时间：2023-02-16 20:18:21
【关键词】体系；训练；构建；理念
中国民族声乐艺术源远流长，声乐艺术理论日臻完善和系统化。早在两千多年前，我国就有了声乐教学理论的记载：夫教歌者，先呼而出之，其声及清徵者，乃教之。这即是说，教唱歌应先看学生的基本条件，强调教以正确的歌唱方法和呼吸方法。中国的京剧唱腔，声区统一，字正腔圆，既能婉转如歌，又能抒发悲壮之情。尤其在唱高音的时候，强劲有力，穿透力强，且高音可唱到小字三组的c-e，甚至更高。此种唱法及其训练之道，能否借鉴于中国声乐演唱训练，的确值得我们思考和研究。借鉴“西洋唱法”的先进经验。人类发音器官的结构和发声原理是相同的，绝对没有哪位歌唱家的发音器官比别人多一个或少一个部件。那么，不管是中国人还是西方人，在进行声音训练时就有共性，就有相互借鉴的地方。“西洋唱法”历史悠久，除语言和音乐风格与我们有区别外，在嗓音训练方法和声音美学方面有值得我们借鉴的地方。到底如何借鉴“西洋唱法”中的先进经验，中西结合，达到发展我国声乐艺术的目的，我们的先辈和广大声乐工作者已经作出了长期的、艰苦不懈的探索，也总结出了许多丰富的经验，总的来说不外乎两个方面：一方面是在声乐教学中，根据学生声音特点，因材施教，广泛汲取西洋唱法中先进的训练方法。第二方面是如何将美好的、受过良好训练的嗓音运用于风格不同的中国作品的演唱中。
一、正确理解科学的发声机理建立切合实际的发声体系
人的嗓音，就是一件乐器，一件能用不同语言表现音乐的奇妙的乐器。人要做到能正确、科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐，了解嗓音生理结构和发声原理是前提。人的发声器大体由声带、胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔构成。简单的发声原理是：声带在气体的冲击下产生振动，然后声带振动发出声音，经过胸腔、咽腔、喉腔、口腔、鼻腔、头腔的共鸣，便发出响亮和动听的声音。音质、音色和演唱能力，都是由共鸣腔体调节出的不同结果。要做到自如调节共鸣腔体，必须经过严格、正规的训练。自然的歌唱与人的情绪、心理和其他肌肉、器官积极配合、协调有极大的关系，甚至是歌唱活动“生死存亡”的关系。如：喉器的位置在哪，气息怎样运动，路线如何，软腭在不同音高时的状态，舌根、舌头的运动，下巴如何运动，怎样张嘴，人的身体如何配合等都关系到声音的好坏。人的嗓音虽然在发声原理和生理结构上具有共性，但每个人的声音特点是不同的，除有男声、女声、童声，高音、中音、低音之分外，还有音色、发音习惯、语言习惯的不同，另外，还有生理和心理因素的不同，因此，每个人在学习声乐的时候，建立正确科学的符合自己声音特点的发声体系是关键。在练习时，每发一个音都必须符合歌唱发声原理；声音通畅，气息流动，音色优美，自然动听，有音量而不“伤嗓”是总原则。 有的同学急于求成，教师拔苗助长，在短时间内拔音量、拔高音、唱大歌，这样只会适得其反。结果，学生一开口全是毛病，有的毛病根深蒂固改都改不了。因此，初学声乐时，把中声区的基础打牢固，形成正确、积极、良好的歌唱状态是歌唱训练的原则性问题。
二、运用行之有效的训练方法
声乐教学，难就难在因材施教。要做到对不同的学生，都有行之有效的训练方法。在教学过程中有几条原则是必须遵守的。 要做到因材施教，了解学生即“相才”是关键。在开始系统训练之前，老师对学生必须有全面的了解。而要了解一个学生，决不是一蹴而就的，需要一个过程。要充分掌握学生的生理结构、特点、习惯、语言、歌唱条件、发声缺限等，然后制定出系统的训练方案。声乐基础训练，就像修高楼打基脚，基础不打牢、不打扎实，是修不起来的。学习声乐往往都有急于求成的毛病，都喜欢和别人比，老师也有拔苗助长的现象。主要原因是看到人家学习进步快，心里便着急，心里一急便急于求成，结果误人子弟。声乐教学一一定要循序渐进。在基础训练过程中，帮助学生建立正确的声乐理念，培养学生正确的声乐审美观和正确的声音感觉。
