿童还是在成人绘本中，情感主题都是一个常见的创作主题，总是给人以特别美好的感觉。对于儿童绘本来说，情感的抒发总会以儿童的视角进行表现。例如，儿童绘本《小黄和小蓝》就是讲述友情的故事，到最后的哲理令人深思和回味，并能起到教育引导的作用。
3.2表现形式
3.2.1文字文字是绘本中最直接的表达方式，绘本虽然是以图画为主，但文字的补充也是不可或缺的。例如，在低幼儿的绘本中，因为考虑到读者认知水平有限，字就设计得非常少，或者没有文字，是无字书。在儿童绘本中，文字是要非常浅显和容易理解的，还要有童趣和充满想象力；而在成人的绘本中，文字的表达须要有一定的品位，要有一定的文学高度，能使读者在之后引发思考和共鸣，如几米的绘本会经常有诗一般的文字表达，既能够看到字的表面涵义，深究下去，还能得到更深的启发。3.2.2图示构成绘本主要就是靠着无数的图画来进行表现和叙事的，除了必须需要用文字才能够表达的特定时间、人物对话等，其他都是需要各种图画来向我们进行一一展示的。图画是绘本进行传达的主要方式，是关键部分，不同特点和主题会有不同的画面表达，不同的色调和构图呈现的内容都是不一样的，如封面图画、角色塑造和版式设计方面等。创作者在绘制图画时应该本着自我社会责任意识，创作出积极向上和有活力的图画，为广大读者创造一个健康的绘本阅读环境。
4审美教育引导
随着社会的不断发展，人们的审美也逐渐呈现出亚审美化的一个特点。亚审美化是只包含部分和片面审美因素的一种流行的社会心理状态。一般来说，它排斥崇高、悲剧这一类需要巨大人格力量参与才能出现的审美形态，对优美、喜剧这类审美形态也采取一种调侃或摇滚式的态度……亚审美化谈不上明显、确定的价值判断，有时甚至表现出排斥或拒绝价值判断。本文是对于绘本创作者的审美教育引导。笔者认为，主要是从以下几方面入手：首先，政府规范绘本艺术的文化传播，优化大的社会责任意识的价值观教育环境；完善相关的绘本创作的制度和法律政策，以法律的手段来规范绘本所传播的内容；要积极地扶持和发展正确的绘本艺术文化，用正确的舆论导向指导受众读者有积极健康的人生态度和良好的生活习性；加强对创作者和媒介的道德自律建设，应当规范其大众传播的绘本艺术内容。其次，应当优化学校对于绘本的审美教育环境。对于审美教育来说，学校的教育是社会构成的一部分，对于提高学生对绘本的审美欣赏能力和对真善美的判断识别能力是非常关键的，学校要通过其他艺术的领悟能力和解读能力等措施，提高大学生真善美等审美意识的提升。另外，应当提高创作者自身的审美意识和人文素质。如果创作者对事物具有很高的审美情趣和审美修养的话，那么他就会重视真善美，就会自发地去寻求真善美，并且按照真善美的要求去塑造完美的品行，创作出来的绘本作品也必然会具有高度审美价值和正能量。最后，注重增强网络媒体的审美教育指引和引导作用。网络传达具备开放性和灵活性的特点，对于绘本艺术的传播来说，应当加强网络媒介的社会意识，关于绘本艺术作品可以取其精华、去其糟粕。
5结语
当前，随着社会的发展，绘本阅读已经成为一种盛行的阅读状态，然而各种绘本作品在品质上却有好有坏。因此，增强创作者的社会责任意识是不可忽视的，对于什么样的绘本是美的，创作者应该有清晰、深刻的认识。同时，绘本创作者和出版者的社会责任源自当前社会需求，并通过社会需求来显示它的社会责任，所以对于绘本创作者不仅要促进大的社会责任意识价值观的构建，还要有审美教育进行引导。对于我国的绘本创作者来说，应当肩负起社会责任，使创作出来的绘本作品能够做到雅俗共赏，适应现代人们精神所需求的正能量，并在一定程度上潜移默化地寓教于乐，使读者在享受绘本艺术所带来的精神娱乐的时候，也能得到心灵上的净化，并且还能感受到正能量的鼓舞，促进社会的和谐发展，使得绘本艺术成为推进社会全面发展和审美教育强有力的艺术助动器。
参考文献：
［1］…斯坦利•巴兰（美），丹尼斯•戴维斯.大众传播理论：基础、争鸣与未来［M］.曹书乐，译.北京：清华大学出版社，2014：103.
［2］…约翰•密尔.论自由［M］.程崇华，译.北京：商务印书馆，1959：81.
［3］…郎玉林.图书馆社会责任理论基础研究［J］.图书馆，2014（2）.
［4］…赵寒琪.中国儿童绘本的设计现状研究（2008-2012）［D］.北京：中国艺术研究院，2013.
【关键词】高中美术 课堂教学 全面发展 小窍门
中图分类号：G4 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn.1672-0407.2017.07.023
现代社会更青睐具有较强综合素质的人才，要求不仅掌握过硬的专业知识与技能，还要多才多艺，有良好的道德情操。美术作为一门既能够使学生变得多才多艺，又能够培养学生高尚的道德情操的学科，自然要求教师在教学的过程中引起重视。本人作为一名高中美术教师，在实际的教学中深深的体会到教师将有效的教学方法运用于课堂教学的重要性，结合实际的教学经验，就有助于教师有效开展高中美术课堂教学的小窍门展开论述，希望对广大高中美术教师的教学有一定的启发。
一、提升教师的专业素养
美术是一门学科，同时也是一门高雅的艺术，这就决定了教师在教学的过程中发挥着十分重要的作用，教师的专业素养如何，直接影响到教学效果。因此，高中美术教师为了更好的帮助学生进行美术学科学习，要求教师首先要注重提升自身的专业素养。
一方面，教师要努力的提升自身的专业理论水平。在很多人眼里，美术是一门操作性很强的学科，因此，认为教师只要能够对学生进行绘画教学即可，没必要对学生进行理论知识的讲解，同时，理论知识也较为枯燥，会影响学生的学习兴趣。实际上远非如此，理论知识对学生的美术学科学习至关重要，只有在理论知识点的引导下，学生才能更加有效的展开绘画活动，也只有在理论知识点的引导下，学生才能在美术学习的大路上走的更远。因此，为了更加有效的对学生开展美术理论知识点的教学，要求教师注重提升自身的理论水平，进而从一种更加有效的角度对学生进行知识点的讲解。
另一方面，教师要不断提升自身的绘画水平。教师在注重提升自身的美术理论水平的过程中，也要注重不断提升自身的绘画水平。绘画作品能够直观的展示给学生，对学生的绘画学习也是一种有效的引导，教师的绘画技能不断提升，不管在提升学生的绘画技能方面，还是在激发学生的绘画激情方面，对学生都是一种鼓励。
二、将理论知识点的讲解与学生的绘画活动结合起来
上文已经提到，对学生进行美术理论知识的教学与培养学生的绘画水平，对学生的美术学习都十分重要，这就要求教师在教学的过程中对二者都引起重视。本人在实际的教学中注重将理论知识点的讲解与学生的绘画活动结合起来，并收到了良好的教学效果。
理论知识点较为抽象是美术学科的一个特点，如果教师在授课的过程中单纯的对学生进行理论知识点的讲解，势必会给学生的理解带来较大的困难，同时学生对该如何运用理论知识点指导实际的绘画活动也会产生一定的障碍。而教师如果单纯要求学生进行绘画，而缺乏理论知识点的指导，学生的绘画也变得不再“专业”。教师只有将理论知识点的讲解与学生的实际绘画活动结合起来，才能收到良好的教学效果。
当然，想要实现理论知识点与实际的绘画活动有效结合，需要教师下一番工夫。首先要求教师在备课过程中多下工夫，认真思考如何才能更好的将理论知识点的讲解与学生的绘画活动结合起来。其次，教师在授课的过程中也要能够灵活掌控，进而为学生提供更加有效的指导。
三、为学生提供更多写生的机会
作为一名高中美术教师，在实际的教学中深感学生写生的机会不多。进入高中阶段学生要进行多学科学习，面临着较大的压力，同时受高考的影响，不管是学生还是教师与家长，都希望学生能够将更多的时间用于高考涉及到的学科的学习，因此，对美术学习没有引起重视，写生作为美术学习的一个重要课程组织形式，自然也没有引起重视。美术是一门艺术，学生想要在美术学习的过程中有新的突破，取得更大的进步，就必须在生活中寻找灵感，而写生就是学生获取灵感的一个重要途径。
新时期，为了更好的开展美术教学，教师一定要对学生的写生活动引起重视，积极组织学生到大自然写生。本人作为一名高中美术教师，在实际的教学中就注重组织学生写生，本人发现写生不仅对学生的美术学习有很大帮助，而且对缓解学生的大脑疲劳，促进高中学生的心理健康都有很大帮助，因此教师组织学生写生，不仅不会影响学生的学习，而且对学生以更好的精神状态投入到学习中去也有很大帮助，因此，高中美术教师在新时期的教学中，一定要树立正确的美术教学理念，积极组织学生写生，更好的发挥其对学生学习的促进作用。
四、鼓励学生进行创新
创新是美术这门艺术的灵魂。每一幅美术作品都源自于生活，而只有不断的创新，才能创作出更多反映现实生活的作品。就目前的高中美术教学实际情况来看，教师在授课的过程中注重对学生进行已有知识点的讲解，而在培养学生的创新能力方面却没有引起足够的重视，这就影响了学生创新能力的提升。因此在新时期的教学中，高中美术教师一定要对培养学生的创新能力引起重视。
当然，培养学生的美术创新能力不仅对教师的教学是一个巨大的挑战，对学生本人也是一个巨大的挑战，因此，教师在培养学生的创新能力的过程中不可操之过急，要对学生进行逐渐引导。例如：教师在课堂教学过程中就可以针对一个话题让学生自由的发挥想象力进行创作，这就为学生进行创新活动创造了良好的条件。教师要鼓励学生在美术学习的过程中进行创新，并对学生的创新活动大力表扬。通过美术学科培养学生的创新能力，不仅对学生的美术学习有重要意义，而且对学生其他学科的学习也有很大帮助。
五、为学生提供进行自由想象的空间
关键词：高中手绘；课程设计；可行性分析
近年颁布的高中美术课程改革为高中美术教学提供了更多样的选择空间。新课改后的高中美术课程目标具有更强的综合性，从以往单一地提高学生审美情趣与鉴赏能力扩展到创造能力、鉴赏能力、跨学科美术学习能力、美术评论能力等全方位综合提升。相应地，高中美术课程也做出了调整，从单一的美术鉴赏拓展为四大模板，包括：设计•应用、造型•表现、欣赏•评述、综合•探索。普遍认知的手绘是指现代设计中借助绘画工具手工完成设计作品，近年来随着建筑设计和室内设计专业的兴起而为人熟知，常被归为设计和应用板块的重要部分。本研究中手绘的概念有所不同，不仅仅指作为设计辅助技巧的手绘草图、效果图、表现图等，更多地作为一种完整的艺术形式而存在，涵盖以手工绘制为表现形式的石绘、墙绘、布绘等艺术形式，强调创意、造型与视觉表现。后现代美术教育理论认为“，学生的心灵是生长着的有机体”。4R学说提出，教育者在课程和教学领域应重视创造性，鼓励学生思维多元化，注重课程的丰富性、元素的多元性、教育与文化的关联性、美术思维的严密性。手绘作为美术基础项目之一，对培养学生绘画和表现能力有着至关重要的作用，也为美术课程四大板块的学习与创新奠定基础。所谓“灵感在笔端”，培养学生的创造性思维、提高学生的美术表现能力正是高中手绘课程的意义所在。与专业设计学院普遍开设手绘设计课程的情况不同，在高中美术教育中手绘课程开发仍处于探索阶段。本论文根据笔者多年的教学经验列出了手绘课程的一种设计模式，旨在探索高中手绘课程开发的可行性，为以后的高中美术教育创新课程开发提供一点参考。
1手绘课程内容设置原则
开发新课程首先要进行课程资源筛选，在所有可能中选择能够丰富课程发展、符合教学目标的资源，摒除华而不实甚至对课程有干扰作用的资源；其次是目标受众分析，选择符合高中生兴趣点、思维特点，以及与学生当前进行的其他学科有联系的课程；最后是教学主体（即教师）分析，考量现有教师自身特长是否符合新课程的发展、教师的人脉资源是否满足课程开设需求等。手绘包括手绘设计图、手绘海报、手绘服饰、手绘墙、手绘装饰画等，考虑高中生尚不具备专业设计能力，本课程设计以开发学生创意能力与表现能力的项目为主。考虑项目之间的连续性，选择手绘海报、手绘服饰、墙绘三个项目，在20~21周学期期间内合理分配各个项目，以期达成高中手绘教学目的。
2课程导入：手绘海报
高中手绘课程可从最易入手的手绘海报开始。海报及产品包装在日常生活中非常常见，教师可提前收集电影海报、食品包装，并制作海报设计基础理论多媒体课件，课堂上首先让学生自主选择自己最喜欢的海报或产品包装进行讨论，引起学生兴趣。通过师生交流和小组讨论引导学生发掘自己喜爱的海报特点，适时补充海报设计相关的基础知识。在讲解过程中可通过系列实物展示促进学生思维发展，如，观察不同内容的海报采取的设计风格各异的字体、排版方式对整体感觉的影响、体会不同色彩传达的情感等。理论讲解基本完成后，教师可安排课程相关的作业，结合校园活动布置海报设计任务，引导学生在审美性和实用性的双重前提下，通过色彩、图形、文字设计一张足以准确表达自己情感的手绘海报。手绘海报课程时间可安排3~5周甚至更长时间，目的在于通过基础的纸质平面手绘练习训练学生的手绘表达技巧，包括线条的运用、色彩情感传达、版面设计等，并通过实际操作了解不同纸张、不同绘图工具的特点。手绘海报是一项为其他各项目的开展奠定技术基础的项目，教学者应在课程开始之初明确这一目标以便引起学生们的足够重视。
3课程延展：手绘服饰
手绘海报对学生创意能力的要求是多方面的，但由于手绘介质（纸张）的单一性和日常性，对学生的吸引力相对较小较短暂。相对而言，手绘服饰有更强的实用性，更易于引发学生兴趣。有了前期的铺垫，学生对手绘中线条及色彩的运用已有了一定的理解，手绘服饰恰好可以满足学生“完成自己作品”的需求。不同的颜料碰上不同材质的布料会产生风格迥异的效果，由于课程时间和课程经费限制，一般手绘课程所用的服饰常采用普通棉质T恤。但在前期手绘服饰理论教学中，教师可首先通过实物或图片展示引导学生发现布料和颜料碰撞后产生的别致的艺术效果，使学生形成正确的美术逻辑观念及深化自身的审美能力。所有的课程教学都应具有强烈的目的性，在手绘服饰环节教师可将手绘的实用性置于更重要的位置，从一开始就制订目标，将学生分为3~5人的手绘小组，学生需在3周左右的学习和练习之后自行设计手绘服饰，并在广场或其他公众场合摆设摊位当场绘制手绘T恤，售卖自己的作品。手绘服饰课程时间可安排5周左右，利用3周时间进行小组练习，最后2周通过现场绘制及售卖检验学习成果。手绘T恤对大众而言具有普遍性，对设计者自身而言具有私人性，学生如果想在最终课程检验环节赢得成绩，需要在大众审美基础上充分发挥自身特色，发散思维，做出满足大众需求又具有个人特色的作品。本项目旨在开发学生的美术创意能力和实践能力，同时引导学生正确认识美术设计的实用性，在作品中合理处理个人情感与大众需求的关系。这对于学生今后的个人价值观及素质养成是极其重要的。
4课程深化：墙绘
墙绘具有很长的历史渊源，人类历史上最早发现的绘画形式之一即包括墙绘壁画。墙绘是通过绘画、雕塑等造型手段在墙壁面上绘制的图画，对环境具有很强的装饰性。与手绘海报、手绘服饰相比，墙绘对学生造型能力的要求更为复杂。由于墙绘相对耗时较长、作品较大型、作品保存时间较长，因而更容易引起学生的认真对待，可作为从手绘习作到真正的作品之间的转换形式纳入手绘课程。墙绘项目综合囊括了基础美术造型教学的许多方面，学生需要掌握从打形、透视到明暗表现、色彩表现等各方面的造型能力。墙绘绘画内容丰富，从简易几何图案到卡通漫画直至花卉、动物甚至写实的风景人物等均可入画。高中美术中的墙绘课程仅作基础了解，可以不要求学生运用太复杂的绘画技巧，在前两个项目的基础上稍作深化即可。教师应首先布置最终教学任务，将学生分成各个实践小组，引导学生在了解墙绘基础知识的基础上制订墙绘计划。墙绘的主体可以是学生自己的卧室或符合条件的咖啡店、书店等商业场所（视教师资源而定）。墙绘课程需要循序渐进，制订绘图计划后教师需引导学生小组进行现场勘测，确定墙绘主体的材质、墙绘面积、墙绘主题等；全部确定完成后进入草图设计阶段，草图作为墙绘作品的框架应引起教师的足够重视，教师应在此阶段及时纠正学生错误，以便后续工作顺利进行；草图设计完成到上墙期间，教师应对学生绘图材料的选择、上色先后步骤、造型表现技巧等方面给予指导。需要一提的是，墙绘等大型作品创作过程中难免会出现意料之外的“错误”，教师应教导学生形成一种思维方式，即，意外往往造就超乎意料的美，帮助学生以合理的方式修正创作过程中出现的各种意外。墙绘课程时间可安排7~8周，根据计划逐一完成项目的各个步骤。墙绘项目很容易激发学生的学习热情、培养学生的创新能力和创作能力，对学生的团队协作能力也有极高的促进作用，是一个实践性极强的项目，对学生的美术能力、造型能力、综合运用能力均有较好的锻炼作用。
5课程创新：其他手绘形式
手绘课程的最后1~2周，教师可引导学生了解除本课程主体项目之外的其他手绘形式，如布绘、石绘、砖绘等，提高学生自主学习的热情。学生可自由选择课程项目或课程项目之外的其他手绘形式完成一个小型作品。自由手绘的设置旨在鼓励学生尝试不同的美术表达形式，了解不同艺术形式之美，并找到最适合自己的表达介质。
6课程检验：家长、学生、教师全方位评价
在以上高中手绘课程模型中，教学效果检验由平时项目作品成绩和个人素质成绩两项构成。学期末教师可安排一场学生作品展览，引导学生对自己和同学的作品进行评价和自我总结，提高学生的自我认知；同时邀请学生家长、其他班级学生参观展览，全面了解自身的教学成果并在以后的教学中做出修正。以上手绘课程安排是笔者依照一般的课程设计原则做出的一种实验性课程模型，具体到运用中需要根据各个学校资源、教学能力做个性化调整。需要强调的是，教师在教学过程中要正确认识教学目标。短短一个学期的教学不可能透彻地讲出手绘艺术的精妙，更无法培养出一个手绘大师，该课程设置的意义在于培养学生的观察能力，开发学生的审美意识，使学生发现生活中的艺术之美并逐步喜欢上手绘艺术，进而自发地进行创作和创造，最终促进学生的个性发展。由于能力有限，本文列出的课程模式还存在着种种局限，更多手绘课程设计方式仍需进一步探讨。
参考文献
[1]刘明.浅述“墙绘”作为项目课程引入中职美术课程的可行性[J].科技视界,2011,10(28):53-54.
[2]王松.新疆普通高中美术校本课程的开发和应用解析[J].新疆教育学院学报,2012,12,28(4):36-39.