三、培养学生良好的音乐感受力
在进行基础训练时，千万不可光“练声”不“唱歌”。老师必须根据学生的实际演唱能力，安排丰富的曲目让学生唱，要认真分析作品，教学生充分表现好每一首乐曲，哪怕是很简单、很小的声乐作品，不断培养学生的音乐感受力和表现力。在气息练习中，有的人喜欢专门教学生先找气再发声，这样往往造成学生找到了气息，但气息疆硬、不灵活、唱歌呆板，我们不妨让学生在歌唱中找气。其实，歌唱气息是本能的，情绪有了，状态对了，激情来了，气息自然就有了，千万不可故意深呼吸。
总之，在日常教学中，只要我们肯动脑筋想办法，理论联系实际，吐故纳新，与时俱进，就能构建起先进的声乐艺术教学理念。
参考文献：
关键词:校本培训;音乐教师;新课程
中图分类号:G632 文献标识码:A 文章编号:1002-7661(2012)22-129-01
校本培训是指为了满足学校和教师的发展目标和需求。由学校发起和组织,主要在学校中,进行的一种教师在职培训形式。校本培训应追求创新。“‘大而统一’的培训模式单一、僵化、缺乏活力”,难以完成校本培训的任务。校本培训是提高音乐教师整体水平的有效方法和途径。但在开展校本培训工作中,由于诸多因素的制约,影响了校本培训的实效性。具体表现如下:(1)个别学校还未把校本培训工作放到应有位置。(2)音乐教师“充电”意识不强,校内骨干教师、学科带头人欠缺。
(3)学校规模相对较小,音乐学科教师数量较少,不利于相互交流、探讨。
针对以上现状,校本培训应采取以下几种行之有效的措施:
一、名师“请进来”
全国著名特级教师魏书生的经典课例、常州市名师大课堂专题讲座,让老师们亲眼目睹大师们的风采,揣摩大师们的课堂教学艺术,向大师学习。提升音乐教师的教育理念和教育教学能力。
也可观看名师的课堂实录,既可让音乐教师亲身感受名师的风采,又能解决学校资短缺的问题。
二、骨干引领
加强教师队伍建设,全面提高音乐教师素质,打造一个高水平的教师群体,就必须充分发挥骨干教师的带头、示范作用。通过开展系列的主题教研,让骨干教师、学科带头人等先进模范充分发挥作用,帮助教师更加深入系统地研究问题。
三、音乐教师之间相互学习、取长补短、共同发展
充分利用校园网络资源对教师开展校本培训进行研究,扬长避短,探索一些适用的组织管理方式、培训模式、反馈交流方式以及评价手段,以期望促进校本培训的健康发展,提高教师的专业素养。利用网上交流可以促进教师间的交互反思。
四、在反思中提升自己
美国心理学家波斯纳提出教师成长的公式:成长=经验+反思。音乐教师要善于反思自己,学校也要引导教师经常对自己的教育教学活动进行总结,梳理教育教学中的成功与失败之处,积累教学经验,使之不断升华,以便更好地指导实践。在课后反思自己的教学行为,总结自己的教学效果,以审视的态度对待自己的教学过程。并通过举办教育教学反思交流会、教学反思论坛,展示教学反思后的教学效果,汇编教师反思案例等方式,不断地积累、不断地提升,逐渐将零散的教育之珠穿成精美的教育之链。
五、注意的问题:
1、充分发挥领导的模范带头作用 开展好校本培训必须加强领导,领导要重视校本培训。
2、合理安排校本培训工作量 在安排校本培训过程中,不能过重增加教师工作量。爱因斯坦说过:“负担过重必然导致肤浅”。所以,学校要合理安排校本培训工作量,给教师个人以自由发展的空间,使他们更深刻独到的感悟、体会、理解和把握所学到的知识和技能。