关键词：气韵非师 教育思想
一、何谓“气韵非师”
中国自古就非常重视“气”的培育，中国传统绘画理论也不例外，对画中气韵的重视远远超过了对技巧的关注，这种审美观念始终影响着中国绘画的发展。在历代画论尤其是宋代以来文人画论中，保存着大量有关学养与气韵的关系论断。“气韵”是中国传统美学中一个特殊的审美内容，谢赫在《古画品录》中将“气韵列在“六法”之首，足以见其重要地位，“气韵”便成了中国画品味不尽的魅力所在，因此也成为衡量绘画层次的重要标准。
宋代郭若虚说“如其气韵，必在生知，固不可以巧密得，复不可以岁月到，默契神会，不知然而然也。”这里的“气韵生知”这种说法难免有先验之嫌，带着几分神秘色彩，这样讲来气韵似乎是后天不可求得之物了。但郭氏在后文中又隐隐指出气韵的来路“窃观自古奇迹，多是轩冕才贤，岩穴上士，依仁游艺，探践钩深，高雅之情，一寄于画。人品既已高矣，气韵不得不高；气韵既已高矣，生动不得不至……书画岂逃乎气韵高卑”。然后他又借用杨雄之语“言，心声也，书，心画也；声画形，君子小人见矣。”由此可见郭若虚将人品修养视为绘画的必要前提。他用“依仁游艺”一词，明确指出修养与绘画的关系，郭若虚的“气韵非师”一说，目的是强调修养在绘画中的重要作用，并非有废师废学之意。“气韵”之不可学，只是不可在“笔墨技巧间学”而已。
二、“气韵非师”的绘画教育思想
1、绘画教育中重“画品”，更应重“人品”
在“气韵非师”中，所谓的“气”指先天的气质、秉性，“韵”指发而为画的笔墨情韵，郭若虚强调作画者的品质、格调对其绘画成就的决定作用。在绘画学习中，主体的人品修养被提高到高于绘画的技术训练而统摄一切的地位。
郭若虚将人品视为绘画的必要前提，所谓“人品”是从人的整个心性流露出来的，本自心源，不期然而然。人品不是先天所固有的，而是通过后天的练习所致，其中读书是一个重要的途径。他认为人品对于绘画创作具有第一等的意义，如常言所说的“文如其人”和“画如其人”。在郭若虚看来气韵不能师授，人品胸襟都可以豢养，后天的修养、修炼有助于扩充先天气度的不足。
在绘画教育中，应该特别强调学生思想道德素质、人文关怀素质等人品的培养，画由心生，绘画工作者只有具有敏锐的感觉、丰富的感情、细腻的感触才能创作出打动人心的流芳之作。
2、绘画教育中重“形”更要重“神”
作为一名美术工作者，在绘画作品中光做到“形”似，只能算是个画匠，只有做到“形”“神”兼备，才能称为真正的画家。
中国古代绘画重视“形似”但更重“神似”。坡有一句精典名言：“论画以形似，见与儿童邻。”坡把只追求“形”似的画看作是儿童画。郭若虚在《图画见闻志》中有《论气韵非师》一节，曰：“人品既已高矣，气韵不得不高，气韵既已高矣，生动不得不至，所谓神之又神，而能精矣焉。凡画必周气韵，方号世珍；不尔，虽竭巧思，止同众工之事，虽曰画而非画。”意思是美术作品只有追求神韵才能成为不朽之作。欧阳修也曰：“古画画意不画形。”元代赵孟颉认为：“作画贵有古意，若无古意，虽工无益。今人但知用笔纤细，傅色浓艳，便自谓能手，殊不知古意既亏，百病横生，岂可观也？吾所作画，似乎简率，然识者知其近古，故以为佳。”他所追求的“古意”，并不是指模拟前代人的作品，而是指其笔墨风格和艺术趣味应有古意即圣贤意。
3、绘画教育中重“读万卷书”更重“行万里路”
明代董其昌强调“六法”中的气韵生动，但认为主要靠画家“生而知之”，即天分才能达到，但通过“读万卷书，行万里路”提高修养，增长阅历亦可取得。
与唐宋时期的以生活为直接来源、注重写生的绘画基本功的技术性训练不同，“读万卷书，行万里路”是纯粹的画外功夫的修炼。行路是为了涵养胸襟更广泛地接触生活。董其昌、清六家大多有“读万卷书，行万里路”的经历，这些累积的画外功不仅弥补了他们在造型上的不足，而且提升了他们作品的意境，使得造型的缺陷变为特点。如若缺少“读万卷书，行万里路”的修炼，其作品的气韵、意境自然不可同日而语了。因此，要成为杰出的画家，画外功夫必不可少，而且更要加强“行万里路”作为画学的根本的技术性的基本功训练。
4、绘画教育中重“专业技巧”也重“文学素养”
“气韵非师”的教育思想体现在绘画教育上既要重“美”或者说“专业技巧”，更应重“术”即“文学素养”。也就是说美术教育不但要培养学生的手头功夫、绘画技巧、专业知识，更应该让学生掌握丰富的文化艺术知识底蕴。也就是明代李日华云所说的：“余尝泛论学画必在读书，方知用笔。”
因此我们强调在绘画教育中重“专业技巧”，更应重“文学素养”，只追求“技艺技巧”只能是一个技人、画匠；只有在“技艺技巧”的基础上，不断提高自己的文化艺术修养，博采古今，大胆创新，才能创作出流芳百世的优秀作品，才能成为真正的美术大师。
三、“气韵非师”对当今美术教育的启发
高校美术类专业对文化课的重视不够是众所周知的事实，许多艺术类高校都存在只重专业课的学习，美术史理论课少且不受重视的问题。这就导致了上过高校的美术毕业生出了校门做的都是工匠的工作。真正在专业上有所钻研，有所见术的人极少，原因在于没有丰富的文化艺术内涵，不可能有突破的创新。
“气韵非师”的绘画教育思想是中国传统美术经过几千年的发展积累的宝贵的财富，当前中国美术教育只有适应时代潮流，继承和发扬美术教育史上的优良传统，进行大胆改革和创新，才能开辟出崭新的天地。
参考文献：
[1]董其昌.画禅室随笔[M].南京：江苏教育出版社，2005.
[2]王雨.论“气韵非师”的绘画教育思想[J].教育与职业，2007，（8）.
关键词 唐代 民间美术教育 官方美术教育
每个朝代的艺术，都在不同程度上和当朝的统治者发生关系。秦汉以来的封建制度，突出了中央集权的作用，其主要的表现是形成了文汇艺术中心，引导艺术趋向，赞助艺术活动，制定艺术规范，它本身就可以构成一部精彩的历史。就唐代的制度来讲，自唐太宗开始，文教昌盛，重视典藏，书尚楷法，学有制度，是唐代官方美术教育的基本特征。其学校书法教育体制的完备，对后世产生了主导大局的影响。另一方面，随着隋唐弗教的继续盛行，大规模的图壁造寺活动，促进了民间画工美术教育的发展，形成了以粉本为主要媒介、以合作画壁为主要手段的师徒传带教育形式。
一、民间工匠阶层里，由于文化素质和绘画活动性质的不同，形成了以粉本为媒介、以师徒合作亲授为主要手段的工匠美术教育形式，并对后世产生深远影响
随着隋唐佛寺、石窟的大量修建营造，绘画、雕刻、塑造等手工艺匠成为流行的营生，行业竞争开始出现。民间画工行会组织也应运而生。画行的基本机制是保证同业行侣集团的共同利益，调节行内上下关系以及画行与画行之间的矛盾、利益、人事等关系。同时，也是其有组织的师徒、尊卑关系在画行内部产生技艺传授和师法的教育机制，从而出现了行会制度下的民间画工塑工美术教育形制，成为唐以后民间美术教育的重要内容。
1、以画样粉本为模范的匠人传技式教育。
唐代的大规模图壁造寺活动使南北朝以来渐兴的画工美术教育确定了粉本传授的师法从而大体建立了古代画工美术教育的基本形态。以“画本”、“画决”为指导的匠人传技式教育，是我围古代美术教育的一个主要特点。从中国美术史来看，师传徒、父授予、兄教弟比比皆是，据战同《考工记》说，工艺器物制作的方法，往往以父子加以承传，保持着一种技艺的延续。绘画也不外如此，所以古代美术史上以父子、兄弟关系名世的画家相当多，如五代黄筌、黄居，杜子襄、杜敬安，马远、马麟等等。古代传授绘画技艺的指导性材料主要有“画本”和“画诀”。画本，主要是画师原创作品的“粉本”或小样。在古代所谓是“智者创物，巧者述之”，一般具有创造力的画家常常是创造一种“样式”。如“吴家样”、“周家样”之类，其实这是一种绘画技法的模式：据考，流传至今的“道子墨宅”《朝元仙仗图》，就是古代优秀的画本，成为后代习画者的重要学习范本以及绘画创作的重要参考。
古代画师传授弟子绘画技法的方法，除画本外，还有有精辟凝炼的“画决”。这些画诀大多是作画经验的总结，世代相传。画史传说，唐代画家吴道子，绘画就有“口诀”。但“人莫得之”。画家卢楞伽“常学吴势”。吴道子也只是传授给他“了二诀”(即画手的秘诀)，并且吴道子认为卢“不得心诀。用思太苦”，可见画诀的重要。《益州名画录》载有在晚唐时期的战乱中，画家赵德玄带着大量隋唐画作及有自己的拓本、避乱于西蜀，为西蜀绘画的发展有着相当的意义。
2、以师徒合作画壁画为“亲授”的主要手段。有吴道子成为画工之祖，使南北朝以来渐兴的画工美术教育，确定了粉本师授的师法，从而初步形成了中国古代民间画工美术教育的基本形态。
隋唐佛教盛行，大规模的图壁造寺活动也带动了师徒传授的民间美术教育。隋唐民间画工师授教育形态中的另一个特点，即通过师徒合作画壁达到“亲授”的目的。画史中关于吴道子师徒等画壁的记载多见，可援以为证。并见其详。《历代名画记》卷三记载，画师描写成形每“落笔便去”威色施彩余事由弟子完成。在这种合作壁画的工作中，弟子通过旁观、领会、揣摩笔迹以成色而得师傅笔法亲授。又或有口诀、手诀乃至心诀相授，如《历代名画记》卷二“论顾陆张吴用笔”记载论吴道子笔法云：“当有口诀，人莫得知”，人莫得知固外人耳，弟子或能得知：“院门里卢楞伽，尝学吴势，吴授以手诀，乃画总持三门寺，方半，吴大赏之，谓人曰：楞伽不得心诀，用思太苦，其能久乎。”
师承关系具体表现为直接师承和间接师承两种形式。直接师承即师从某人，耳提面命，亲聆教诲。间接师承，即择取某一画法和风格予以效仿。
虽然此时的绘画技能技巧的传授仍是靠师承关系，但因绘画分科的细化，出现了大量专长一科的画家，并提出了绘画应向自然学习。积累素材。才能造化在手。使师承学习不再是唯一的方式。成为这种美术教育方式的有益补充。“自然”成为了“师”外之“师”，为关注人的自身感受提供了契机。这一主张的提出为师徒、父子师承的美术教育注入了新鲜的血液。相对而言，官方绘画教育仍处于比较薄弱和被动的状态，还没有明确的一个独立的完整的教育体系。
二、唐代官方对绘画的重视收藏而初步形成的官方百工直官美术教育机制，除了纯欣赏玩娱外，重点指向其政治教化功能
唐时期是我国封建社会的鼎盛时期，政治、经济、文化空前繁荣，美术教育也有了重大发展。宫廷绘画日益兴盛，唐明皇创置了我国最早的翰林院，并广招艺术人才奉于宫廷。授予官职，同时也集中了一些画家，形成了一支强大的宫廷绘画力量，虽无画院之名已具画院之实，奠定了出现画院的基础。
(一)、美术教育专门机构的成立并逐步完善
唐朝时期，在中央各相应机构(统称为司)设立直官。形成独特的直官美术教育机制。
1、直官主要由文化、科学、艺术、技术等领域中的高级专业人士担任，其中与美术相关的有书直、图画直、拓书直、少府监直及将作监直等。