3、推进新课程的改革,教师起着关键性的作用 而音乐教师的整体素质、专业素养与新课程的要求还存在较大的差距,在广大教师中、甚至音乐教师中还存在着音乐课是“副课”思想。培训的机会不是很多。教师进修机会少,兼课多;自身素质跟不上,多数教师专业不对口,导致在教学中只能勉强对付上节音乐课。
鉴于此,音乐教师,只有实行同伴互助,提高专业能力的培训模式,才是最行之有效的。在研究实施新课程方案中,加强对“师资培训”工作的研究,建立起新型的教师培训模式有着更为重要的意义。
关键词：中职学生 合唱 思考
中职学校的教学目标是培养生产、服务、管理一条线的技能性人才。在推进职业教育的发展中，明确了发展中国特色职业教育的办学方针：“以服务为宗旨，以就业为导向”，培养综合型人才。在学校的音乐教学中，合唱是一种最直接可行，最能体现合作精神与共处意识，培养集体荣誉感，提高音乐鉴赏和审美的素质教育载体，是对学生进行审美教育的有效手段。通过合唱，可以增强学生的集体意识、能够提高学生的自制力，对性格情操的熏陶，形象思维的丰富，团队合作的培养，学生相互配合意识和集体凝聚力，都起着极其重要的作用。众所周知，目前的中职学生的生源素质较差，学生无心向学、集体意识薄弱、缺乏合作精神，这些问题在一定程度上影响了中职教育的质量。在国家大力提倡发展职业教育的大背景下，如何加强对中职学生的素质教育日益成为职业教育的重要课题。合唱作为一种集体艺术表现的形式，在中职学生的素质教育中可发挥较大的作用。如今的就业形势并不乐观，作为中职学生，毕业后，由于学历低 ，技能差，他实际上面临着很严峻的就业压力。而且，现在的工作和用人单位，都很注重团队合作。对中职学生进行合唱的训练，并不一定能让学生唱得多好，但在训练的过程中，通过演唱一些高尚、健康的歌曲，可以唤起学生积极进取的精神，养成并保持良好心态，在心底积淀起对美好事物的追求，培养团结合作的能力、增强自信心和集体荣誉感。匈牙利著名音乐教育家柯达伊认为：合唱是非常重要的，由集体的努力所完成的音乐作品和带来的愉快，培养了高尚品格的人，这种价值是无法估量的。
一、对学生情况的了解和分析
想要对中职学生进行有效的合唱训练，首先就得了解学生的总体情况。了解学生对音乐、对合唱的认知情况和兴趣程度。经过了解，90%学生对音乐基本都是喜欢的，但是也仅仅是停留在喜欢层面上，70%的学生，在以前的小学和初中阶段，没有很好的上过音乐课，音乐课在他们的中小学学习生活中，都被其他主科老师占用，就算有上音乐课，也只是简单的唱唱歌，对音乐知识基本不懂。他们对音乐的学习更多的是从网络上获得，基本上是凭着兴趣爱好自学。他们喜欢唱歌，但是没有方法，不知道怎么唱。对于合唱，更是不了解，普遍认为大家在一起唱就是合唱。说到合唱，在他们的中小学学习过程中，也只是在某些活动上由老师挑选些学生，进行简单的排练演唱。可以说，学生对合唱这种形式是既熟悉又陌生。所谓熟悉，是因为他们知道合唱就是很多人在一起唱，可是，这很多人在一起怎么唱，他们是陌生的。以笔者所在学校为例，我校从2012年开始设立音乐、舞蹈专业，招收音乐舞蹈专业学生，总共招了三届的学生，十个班级，将近三百人。这些学生，都是没有音乐基础的，仅仅是凭着对音乐的一点喜爱，或者是没有其他更合适选择的专业，所以报读这个专业。在教学中，老师们都发现了这些学生素质低、基础差的实际情况，在教学过程中也面临着种种困惑。在技能教学上，相当吃力。合唱教学中，更是问题多多，音不准，节奏感很差，声音都是大白嗓，排练的出勤率也不高，组织纪律性差等等。这些学生，由于进校以后都有开设声乐、视唱练耳、乐理等专业课程，经过一定时间的学习之后，对音乐及合唱的了解相对会好些。
二、合唱教学的目标和内容
对中职学生进行合唱教学是相当困难的，因此要从最基础的教学逐步进行。
（一）根据学生的年龄特点采取合适的发声训练。使集体的声音和谐统一，圆润流畅，融为一体。
（二）有针对性的进行视唱练耳的训练，难度要适宜。解决识谱、音准、节奏、节拍问题。由易到难、循序渐进。视唱训练中的练习曲难度一定要适中，先是单声部视唱，慢慢过渡到二声部的视唱。
（三）在教学实践过程中，开始有目的地进行二声部合唱教学的渗透。重视训练与实践相结合。探索对中职学生进行合唱训练最具时效性的教学方法。
（四）音准是使合唱队的演唱做到和谐、统一的重要保证。但中职学生音准都是建立在天生的基础上，并没有受过专业的训练。所以音准训练应先从中声区开始，再逐渐向高低音区两边扩展。
（五）用科学的方法组建和训练合唱团，多参加演出和比赛，在实践中锻炼和提高。
三、结合学生实际情况，进行科学训练
《合唱与指挥》作为一门课程，在音乐专业中，是必修的一门课程。笔者在去年开始担任《合唱与指挥》课程教学，以及校合唱团的训练工作。考虑到总体学生的实际情况，作为兴趣小组的合唱团，是以女声合唱的形式进行。合唱艺术是歌唱的艺术，声音训练是必不可少的。对于未受过正规训练的学生来说，要集体的声音和谐统一，融为一体，就必须经过科学的训练，使每个队员都能用一致的方法来演唱，以达到“融合”的境界。合唱的训练，应先从声音训练开始，然后逐步过渡到音准、节奏、音域、咬字等方面。在训练过程中，笔者主要从以下几个方面进行重点训练：
（一）发声方法的训练。训练正确的歌唱姿势和发声方法。培养学生“高位弱声”的发声状态和整齐、统一、集中、圆润、明亮的声音质量。引导学生用正确的发声方法来演唱歌曲，注意气息的控制，声音位置要高，咬字吐字要清晰，结合直声训练，力求做到声音统一、集中。总之，气深、高位、直声三者结合是产生共性的方法。根据学生实际情况，选择适合学生的练声曲，从声部的中声区开始训练，打好基础后再向高低两方扩展。用“u”、“mo”、“lu”等母音的训练，来达到找准共鸣位置，打开喉咙，扩大音量。
（二）音准节奏训练。音准是音乐表现的基础。在合唱中，如果个别学生的音不准，就会影响声部的音准，声部的音准不好，合唱中的和谐音响效果就很难保证了。因此，音准问题，是合唱训练中要重点解决的问题。音不准，是有多方面原因的，比如歌唱的姿势，歌者的心理状态，合唱作品中的力度、速度、音域、节奏变化、咬字等，都会影响到歌唱者的音准。在音准的训练上，应多加强对自然音阶的训练。将自然音阶的全音和半音的关系搞清楚，用固定唱名将音阶唱熟，加强调性的感觉。我们的学生，在这方面相当薄弱。针对这种情况，笔者只能放慢进度，在钢琴上一个一个音的帮学生校对音准，强化学生对各个音高的概念，帮助学生体会音与音之间音高的差距和辨别。跟着钢琴，边听边唱，不断强化。通过音阶模唱的方式，帮助学生建立音高概念。唱完音阶，接着进行二度，三度，四度……等不同度数的音准训练。培养学生唱谱的习惯。而且，在唱谱的过程中，要边唱边打节拍，这同时也是在训练节奏。在大多数的音乐作品中，很多都是二拍子，或者是三拍子和四拍子的歌，学生在唱谱的时候，就要用手轻轻的打着拍子，并且打出强弱拍。这样可以避免学生在演唱时赶节奏或者拖节奏。在二声部合唱过程中，要加强声部之间的配合，注重声音的和谐。