2、直官本身无品。充直者原来无官品，则称无品直或百司杂直。任无品直经年有功者，可获散品而有资格转入流内，从而为身怀技艺者有伎匠晋升入流获散提供了机会。在这个过程中，直官制兼具促进技艺教育的机制。
(二)、官方美术教育机制的初步形成
就世俗的需求而论。唐高祖时期先后设置了弘文馆和祟文馆，广泛收集书法和绘画的图书古籍，并命人抄写研摹，经过多年的努力。图书之盛。近世无比。根据《唐会要》记载。至唐太宗贞观六年，御府所藏共1510卷书画名迹。至开元年间，官方内府所藏法帖、古画、图书已经十分丰富。这些艺术品的集中保存，也为官方美术教育提供了宝贵的学习、鉴赏的资料。唐代官方美术教育体制就是在这种“图收”文化建设的背景下，通过官置学校制度建立起来的。
(三)、注重对美术理论及其规律的研究和总结
唐代书法教育尚法度，重规律，对行、楷笔法和结体的研究总结，成为唐代书法教育的理论支柱。在笔法方面，有智永、张旭总结的“永字八法”。在结体方面，有欧阳询归纳的排 叠、穿插、向背等“三十六法”。另外，虞世南的《笔髓论》、唐太宗的《笔法诀》、颜真卿的《述张长史笔法十二意》、李华的《二字诀》等都是对书法结体规律的总结。唐代在绘画方面初步完成了由“样范”到“笔墨”的基本过渡，以“笔”带“墨”，形成了由“描”而“皴”的笔法系统以及由“染”而“晕”的墨法规则。由于注重对绘画规律的探索和总结，唐代出现了具有鲜明个性、为后世遵循的一系列“样范”作品，最著名的有吴道子开创的“吴家样”，周肪开创的“周家样”以及曹仲达开创的“曹家样”等。唐代的画史、画论、书史、书论等著作在数量上超过了以往任何一个朝代。中国第一部系统的画史张彦远的《历代名画记》就成书于此时。张怀的《书断》、《书议》。孙过庭的《书谱》，李嗣真的《续画品》。裴孝源的《贞观公私画史》，朱景玄的《唐朝名画录》等都是这一时期美术史论的经典著作。
(四)、规范了一定的教学内容，总结了一定的教学方法
唐代的书学馆以《石经》，《说文》、《字林》为主要研习内容。书学馆的学生参加科举的方法是“先口试，通，乃墨度《说文》、《字林》二十条。通十八为第。除书学馆外，国子学、太学、四门学的学生也必须学习训诂、书法，研读《国语》《学林》《三苍》《尔雅》。”地方州县学生按照科举的要求，开设经学，文学、书法等课程。绘画教育强调“外师造化，中得心源。”的教育方法。画家们仰观天象，俯察地理，在传神写照的要求下，通过对人物的肖像写生实践。以客观自然为师，精研写实技艺。奠定了中国人物画肖像写生的基本格局。唐直官教育主要采用资深直官、匠师带徒弟。亲授的教学形式，在具体的美术活动中言传身教。耳濡目染。
综观唐代的官方美术教育，随着科举制度的确立而逐步规范并走向成熟，为提高统治阶级的艺术修养和文化品位起到了重要作用。培养了大批的宫廷画家和美术家，为繁荣社会的文化事业作出了重大贡献。统治阶级对美术教育的重视也提高了美术在整个社会文化中的地位。
三、唐代社会各方面的蓬勃发展及激烈的变化，文化艺术高度繁荣，官方和民间都注重美术收藏和美术教育，呈现着多民族文化交流的气息
唐代在较为长期的统一安定的局面下，把文化艺术的发展推向了封建社会的时代高峰。唐代所形成的官方和民间美术教育虽有各自不同的教育模式，但官方与民间的美术教育并没有严格的界限，在开明的政治和繁荣的经济条件下，唐代官方和民间美术教育都具有唐代为贯彻“尊儒”的教育政策所采取的“崇圣”和“宗经”的措施利弊兼存。唐代选才方式的特点使自学方式更具有优势。
(一)、共同的特征：
1、均注重师承。师承画风与德才。
2、均注重观察培养，实践育成(唐代的透视已经接近正确，画风细腻)。
3、均含有宗教教育的成分。
4、均强调大量临摹和写生。
(二)、不同之处在于“技”与“艺”的分别：
1、民间临摹写生工而细，官方临摹写生记忆理解为先。
2、官有艺术学校，民则直接家中师承。
3、文人气息重的为“艺”，画工精细有仿古人的就叫“技”。
技艺分野而非融合直接影响了中国美术科学的发展，也不仅仅反映在美术，包括全部自古术理范围的研究。重艺不重技更多代表官方，技艺兼具的大家还是代代涌现，只是融合协调发展的推广进程迟滞了。
[论文摘要】中国山水画与油画风景两大绘画的形成,归根于他们各自哲学与美学理念的不同,两者存在鲜明的差异性。中国人信仰天人合一的哲学观,中国绘画注重重心略物,注重表达画家的主观精神和理想,在绘画中追求达到气韵生动的艺术效果。西方绘画遵循天人相胜的哲学观,偏重描绘客观对象的外在形态,采用科学与艺术相结合的方法塑造物体,追求真实再现客观物象的理念。通过相互比较研究,有助于艺术家和鉴赏者运用不同的艺术观念和方法,创造和鉴赏不同民族的绘幽艺术,获得各不相同的思想启迪和审美享受。
中国传统山水画与油画风景是中西绘画的重要组成部分,在画坛中起着举足轻重的作用。他们作为中西方两种不同类型的绘画艺术形式,表现对象都是以自然景观,但绘画形式却采用两种不同的审美理念形成了独特的风格。
一、油画风景美学观念
西方近现代文化主要是从古希腊罗马的异教文化,再经过以希伯来文化为源头的中世纪基督教文明演变过来的。也就是说,迄至今日仍在西方文化中活跃地起作用的两大源泉,一个是古希腊罗马的文化,一个是基督教的文化。
古希腊人在文学、艺术、科学、哲学等方面都创造了辉煌的成就,对欧洲文化的发展产生了深远的影响。希腊艺术在现在看来,它的艺术高度仍是史无前例的。恩格斯曾经说过:“没有希腊和古罗马奠定的基础,就不可能有现代的欧洲。”古希腊伦理学和价值观的基本特征则表现为尚知和崇理,理智、哲学的沉思被强调为最高的德性。古希腊的艺术表现为“模仿”,主张以冷静的、客观的态度去再现自然,情感不占主要作用,而理性因素则占了上风,强调艺术的真实。雕塑和建筑是希腊艺术的最高成就,希腊的雕塑和建筑的立体造型、浑圆厚实的体积、光影下雕塑的明暗变化、雕塑在光影下的气氛、建筑的空间结构、体积等等,充分体现了希腊艺术尚知与崇理的理念,这些都直接的影响了西方传统的写实技法的方向,使西方绘画朝着注重体积、注重写实的方向发展。油画风景亦是如此,追求物像的体积感、真实感、可触摸感,以及物像所在的空间的光感与氛围。画面营造出一种真实空间的感觉,这些无不来源于希腊的雕塑和建筑艺术。
到了中世纪,基督教文化占有绝对的统治地位,它是西方文明之源一两希文明(希伯来文明和希腊文明)的结晶。这也就决定了那时的生活方式和社会意识形态必然会带有浓烈的宗教色彩,它构成了西方社会两千年来的文化传统和特色,并影响到世界广大地区的历史发展和文化进程。那时一切的造型艺术的最终目的都必须服务于宗教。基督教美术的作品内容它以宣传基督教的教义和讲解《圣经》的故事为宗旨,上帝在他们的眼里是世界与美的创造者,对外在美的准确、完美的体现,是对上帝一种虔诚的再现。希腊的美普洛丁也在他的《论美》曾说过美是从神那里来的。西方艺术由此形成了以古希腊文化和基督教为依据的美学思想,成为油画风景起源与发展的美学基础,这也就成为西方艺术家以忠实、客观的态度描绘大自然的源头。
资本主义生产方式的出现后,教会的信条已失去了原有的绝对权威,人们开始把目光从上帝的身上移开并聚焦在自己的身上,更注重世俗的现实生活,并在这个基础上形成了与宗教神权文化相对立的思想文化一人文主义。在人文主义的影响下,人们开始普遍关心人自身与周围的环境,大自然的美,于是独立的风景画也就随着社会的发展开始形成。意大利文艺复兴的画家达·芬奇认为:“画家应该研究普遍的自然,就眼睛看到的东西多加以思考,要运用组成每一事物的类型的那些优美的部分,用这种方法,它的心就会像一面镜子,真实地反映面前的一切,就会变成好像是第二自然。”[’〕同时,达·芬奇把风景画理论提升到一个新的高度,他不仅通过自己的创作使绘画从手工艺的局限摆脱出来,还通过进一步的科学理论来提高人们对绘画的认识和重视。他认为绘画是一门真正的科学,要以感性经验为基础,同时能够像数学那样具有严密的论定,既来源于数学又高于数学。《分奇论绘画》中不仅总结了绘画的基础科学理论,而且对绘画的原理展开了全面的论述,为绘画与科学的结合做出了重大的贡献。文艺复兴的建筑师、雕刻家、画家阿尔贝蒂曾提出:“必须建立一种新的绘画艺术,这种新的绘画艺术应该是这样的:自然是艺术的源泉,数学是认识自然的钥匙,而透视学则使绘画的数学基础。因为几何学上的盲人,是难以理解绘画的原则的。?}z7美术理论家琴尼更直接的提出了科学与技艺之间的关系,他认为无论何时技艺都是离不开科学知识的。科学的方法和艺术紧密相连,这是西方艺术传统或者西方传统艺术的一个突出的特点。
艺术要真实的、科学的再现自然,注重空间、结构、比例的和谐,面对大自然,观察大自然,在现实中感受大自然,依靠丰富的色彩,细微的光感表现真实的大自然,以更真实、更有效、更直接的表现大自然,借此表达他们对大自然与世界的热爱,对现实世界情感的寄托。科学与艺术结合的绘画体系为西方绘画写实传统的形成奠定了坚实的基础。
二、中国传统山水画美学观念
中国绘画浓郁的民族风格,鲜明的美学特色,严整的艺术体系,是在代代传承、革故鼎新的历史积累中形成的。中国传统山水画的形成与中国人哲学、信仰、处世之道是密切相关的。 在美学思想方面,受中国古代儒、道家思想的影响,中国所有的艺术门类依存的美学基础就有了儒家思想极探的烙印。早在春秋时期的先哲孔子就提出了“智者乐水,仁者乐山”的儒家美学观,山水喻仁、智高扬人的道德精神和人格美奠定了中国山水画的美学基础。孔子在《论语·述尔》中说道“至于道,据于得,依与人,游于艺”,反映了以孔子为代表的儒家学派的艺术批评标准。在孔子看来,艺术品的“美”是以“善”来体现的,“善”是艺术的内容,“美”是艺术的形式,内容可称为“质”,形式可称为“文”。只有这样的艺术、内容和形式必然是统一的,他的美学价值必然很高。
魏晋南北朝时期是我国历史上的动乱时期,政权更迭频繁,统治阶级内部残杀不断,使士族名士朝不保夕。于是士族便纷纷退隐或半退隐,归隐田园山林,以退为进,相机而动,追求清静、安逸、自由的生活,慢慢的人们越来越受用于山林的慰藉,他们把大自然中的山水林泉作为描述的对象,“游戏平林,I}清水,追凉风,钓游鲤,一七高鸿。……逍遥一世之上,啤脱?天地之间。不受当时之责,永保性命之期。Uai这山水渐渐成为心灵的寄托、情感的启发和人生的象征。儒家的思想统治基础因此动摇,他们强调“德行”的政策被取消,出现了以“无为”“自然”、“清静”、“虚淡”的老庄思想适
应了当时的需要。《庄子》中描述了三种隐逸模式:“嫉俗而避世、俱祸而遁世、悠游而出世”,这三种模式在东汉已全部成为现实。在这种玄妙、玄远的境界的追寻中,他们对自然产生一种特殊的亲和感,画家不自觉地把情感投向自然中蕴藏着生命和感情的山水之中,修炼自己的品性,获得一种独特的不同的审美理念,为山水画的产生、发展奠定了理论基础,同时推动了文人士大夫对山水画创作的参与。