（三）分声部训练。根据学生的实际情况，无论是上课班级还是合唱团，笔者都只是分为两个声部，女高和女低。每个声部先把自己声部的旋律唱清楚、准确，才能够把两个声部结合在一起唱。现在经常碰到的情况是，单声部唱得挺好的，当另一声部进入的时候，两个声部就开始“打架”了，高低声部就会混在一起，要么是音就唱不准了，要么是唱到另外的旋律，被“带跑”了。原因还是自己的旋律没有掌握好。在掌握好自己声部旋律的基础上，要有意识的培养学生“唱自己的，听别人的”的观念。在合唱中，不是自己把耳朵捂起来，然后拼命唱就可以的，在唱好自己旋律的同时，要时刻聆听另外声部的旋律进行，注意体会和声的准确性和声音的融合性。在合唱教学中，分声部训练是必不可少的，但最终，都以二声部的融合协调为最终目标，整个训练过程，其实就是一个不断磨合的过程。
（四）小型歌曲的训练。多排练、演唱一些简单的二声部歌曲，加强学生对合唱中和谐统一的和声的体会。同时也可以积累一定数量的合唱作品。同时，通过多媒体、现场观摩等方式，让学生多听、多看优秀的合唱表演，加强学生对合唱之美的认识和体会，同时丰富学生的音乐视野。比如，给学生看了2010年笔者作为福建合唱团中的一员，参加中央电视台第14届青歌赛合唱比赛的视频，让学生观摩全国最高级别的合唱比赛，去体会和感受合唱中最美的声音。
（五）形体训练。适当开展形体训练，培养同学们良好的台风。在台上要昂首挺胸，精神饱满，面带微笑，落落大方。当需要进行适当的表演动作时，要求动作整齐，动作和表情，以及歌曲协调统一，不能因为做了动作，而影响了声音的发挥。
四、注重实践，在实践中深化和提高
一、让学生感受语言的魅力,用语言的功能促进音乐教学
语言本身包含了节奏、音调、音色、强弱等音乐元素,与音乐有着异曲同工之妙。音乐教学中应从声调的高低和语调的轻重缓急两个方面进行训练,既可以结合节奏,也可以结合动作来进行语言训练,而不是单纯、孤立地,“为语言而语言”地单纯朗诵地来进行训练。
古诗词是我国文学史上最早产生的艺术形式之一,是我国民族艺术的瑰宝。它在最初阶段总是和音乐舞蹈结合在一起的。如我国最早的一部诗歌总集《诗经》, 其“风”、“雅”、“颂”就是当时黄河流域各国的民歌、民谣和祭祀歌曲,在当时都是能演唱的歌词。在《尚书》、《虞书》以及《吕氏春秋》的“古乐篇”中,也都生动地记录了诗、歌、舞同源和三位一体的情况,只是到了近代才出现了脱离音乐和歌唱的纯诗歌作品。但是,这些作品至少还是可以吟咏的,还保留着与音乐相近的某些韵律特征。我国的唐诗、宋词都是我国语言艺术的珍品,她因和谐之美、韵律之美、艺术之美而被人们广为传颂。我们应当把她当作音乐教学中的使用语言来广加采用,以充分发挥它对促进音乐教学的积极作用。
二、让学生参与音乐表现,在音乐表现中感受和鉴赏音乐
动作是一切动物本性的体现,一切物质都离不开运动。所以,动作与音乐的结合,是人性最自然的本能体现,动作、舞蹈结合音乐、游戏,应当在音乐教育和教学中,得到系统、全面地训练,使之成为体现并塑造学生性格、培养其仪表和情操,促进人际交流、集体协调以提高情商的一种重要手段。音乐与动作结合,是音乐教育和舞蹈教育应有的形式,舞蹈教育从来未曾脱离过音乐,学校音乐的教育和教学,理应至少相当一部分地结合动作去进行,而不应当纯音乐地进行,使学生完全游离于综合的整体(尤为语言――动作――音乐这三位一体)之外,成为孤立、抽象、片面的教与学的对象。
节奏本身便是包罗万象的学问,节奏学在西方早已成为一个独立的学科。节奏是音乐的基础,也是音乐、舞蹈、诗歌的“呼吸”和生命线,而节奏的主要来源是语言和动作,所以,节奏(尤其开始的阶段)最好结合语言和动作来进行训练,这样更生动,也更有吸引力,然后才可以单独去进行。
歌唱的基础是发声,不仅唱歌,说话也存在发声、运气等一系列问题,都必须科学地、从基本点起加以训练、学习和培养。