中国山水画诞生的东晋,正是道家的玄学风靡四方的时候,道家的那种重“心”略“物”的思想,奠定了中国山水画甚至整个中国艺术的重表现而略再现的美学观念和基础。这不但体现在绘画上,甚至作诗为文也将天人之间的灵犀相通作为创作的最高境界。画家们重视人与自然的和谐,和谐即天人合一。“最高、最广意义上的‘天人合一’就是主体融人客体,或者说是客体融人主体。坚持根本同一,泯除一切显着差别,从而达到个体与宇宙不二的状态。”随着道家思想的影响,“天人合一”的思想渐渐成为中国传统艺术的基本原则。山水是客观的自然,山水画则是大自然的体现。山水本身就是形与象的交融,画中的山水如可游可居的真山水,能使画家在其中任意寄托自己的情绪而落脚于安定之处。这样,不求形似,而意在表现宇宙精神的山水画,成为一种很好的体“道”的方式。“因再现的艺术而追求表现,因表现的艺术而追求再现’,[’〕便形成了中国山水画的重要特征。
五代画家荆浩提出了“气韵”二字,是说艺术家要把握对象的精神实质,取出对象的要点,而且不要透露自己的笔迹,让欣赏者看不到自己的笔法技巧。经荆浩的发展,运用于山水画上又有了新的成果:在对外在事物的准确认识和把握的基础之上,又不满足于对外在形象的模拟,不求形似,而要尽量表达出某种内在的风神。元代倪珊曾云:“仆之所未画着,不过逸笔草草,不求形似,聊以自娱尔。,r }6}笔墨是他们的工具,自然景物是作者的对人生态度的载体,笔墨情趣不受自然的束缚,找寻的是“蝉噪林欲静,鸟鸣山更悠”的艺术境界。要面对大自然要认真地观察和分析,重视深人生活,研究山川自然的特点,在游览山水,俯仰自然天宇之际,将绵远的无限的时空意识与自然变化结合起来,将其淋漓尽致地表现出来。山水画家借助自然得以尽兴,主体意识和情感与自然山川的精神的契合,统一在山水画中,于是“外师造化,中得心源”,创造情景交融的意境之美便成了画家追求的终极目标,以至于这种艺术观念对以后的绘画思维产生了深远的影响。
三、结束语
关键词：综合性大学；绘画专业；课程设计；改革
检 索：.cn
中图分类号：G420 文献标志码：A 文章编号：1008-2832（2016）10-0141-03
A Study of Course Design Reform of Drawing Specialty in Comprehensive Universities
GAO Da-gang，HU Song-jun，CHEN Zi-jun（Guangzhou University，Guangzhou 510006，China）
Abstract ：Art education in comprehensive universities being a special teaching field， in modern advanced education course reform， course design reform is always a key point and difficulty of the reform of colleges and universities. Moreover， the courses of drawing specialty are different from other disciplines. University art education in the new age is no longer a pure skill training， but more of cultivating the art and humanistic attainments of students， which is different from art education for college entrance examination. Since most of the professional drawing courses in Chinese comprehensive universities are related to Western practical technique courses， this thesis compares Chinese course design of drawing specialty with that of Western drawing specialty， reviews and refers to excellent and typical experience of art education course design and reflects on the deficiencies of the course design of current drawing specialty in comprehensive universities， with a view to achieve the effective development of course design reform and drawing specialty in the long term.
Key words ：comprehensive universities；drawing specialty； course design； reform
Internet ：.cn
中国综合性大学的高等美术教育的根本目的是传承和普及美术教育的重要途径，绘画专业课程的价值体现为所有的学生学会创造有自己特色的艺术作品，是挖掘美术人才的良好途径，让学生学会用美术能力与素养服务于社会、服务于家庭、服务于个人。本文对中国综合性大学的高等美术教育绘画专业课程设计进行新的探索，对比中西方美术绘画专业课程体系上的异同并分析可借鉴的成功经验。
一、综合性大学绘画专业课程设计特点
综合性大学美术教育强调学生自主探究学习，合作互动学习，强调情感体验，注重学习的过程，更注重的是学生的审美体验过程。绘画专业的理论研究不再追求宏大的、统一的教育理论与体系，而是更多地深入到具体的社会艺术门类中对不同的就业需求提出具体的艺术教育理念与构想。我国综合性大学绘画专业课程设计有以下几个特点：
⑴ 对基础课的教学非常重视，大部分课程时间安排都是以基础课为主；
⑵ 对技能技巧训练非常重视，相比较而言，轻视观念上的教育；
⑶ 更加注重对艺术的人文情感表现力，体现情感更为积极的一面；
⑷ 建立在西方古典素描基础上，以西方绘画先入为主的基本功训练模式。
以上四个特点也说明了中国综合性大学有些依赖西方实用技术课程，传统文化背景的消隐和我国对美术作品的评判标准泛化，在教学上西方绘画方式与观念在学生心中扎根，学生定向思维里面无非就是素描、色彩，色彩在刚入学的那会儿学生接触最多的即是水粉和水彩，上了大学之后真正意义上接触到油画材料和丙烯材料。综合型大学也开设了诸如国画、陶艺、漆艺等具有中国文化特色的课程，但存在的问题是学生一味的追求临摹，这个不光在中国画课程里面出现，其他绘画课程里面也同样出现了这样一个问题，对待作品缺乏艺术的眼光，照搬原作品的样式，没有灵活运用到技法，孔子《论语・述而》写道：“述而不作，信而好古”。临摹前人的优秀绘画作品可以去学习他的技巧和领悟其精神气质，但如果只是照搬原作品而没有加入自己的思想，这样又有什么意义呢？
如今是机遇与挑战并存的时代，新出来的事物是会出现各种各样的问题，综合型大学开办绘画专业也是为其提供了一个新的发展空间，现在需要从综合型大学绘画专业课程设计特点出发，来找准未来综合型大学绘画专业课程设计的定位和目标。
二、中西方综合型大学绘画专业课程设计比较研究
哈佛大学将艺术学习当做是一种认知行为来研究，并因此创立了“零点项目”，该项目来源于美国著名哲学家纳尔逊・古德曼教授，他认为艺术与科学是一样的，都是在人的理解过程中发现、创造与增长知识的手段。他发现人们忽视了艺术符号的认识功能，疏忽了美术教育，所以才打算从零开始，也就是之前说的“零点项目”。绘画课程里面设置的写生内容，也是充分说明了感受生活是艺术过程的主要成分，这就要求作者不仅有感受的能力，还有改变感受的能力，可以使用与儿童同样的发展系统，但是不是使用同样的方法，要有运用符号的能力，把已知对象与图画、标记或其他意指它的因素联系起来。反对将审美经验的认识等同于概念的、推论的和语言性的东西。
我国综合性大学绘画专业课程设计的基础是建立在西方古典素描基础上，却并不是建立在中国画的基础上，也造成了学生主观能动性不强，并不是说学生的造型能力不行，而是没有真正意义上的去理解中国画的精神，作画光达到表面上的形似是远远不够的，最终目的是要传神。中国美术教育在理论与实践方面还是欠缺不足，中国比较重视培养学生用艺术技巧来进行艺术创作，没有几个学校开设过诸如美学、艺术批评等相关课程，也是受到中国应试教育的影响，美术这个科目始终不等同于语数外的重要地位，没有得到应有的重视，当下的状况把美术教育视为应试教育来发展，限制了学生的艺术能力与审美能力。中国艺术教育正在以注重培养创新精神与能力的培养目标的道路上发展，课程安排也是丰富多样具有本民族特色，也开展了相应的选修课程，提高创新精神和创新能力的文化底蕴，努力培养学生创造思维能力，同时也注重学生思想品德教育的培养，让学生的素质有所提高，不再是单纯的传授一定数量的知识，要求学生不仅有相应的专业技能，还要学会做人，从而有效地服务于社会。
西方综合性大学绘画专业课程设计主要是以西方文化中的艺术为主要学习对象，融合各种不同文化中的艺术，并且把这种文化多样性的艺术教育融汇到课堂当中，让学生们与不同文化人群相互交流沟通，起初的西方艺术教育是以学校开设的画室学习为基础，注重学生的创作实践，但随着之后艺术教育新观念的灌输，美学与艺术批评等课程也走进了学生的课堂当中，丰富了学生创作实践的真正价值，也不再是局限于视觉艺术，与艺术相关的门类也被概括进来，舞蹈、音乐等也提升了学生的艺术层次和品味，将学生的兴趣从艺术的情感高度转化到艺术的认知高度，同时也很注重学生在作画过程中的审美能力的发展，以学科为基础要求学生均衡全面的培养自身的感知力和想象力，要求学生在习作时要做加减法的实验，从而获得视觉和实践经验，在西方艺术教育领域中，艺术教育是以学科为基础的将结构式、说教式经验带回艺术教育课程中来，既重视艺术本身的内在价值，也重视艺术的外在功能。
三、综合性大学绘画专业课程设计改革具体措施
（一）对现有的综合综合性大学绘画专业进行整体评价和分析
综合大学院校里面有很多各种不同专业，其中艺术学院是较为独特的，绘画专业则是艺术学院里面的重要专业。作为综合大学里面的绘画专业与那些艺术院校里面的绘画专业应该有所区别，要发挥各院校的优势，艺术院校的绘画应是更为艺术化，师资资源及院校历史等不同，而综合院校里面则在体现绘画造诣的同时，理应全面发展，在人文和艺术间做好权衡关系，充分发挥师资优势。与更多的专业结合，绘画也不要仅仅只限于全是绘画学科，不然是没有办法与专业院校抗衡的。
这也是目前国内各大院校普遍的现象，在教学大纲里面各种学科和课程的不合理，导致众多学生毕业后受生活所迫难以找到工作而被迫转行，尤其是综合大学学生，甚至连专科学校都不如，所以针对综合大学里的绘画专业需要改革，统筹发展，区分于专业院校，充分利用本校综合优势，合理改进教学大纲，优化课程及师资资源的分配，在继承传统文化专业同时，创新和开拓新的专业和结合其他专业来有效地迎合现代化社会，同时借鉴和引进更优质的教学体系和高级师资人才，完善整个艺术体系，让各个专业相互交集，尤其是设计专业，更能有效地与生活完美结合。
（二）推动与完善绘画专业课程综合化改革，科学有效的服务地方经济
经济全球化的社会随着经济活动范围的扩大，经济在社会中的作用越来越明显，教学方式也必然要受到经济的影响。当地实际的经济发展水平为教学发展提供相应的经济条件，同时也对教育提出一定的客观要求。特别是在民族地区，在其经济发展的过程中必然会对产业结构做出优化调整，这些变化导致对人才需求的数量和质量也随之变化。这就要求高等教育在专业结构和课程设置，甚至是课程内容的安排都要做出调整，艺术教育的课程设计要适应经济发展的需要，培养社会需要的高水平的技能型人才。
通过其他发达地区艺术综合院校的宣传和整合力量改变当地发展状况，通过艺术创作宣传当地，成为旅游度假区的可能，从而带动经济。服务地方经济范围并不只包括少数民族地区，本课题组去考察的几个地方有北京，贵州独山，广东河源。以及后面可能要考察的上海和广州附近地方。涉及的地区包括了一、二、三、四线城市。所涉及的经济、社会条件丰富，能够更好地提出服务地方经济的教学模式。
综合性大学绘画专业要想提升教学质量，提高绘画专业的就业竞争力就需要创新，打破原有的教学模式，加大理论与实践教学的紧密性。以实地田野调查为主训练学生对大自然的敏感力，提高学生的创作能力，同时注意提升绘画专业学生的综合能力，注重大学生的造型能力、审美能力、社会能力、社会能力、创作能力的综合素质培养。在教学模式上注重实用性的发展，以增加绘画专业大学生的就业竞争力和以“教学”有效服务地方经济为核心。
进行绘画专业服务地方经济的顺利开展，需要综合院校和当地政府和当地企业的友好合作，创作写生基地的建立则是主要合作手段，写生基地的创建无疑会加强学校和社会的联系，让学生能在进入社会前进行热身活动的同时对于当地也起到不错的经济推动，艺术的宣传推动作用是无限的，有很多地方都是因为写生基地的建立而逐渐演变成艺术家的创作之都。绘画专业通过每年将准毕业生带到地方进行实习，去学习当地布依族、水族的传统工艺，服饰文化等，学生通过画笔宣传自然之美，用镜头传达风俗之美。
少数民族地区有很多具有民族特色的文化，例如民族刺绣、织布、蜡染等等，培养对当地经济发展有积极作用的大学生，对少数民族地区经济做出贡献。少数民族地区资源丰富，这些资源必须要得到有效利用和合理配置，就能使该地区获得很好的经济效益。应该积极结合民族特色，展现艺术的魅力。
少数民族等经济相对落后地区，虽然艺术教育相对滞后，但是其本身的先天自然和风俗优势是巨大的艺术宝库，综合院校可以建立创作写生基地，写生基地的建立一是可以带动一批学生老师前往进行艺术创作，在当地消费；二是通过艺术创作的对外宣传让更多人了解当地的自然风俗，从而形成旅游业的发展可能。
经济相对发达的地区，就要考虑必须要以服务地方经济社会发展为导向，以培养适应现代服务业、战略性新兴产业和先进制造业发展的高素质绘画人才为宗旨，让毕业生具备创造原创性绘画作品和绘制商业性绘画作品的能力，从根本上适应当前就业环境，来解决毕业生的就业问题。在人才培养方案中，要有针对性地加强学生的实际操作能力，充分培养学生的实践能力。同时要增加对艺术市场的分析课程，如商业绘画技法研究、艺术市场画廊经营与运作、装饰画创作等，让学生可以明确学习目标，培养以服务地方经济社会发展绘制作品的能力。通过课程的改革和置换，增加学生就业的核心竞争力。
总的来说，经济发达地区与经济落后地区之间有一个互补联系，艺术家和大学生通过在自然环境保存良好的地区获得创作灵感，进行艺术创作，在发达地区进行画展和相应的学术活动以及与艺术市场合作，这样就同时服务了经济落后和经济发达两种不同地区。
小结
综合性大学绘画专业课程设计改革是一种切实可行的探索活动，迎合了教育的实际和学科本身发展的内在需要。绘画专业的教育理论研究不再是泛泛而谈的大道理，而是需要塑造学生让其从课程规范中融入到各个社会艺术门类的就业群体里，不是为了学习而学习，是为了他们能够掌握和理解先进的艺术教育理念和未来自我建设的目标，在改革的过程势必会遇到这样那样的问题，但是只要发现了问题就得及时解决问题，也要处理当下的大学教育和应试教育之间的矛盾，对大学绘画专业学科教学改革方法进行探讨，注重结合绘画专业自身的特点，在继承和创新的基础上，创造出一套富有综合性大学教育特色的教育研究法体系。
参考文献：
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[3] 魏传义 主编.艺术教育学[M].重庆：重庆出版社，1990.1.
一、语文教材与绘画
中学语文教材的内容包罗万象，形式多种多样。不论哪种文体，从某种意义上说都充分运用了绘画技巧，小到一个词语的运用，大到一个人物形象的塑造，每篇教材无不以立体般的画面，给读者描绘出可感艺术形象。现行的人教版初中语文教材里，封面的彩画加上课文中的插图，共有100多幅。而180多篇课文，即使是没有插图，字里行间也凸现着生动传神的画面。《春》——春草春花图；《渔歌子》——渔翁垂钓图；《社戏》———儿童娱乐图；《陈涉世家》——陈胜吴广起义的历史画卷；《变色龙》《孔乙己》《威尼斯商人》中的人物形象……由此可见，语文教材选用的均是文质兼美、图文并茂的名篇佳作，无不充满了艺术形象之美，可以说是一个璀璨夺目的绘画世界。
二、教学主体与绘画
爱美之心，人皆有之。作为语文教学主体的学生，他们对美的追求是热情洋溢的，尤其喜爱绘画美。
据调查，从学生的兴趣爱好来看，有73.2%的中学生喜欢绘画。上美术课，从学习优秀者到最差的学生，90%以上都兴趣盎然、全神贯注作画，没有偷看小说、玩手机或搞小动作的现象。70%的中学生都有一本属于个人小天地的小画册，里面贴的剪贴画，有影星、歌星、歌曲，无不反映了他们对艺术美的追求。
从学生的绘画基础看，学生自幼儿园起，就学习绘画，有的甚至从牙牙学语便接触绘画，再经过六年的小学培养，到初中时，大部分学生已具备了一定的绘画水平和欣赏能力，其中不乏绘画的天资聪颖者和佼佼者。
既然学生普遍热爱绘画艺术，且具备了一定的欣赏能力，那么，我们何不利用这一优势，在语文教学中充分发挥其作用，促进语文的教与学，获得语文与绘画的双丰收？
三、教学过程与绘画
既然语文教材、学生爱好与绘画有着如此密切、相辅相成的关系，那么，我们就应高度重视且努力发挥绘画艺术的辅助作用。如何利用绘画艺术的辅助作用呢？
（一）课前展画导新课。讲授新课前，笔者根据教材的各自特点，准备好相关的画图，先让学生欣赏画面，再由画入境，由画入文。如教学《爱莲说》，笔者先从报刊上找来三幅讽刺当今官场贪赃枉法的漫画，让同学讨论漫画的讽刺意义，并以此为契机，导入新课，同学们以极大的兴趣，联类想象，深入分析，由画意联系古代，由古而今，激发了对腐败现象的激愤之情。在这样的氛围下，教学效果自不用说。
（二）课中绘画助理解。在教学过程中，笔者不仅充分利用教材上现有的插图，还让学生根据课文内容，自已动手绘其形、描其状来助理解。如教学《海燕》一课时，在分析海燕的外形美时，笔者先让学生细读课文，然后让他们把海燕的形状画出来。有的学生画出海燕的外形美和神态美，有的却画得不伦不类。笔者指定画得形神兼备的学生谈谈其对课文的理解，再让同学观摩他的“海燕图”，这样借助绘画加深了对课文的理解。
（三）课后描画以巩固。为了达到“教是为了不教”之目的，教师不应只授学生以“鱼”，还应授其“渔”。在教学中，笔者还针对学生容易忘却的特点，教之以绘画巩固记忆的方法。如教《惠崇》这首诗时，学生及时背诵可谓举手之劳，但做到永志不忘就不那么容易了。于是，笔者指导学生深入理解诗的意境，然后据诗意想象作画。这样，学生自然把诗的意境如画面般印在脑海了，记忆当然加深了。
（四）课外丹青增乐趣。笔者利用开展文学爱好小组活动的形式，举办以语文为题材的绘画作品展览，既丰富了学生的课外生活，也给语文的教与学增添了无穷情趣，还实现了语文教学与绘画艺术的联姻，共同结出美育之硕果。
四、教学效果与绘画
关键词：国画教学；技法；道；文化素养；审美
中图分类号：G633.41 文献标识码：A
一、国画创作中文化素养的重要性
中国画是中国几千年文化传承的一个典型，除了体现绘画者高超的绘画技巧以外，更多的体现绘画者的心境，一副成功的作品，往往在该作品上具备这个时代的特征，体现了作者这这个时代的理解，将自己的价值观，人生观，世界观以绘画的方式展现给世人。中国绘画传统，以“神形兼备”为皈依，重在抒发主体精神。绘画强调"以形与神，形神兼备"，不拘泥于形似的雕饰、而注重神韵的传达等创作思想，正是认识得了艺术创作中"造型"与"传神"两者相辅相成的辩证关系。绘画创作强调“外师造化，中得心源”，即画家对客观事物的观察和把握，由表及里地强调对精神特征的理解，通过画家的主观精神因素，包括修养、品德、秉性等，与客观世界相融合，从而创造出具有深刻内涵的美的形象和境界。大画家吴冠中曾说过：“美术界大部分画家的文化水平都不高，他们的作品情怀和境界上不来，这是我的心里话。”这样的状况也存在于国画教学和创作中。在大部分高校国画教学中，教师往往偏重于绘画基础理论和绘画技能的培养，对于文化素养和审美认知、审美情趣的培养不太注重，这就造成部分学生学习国画的困难，学生理解不了国画的内涵，只是单纯从技法上学习，创作出来的作品过分强调技法语言和形式语言，作品刻板生涩、表面化，图式化，更深刻的审美内涵、思想层次表达欠缺，缺乏一种内在的，恒久的审美价值。所以，中国画教学除了培养学生的绘画表现能力，还要注重提高学生的综合的文化素养。
二、国画教学中提高学生文化素养的策略
（一）习读道家经典，感悟国画中“道”的玄妙
中国古代山水画的孕育产生受道家思想的影响巨大，而只用墨色画山水最能体现道家的哲学思想观念。老子以“玄”形容微妙而深奥的哲学道理。“玄”在道家学说中的地位是很高的，从而进一步扩大了墨色一统天下的权威影响力。老子认为“五色使人目盲”，主张“见素抱朴”只用一种墨色而使五色抽象起来，不同色阶的墨色，可以代表各种色彩的意义而存在，既足以表现物象，又不违背朴素之美，是臻于自然的最高艺术品位。他又强调“致虚极，守静笃”的哲学境界，静的意境由“玄”色来体现最为恰当，因为“玄”被引申为深沉静默。同时道家又讲究恬淡的修养，《庄子 天道篇》谓之：“夫虚静，恬淡，寂寞无为者，天地之平而道德之至。。。。。。万物之本。”静和淡是相连的，宁静的黑色没有众彩的热闹刺激眩人眼目，便显得恬淡。所以，把多彩的绚烂之极归为单一墨色的恬淡，再加上虚静和朴素，便成就了中国绘画艺术创作本质的哲理性飞升。中国绘画的核心就是“绘道”。所以对中国画的学习过程也就是悟“道”的过程，那么熟读儒释道三家经典则能很好的帮助学生理解中国画范畴论中形神、气韵、意境、雅俗、比德、中和等概念。如在《中庸》中就有关于“中和之美”的论述：“中也者，天下之大本也；和也者，天下之达道也。对学生而言，要掌握绘画的技法及形式相对道的理解是比较容易的，而对“道”的学习和领悟却是一个复杂的思想转化过程，借助于对道家经典的解读，有助于学生深刻认识国画的本质和本民族的审美文化、审美理想，进而提高学生的文化素养和绘画表现。
（二）研读古代画论，体会国画中“笔墨”的精妙
中国绘画有几千年的历史，在这个长期的发展过程中形成了大量的绘画理论和笔墨技法语言，如荆浩的《六要论》》，谢赫的《六法论等，教师在示范笔墨技法的同时把围绕该技法的相关画论，加以解读，让学生结合理论来练习技法。笔墨是中国画学习的重要内容，它不单纯是技法形式，更是画家对宇宙万物关照方式的具体表达。水、墨通过笔法的带动在宣纸上渗透，绽放了国画的生命力，幻化出复杂多变的笔墨意义和形式。所以，在国画技法的练习过程中，教师应当将笔法、墨法详尽介绍，让学生理解作画过程中笔墨变化的韵律和节奏感、物象造型的气韵、形神等，更要理解笔墨是审美表象和精神情感的完美融合，体会其中的笔墨趣味和精神意境。
（三）运用古代诗词等国学经典，增加国画作品的“意境”
古代诗词是我国传统文化中的瑰宝，跟绘画有异曲同工之妙，北宋文人苏轼言：“诗画本一律，天工与清新，”许多画论也强调诗画“异体而同貌”、“异迹而同趣”。诗和画分属于的不同的艺术领域，却有很多互通、互济之处，都追求一种“诗情画意”的意境。著名美术史论家、批评家薛永年曾说过：“就意境的创造而论，大家普遍重视情与景的统一，但缺乏“画外意”……所谓“画外意”，与诗化思维有关，要求借助有限而超越有限，不满足于“做诗必此诗”，主张借助比拟、联想和想象，“见青山白道而思行”、“见平川落照而思望”，拓展景象，甚至提升境界。”说的就是现在一些绘画作品痴迷于技法和图式的表达，缺少一种文化底蕴和耐人寻味的意境，最终流于形式，以诗的思维取材、入画，可以摆脱俗气，提升作品的意境和格调。国画教学也是一样，教学过程偏重绘画技法上的训练，而忽视了提高学生的文化素养，导致创作出来的作品单薄、俗气、格调不高。在国画教学中增加诗、词、歌、赋等课程的导读，对提高学生的理解和感悟，增加作品的意境和文化内涵等方面不失为一个有效的策略。
国画是自然的、虚静的、体现佛、道、儒等思想，是我国传统文化知识和人文素质的艺术表达，在国画的学生过程中，要本着由内及外，建立深厚的文化素质，培养自身的国学思想，从以上策略中可以得到一些帮助。
参考文献：
传统艺术教育始于欧洲，欧洲传统的艺术教育为大学艺术教育的教法理论做出了巨大的贡献，既为职业教学提供了教学理论和论文联盟方法,又为学生提供了社会训练。
欧洲的艺术与设计教育是从传统艺术教育中延伸出来的，艺术与设计教育在西方开始于视觉艺术，也就是传统的绘画和雕塑。早期与艺术设计有关的教育，主要是传统工艺品的设计，它在很大程度上是受到了欧洲传统艺术教育基础的影响。在西方，如果追根溯源，最早的艺术学校是在公元前400年左右在希腊建立的，在帕拉图的著作中提及到有关画室教授学徒。欧洲传统的艺术教育中，就是以写实型的绘画训练为基础，我们称之为“学院派”，起因是出自于在17世纪中期就形成了这个教育训练方法的法兰西皇家美术学院。欧洲传统绘画的特点，就是再现与强调描述。长期以来画家们都是把如何有效地表现故事场景、描绘具体的情节或表达某种寓意来进行艺术创作的。
早在艺复兴时期，艺术教育在意大利就发展得比较成熟了。文艺复兴时期的艺术家们，在艺术教育的教学教法领域中提出了许多有价值的想法。在技法纯熟的艺术大师们不断地创作过程中，获得了独特的艺术教育的理论和方法,这些都是按照被保留下来的古代文明的碎片进行了整理和收集。艺术家们不仅恢复了博大精深的欧洲传统艺术,也为欧洲传统艺术教育创造了艺术教育历史上的里程碑,达到了人类不为所知的高度。在14-15世纪早期，画家乔托等就对大自然的景象进行了十分逼真的描绘，与当时的人文主义思想相结合，虽然有些呆板僵硬的痕迹，却也显示出了与中世纪所不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。 提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，提香对于欧洲后来的绘画艺术有着很大的影响。艺术泰斗们使得这一时期的艺术水平达到了前所未有的高度,同时也到达了最为繁荣和鼎盛的一个时期。
14到16世纪间的人文主义是用来描述比较先进的思想，这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文主义。在当时的社会，是人们对于拥有崇高的理想和知识教养具有惊人的吸引力的时期,而要实现对于人文主义知识的尊重,就要联合起最不相同的人们：地主和穷人，艺术家和商人，贵族和知识分子。他们不按社会特征区分自己,甚至不按出生地位和财富而按照人文知识的态度来进行划分。人文主义成为了他们拥有对自我征服现实生活的完整性,而沉醉于人文知识的人文理想，为意大利佛罗伦萨的人文精神，没有疲劳和懒惰的感觉,允许他们毫无保留的杰出的创造，从而意味着获得真正的高尚。
在当时著名的人文圈子中,像公爵卡西姆.美帝奇那样,经过自己的学习教育和所有的著名的艺术家,诗人和哲学家一起使得文艺复兴驰名。
在文艺复兴时期，已经形成了传统绘画艺术的三个主要系统：透视学、人体解剖和色彩学，老师们通过工作室将这些技巧传授给学生，就是传统的艺术学徒制度，从此就形成了较为系统的艺术教育教学方法。到18世纪，欧洲大多数国家都设立了这样的美术学院，法国、荷兰、比利时、瑞典、波兰、德国、奥地利，一直到俄罗斯，都有美术学院的设立，并且基本都直属皇家管理，显示其艺术服务对象是皇室贵族。随着当时社会经济的发展，需要很多艺术装饰的专业技工，从而衍生出各种工作室，绘画，雕塑，建筑和各种各样的装饰技法。 到17世纪中叶，法国的皇家美术学院设立了绘画、雕塑、建筑三个学院，有了更加明确的专业设置，但是教育方法还是和文艺复兴时期意大利的画室制度相似，还是以视觉描绘技法为主要训练目标，这种画室制度至今都在影响欧洲其他许多国家。在19世纪中叶，因为皇室贵们族对艺术品、工艺品的需求量越来越大，各个艺术学院都增设了与设计有关的专业，比如家具设计、室内装饰、园林设计、首饰设计、陶瓷设计、编织和印染设计等等。虽然教授艺术技巧，各自所教的不同，但也都是通过教学提高学生的审美经验，注重提高学生的文化修养，在教学过程中，更加注意学生解决实际问题的能力，在这个基础上来培养学生创造性思维的能力。
所有的著名的艺术大师都拥有对在自己身边的学生的教育，对他们的艺术教育的实施负责,而这不仅仅是师教问题,教学问题和对学生们的教育问题。在文艺复兴时期伟大的艺术家阿尔布雷特·丢勒留下的艺术作品和著作当中,我们可以看到他无论是在艺术教育理论的领域上,还是在艺术教育方法的领域上，都创造了让人激动不已的巨大的价值。丢勒, 在世界艺术史上具有划时代意义的艺术家，他将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲，创造和奠定了德意志民族画派的传统和基础，并极大地影响了此后世界艺术的发展，也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。
就像伟大的古希腊画家认为：“在艺术创作中，不应该只是停留在普通认为的视觉的表像上,而是必须在依靠准确的科学知识上来进行理解和表现。”和丢勒同一时期的艺术家和素描理论家列尼桑斯·列奥·巴基斯特在《关于绘画的三本书》一书中写到：“我认为拥有高尚头衔的年轻人开始学习绘画时，都必
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须要知道古代画家巴姆非的格言，他认为一个好的画家要想能真正画的好，就必须要很好地懂得绘画理论。”丢勒在自己的格言中也提到：“关于在平面绘画基础上的原理以及正确的教育理论，要给予科学的教学方法…”同时，他也认为论文联盟绘画并不是像机械训练那样只是对照实物描绘，而是要像智慧的科学训练。这个科学的艺术教育宗旨反映在以后的米开朗基罗的话中：“用头脑去画，而不是用手。”
在所有的艺术教育发展过程中，丢勒的建议是从认识实物再到平面绘画上。在古希腊时期，这个原理就奠定了古希腊艺术教育着手于学生们和拥护者们从主观观察自然，到归结为客观认识自然的景色，这也是艺术教育教法确立的初期，从只是对照实物绘画的基础上转变为真正的依据科学理论来进行分析绘画。这个新的艺术理论在当时的欧洲艺术教育中产生了很大的影响。伟大的建筑师弗罗列·布鲁涅列斯基和伟大的雕塑家多纳泰罗在对古希腊和古罗马艺术完美性的寻找研究中，从佛罗伦萨到罗马，在那里他们开始测量建筑的细节和绘制教堂的计划。著名的圣母玛利亚教堂的穹顶就是这位天才建筑师布鲁涅列斯基归结为对自己这一研究的明确结论，并且认为这个巨大的从容不迫的建筑就是他毕生所为之奉献的志向。
而意大利雕塑家多纳泰罗则是真正的改革者，他用自己探索领域的广泛性和多才多艺的天赋在欧洲立体艺术后面的发展中有着巨大的影响力。多纳泰罗在关注建立浪漫派教会浮雕的基贝尔基的工作室教学，他很快的就形成了其独特的艺术风格，并开始创立独立工作室。多纳泰罗去罗马的旅行还促进了他对古代艺术的更深层的理解，也促使了欧洲传统的艺术教育处于佛罗伦萨教堂讲坛中那些浮雕艺术的实现。
也许，古代欧洲的马克·阿弗列里亚的纪念碑，正是鼓舞多纳泰罗在意识上重新认识到艾拉茨莫·达那勒尼骑马的浮雕，这是位于巴杜阿教堂广场上的第一个骑马的布鲁涅列斯基纪念碑，它也是以后时期在欧洲城市建立的所有骑马的浮雕的始祖。
后来的本·罗基欧继续创作这个题材时，他的工作室就成为了运动解剖学的人文研究的中心之一，在那里得到了文艺复兴时期的伟大创始人莱昂纳多·达·芬奇的指导。达·芬奇在其身后留下的诸多教学笔记和素描中，可以证实关于他的包罗万象的天才智慧。《绘画论》是达·芬奇最著名的理论著作，这部未完稿的理论著作在素描艺术教育教法的发展中具有相当大的影响力，是文艺复兴时期理论研究的重大成果。在这部著作中，包含了有按照解剖学的主张和展望来发展绘画艺术的教育，他努力寻找能够使人体运动协调的结构和规律性，依据科学理论研究出色彩关系和反射作用。他像严肃看待科学的学科那样来看待素描绘画艺术。然而达·芬奇指责阿里列勒基和丢勒借助于计算的绘画方法，他明确的回答这个绘画体系对学生有害，但这个绘画体系的发明是由那些不会独立绘画，只会用自己论述的观点和理论去进行艺术教育的人。因为在那样的情况下，受教育者会使用懒惰的方法来进行绘画，他们是对自己智慧的危害，有这个的帮助任何时候也不会创造出一个好作品。如果能够继续按照知觉绘画的道路那样用稳固的训练方法来学习，就会有循序渐进的表现，也是艺术教育的根本。在达·芬奇的追随者和学生中间没有任何一个在艺术天分上能够超越他的；在对艺术的独立看法被基本剥夺的情况下，他们仅仅只能是表面上领会达·芬奇的艺术方式，真正的艺术精髓也许永远也无法有人能够领会。
而无论是丢勒还是达·芬奇，他们都是已知的艺术形式的代表之一，从早年在父亲的工作室，随后向画家沃勒基姆特和一直在德国土地漫游的丢勒吸收德国15世纪的艺术遗产，但是大自然还是成了他最重要
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的老师。
丢勒总结的艺术教育的形式中提到，建议素描训练作为艺术教育的基本。他建议在艺术教育开始阶段把造型结构训练看作是重要的基础部分。对于现在来说，这个方法是完全可以接受的，整个艺术教育师范教育和对学生的论文联盟培养问题在文艺复兴时期的画家中很少有人会去思考这些。在达·芬奇的《绘画论》一书中提到：丢勒如同一位教育家一样，对学生的艺术修养教育的所有的基础观点，按照这一点阐明如何实现学生们应该得到的教育。他写道，“在教育的最初阶段要好好地教导他们，然后一边告诉他们培养的方法，一边讲如何用最好的和最善良的语言，用赞扬或鼓励的方式来教导他们。”丢勒在确立欧洲传统艺术教育的《音乐的改变》一书中，划分出了特殊的意义：“为了让他们不看见什么不好的，而只有用好的东西来削弱他们的智慧，这个想法是在美术学院以往的自身发展中获得的。”
【关键词】艺术创作；艺术理论；美术实践；绘画
中图分类号：J0-02 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）11-0195-01
艺术的发展是理论与实践的结合体，一幅优秀的绘画作品，既离不开精湛的技法，更离不开坚实的理论。技法为形似提供依据，理论为神似提供可能。
一、艺术理论脱胎于哲学思想
艺术理论的阐发为我们之后的实践提出明确的指导思想，明确我们要表达的是什么，如何进行表达，什么是美。
老子的哲学思想中“道、气、象”的哲学观点在美学理论中得到了广泛的应用和推广。西晋画家卫协，在绘画中应用较为细密的笔法，改变了先前只注重人物大体动态的绘画方法。卫协已对绘画中的“气”有所追求，谢赫评判他“虽不该备形妙，颇得壮气”。东晋画家顾恺之在此基础上提出了“传神写照”“以形写神”“迁想妙得”；“四体妍媸本无关于妙处，传神写照，正在阿堵中”。并指出：“凡画，人最难，次山水，次狗马，台榭一定器尔，难成而易好，不待迁想妙得也”①。顾恺之主张通过对眼神的描绘表现人物的内在性格特征与人物精神面貌，主张通过细节对物象进行表达。南齐谢赫首次提出绘画中的“六法”。提出“一、气韵，生动是也”视为“六法”之本，放在评判绘画的最高标准。说明肖像画要首先把握所要表达的对象的精神，神似要重于形似。南朝陈姚最在《古画品录》的基础上作《续画品录》，在谢赫的基础上更加明确地批判一味地追求形似而忽略神似。这些理论观点一步步发展，都是对“象”之外的“气”的追求以及“道”的寻觅，所以才出现了在中国画中笔精墨妙却意境完足的情况产生。
老子的哲学思想也逐渐在山水画中得到了发展和印证。南朝宋画家宗炳作《画山水序》中提出山水是以其外形体现“道”，因而图绘山水可以领悟虚无之道，并指出图绘山水中应达到“澄怀味象”，即在广阔的山水形象中体味悠然的心境，得其山水之道。所以画家笔下山水不仅是眼前山水的再现，更是作者情思的再现，虚无之道的表达。
二、艺术理论指导艺术实践
在亚里士多德的可然律和必然律原则的指导下，艺术一方面要模仿现实，另一方面又不可拘泥于现实。他指出：“有时候，一桩不可能发生而可能成为可信的事，比一桩可能发生而不可能成为可信的事更为可取……”因此，某些带有悲剧性色彩的艺术作品中的人物是虚构的，甚至不出现具体人物。毕加索在《格尔尼卡》中将几何形体引入画面，配合强烈的笔触，对画面进行了分解重组和抽象性的表达。
亚里士多德肯定了艺术是对现实世界的模仿，但绝对不仅是对现实世界个别表象的模仿，艺术更要揭示客观世界内在的本质和规律，要选取现实世界中具有代表性的事物进行描绘和表达。所以他说：“显而易见，诗人的职责不在于描述已发生的事，而在于描述可能发生的事，即按照可然律或必然律可能发生的事。”《格尔尼卡》所表达的现实并不是我们传统意义上的现实主义绘画方法。毕加索在这幅画面中表达的不是生活中F实的形象，却是生活中真实形象的典型化集合体，是无数个受难者形象的总结与升华。
三、艺术理论为艺术创作指明方向
艺术理论为我们指明了艺术创作的作用。在中国美术史上，唐代著名的书法家和书画理论家张彦远《历代名画记》中明确指出了绘画的功能：“夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微。与六籍同功，四时并运。发于天然，非由述作。②”张彦远强调了绘画的教化和教育意义，要进行细致的观察，看得到事物微妙的变化。也就是告诉我们说，绘画对社会的发展是有明确功能的，优秀的作品应当要上升到上层建筑层面。有的时候艺术的精神层面的指引，要比文字、比口号更让人洞彻心扉。
四、结语
艺术的研究是理论与实践合力的结果。艺术理论是对艺术的内涵与外延的分析与界定；而艺术实践是通过各种表现方式将理论中的核心精神加以外化。艺术理论的建立为艺术实践提供了发展方向，艺术实践的发展更要推动着艺术理论的不断完善。
注释：
①中央美术学院美术史系中国美术史教研室.中国美术简史（新修订本）[M].北京：中国青年出版社，2010.6.
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参考文献：
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作者简介：
中国的教育制度决定了“考试”贯穿于基础教育乃至高等教育的各个阶段，在这样的大环境下，学生也早已养成了为考试而学习的习惯，作为高考“考试重点”的素描、色彩和速写等绘画写实技法得到了足够重视，而无法用“分数”衡量的艺术鉴赏、审美能力和创新技法等艺术素质却极度“贫血”。美术教育作为一种系统化和多元化的课程，在这种应试制度下遭遇了严重的瓶颈，根本无法向高等院校选拔和输送真正优秀的美术人才。在当今越来越重视素质教育和创新能力培养的大环境下，引导式创意绘画的出现为美术教育注入了“新鲜血液”，弥补了高考美术教育体系中艺术素质和创造能力培养的缺失。但与此同时，两者之间的碰撞也随之产生，如何将两者的优势进行双向融合是一个非常值得研究的课题。
1引导式创意绘画的特点和形式
引导式创意绘画源自“易道”教育推出的一门针对少儿手脑潜能开发的课程。其基本理论是根据心理学、脑科学理论及少儿认知规律的特点，将智力因素及非智力因素与绘画教学相结合，以学生为主体、以创意为主线的体验式绘画模式。基于这种特点，引导式创意绘画完全避免了传统绘画模式的枯燥和呆板，使绘画教学更具有趣味性和互动性，在对学生进行各种绘画技法的培养的同时，更着力于学生想象力、创造力和艺术素质的培养和开发，不再仅仅以“像与不像”、规范不规范来衡量学生的绘画作品。引导式创意绘画有“体验”绘画、“创想式”绘画、立体绘画、动感绘画、“情商”绘画和“多元智能”绘画等表现形式。
2高考美术的弊端
2.1过分强调绘画的写实性，导致高考美术内容和形式僵化
由于高考美术中写实绘画所占比重较大，导致考生忽略了其他科目的学习。甚至不少学生误认为绘画写实就是素描、色彩和速写，因而很多美术高考生为了获得高分而进行大量盲目地机械模仿，画出来的作品毫无生气。事实上，要想成为真正的画家，仅仅只有对绘画写实的练习和考核是不够的。这种仅仅为了应对高考的美术学习方式弱化了对美术学习的艺术性和主导性，学生的美术学习变得越来越短视和功利。
2.2过分注重绘画技法，忽略了艺术想象力的培养
高考美术的终极目标是获取分数，学生的绘画技法更容易通过标准化的评判方式来进行量化，而绘画艺术本身是一种仁者见仁、智者见智的艺术门类，作画者的主体艺术性很难进行客观地“分数化”，而这种“分数至上”的考试制度使得广大考生在长时间的模仿中形成固有的思维模式和绘画理论，严重制约了学生发挥艺术思想的想象空间，无法充分饱满的表达自己的感受和情感，所画出来的作品如同一个模子里刻出来一样生硬无趣。
3引导式创意绘画与高考美术之间的冲突
引导式创意绘画所倡导的思想是在激发学生绘画兴趣的基础上，以培养学生的审美敏感度、观察事物表象的能力和探索发现新事物的好习惯，自由发挥想象力，利用各种创意绘画材料、绘画工具和绘画方式，通过适当的手法表现出自己所感、所知、所想的事物。创意绘画最大的特点就是绘画者的自由畅想和绘画技法的完美结合。相反，高考美术则更强调技法和规范，只关注素描、色彩和速写这三项高考必考的项目，而忽略了对美术鉴赏、绘画创意等绘画艺术素养的提高，而长期机械僵化的重复训练导致学生对绘画艺术兴味索然，只剩下对分数的追求。
4将引导式创意绘画融入高考美术的策略
4.1强化绘画艺术素养的重要性
首先，感受优秀美术作品的熏陶。在掌握美术基础理论和绘画技法的基础上，尽可能让学生多看国内外各种风格的美术作品，提高学生自身对绘画艺术的鉴赏能力，全面提高学生对于绘画作品所表现的情感、画家人格魅力等真善美的感受。其次，鼓励学生进行艺术表现形式的探索。引导学生尝试多种色调、色彩、技法来表达相同的情景，培养学生对绘画艺术的独到见解和探索精神。
4.2弱化绘画写实观念的主导性