三、让学生学会演奏音乐,掌握学习与发展的 “主动权”
音乐教育应以声乐为基础,但器乐也是不可忽视的。过去的音乐教育,都用民间乐器来进行普及的国民音乐教育。由于存在演奏技术和读谱的问题,致使大多数人望洋兴叹并知难而退,又或只能陷于机械操练,形成枯燥、僵化的被动灌输和手手相授的学习境地。可喜的是近年来,随着素质教育的全面实施,人们对艺术教育功能的认识不断提高,音乐教育的改革也得到深入发展,对青少年器乐演奏能力的培养得到相应的重视,从家庭到社会,有了这方面的环境和土壤,校外教育中的器乐学习热到小学生可以普遍“器乐进课堂”,几乎每个孩子都掌握了一到两件常用乐器的演奏技能,这对于孩子潜在能力的开发和自信心、自控能力等综合素质的培养都起到了积极的作用。
【关键词】音乐 导入 五分钟教学体系
【中图分类号】G622 【文献标识码】A 【文章编号】1674－4810（2011）22－0124－01
一 导入教学的困惑
导入能激发学生学习音乐的兴趣，引起学习的动机，引起对所学课题的关注，进入学习音乐的状态，为新知识做铺垫，明确音乐学习目标，形成学习期待。一堂音乐课中导入环节设计得很好，安排得当，整个教学就会先声夺人。但并不是所有音乐课的导入都是那么有用的，有时教师把握不好导入的内容及形式，也会破坏一节好的音乐课。以下是我在音乐公开课的导入中发现的几点问题：
1．音乐课导入过于冗长
音乐课的导入是简短的、灵活的，是为了吸引学生的注意力，激发学生学习音乐课的兴趣而设置的。它的时间一般在五分钟左右，有些音乐教师的想法很好，为了导入做了很多准备工作，但是把导入做得过于冗长，就会让简单的旋律变得复杂。
2．音乐课导入只为了做花架子
在倡导新课标形式下的音乐课，有些教师在音乐课上追求形式美，在导入的环节上大做文章。结果这样的导入在外人看来就是花架子，是为了导入而做的导入。
3．音乐课的导入牵强附会
有些教学内容看似和音乐课有关，其实和音乐课的内容是不相符合的，根本不能为音乐教学服务。例如：四年级音乐课《小鸟，飞到这里来》，老师其实只要一句话“我们想要让小鸟和我们做邻居的话，要给小鸟提供什么样的生活环境呢？”就能引出课题。然而上课时，老师用多媒体花了很长时间播放一只受伤的小鸟在树林里飞的画面，用了很多的提问才把学生引导到与本课有关的话题上。其实这种做法浪费时间，难避牵强附会。
二 导入困惑的解析
在新课标出台中导入作为一项标准，成为教学的规范。就是这五分钟的导入让音乐教师绞尽脑汁，花费心思，往往造成环节拖沓、冗长。为了提高学生的学习兴趣，导入往往要具有新颖性，要关注学生的反应而不关注课堂的实效。
三 课堂教学经验总结（五分钟训练系统）
小学音乐课应该是学知识、学技能的阶段，不能把时间花费在无效果的导入环节上。那我们应如何解决这一问题呢？我在自己的教学过程中总结出了以下几点经验。
1．课前五分钟欣赏
在音乐教学活动中，我们缺失了学生听觉的训练，怎样让音乐变成听觉的艺术又能兼顾学生的歌曲学习呢？平时我针对不同年级进行不同的课前五分钟音乐欣赏，在欣赏曲子的同时要求学生闭上眼睛，仔细聆听，让学生沉浸于音乐的世界中、感受音乐、触摸音乐和音乐对话。欣赏完音乐之后老师再引导学生分析音乐。经过长期的积累，我相信学生的音乐听觉会有不同程度的提高，对音乐的鉴赏能力也会不断升华。如三年级音乐课《金孔雀轻轻跳》，在学习这节课前我请同学们闭上眼睛，用心欣赏《月光下的凤尾竹》，让学生沉浸在优美舒缓的音乐声中，感受西南少数民族的音乐风情，同时也激发了同学们对少数民族音乐的喜爱。经过这五分钟音乐欣赏的洗礼，学生不自觉地就进入了音乐课堂。也为本节课的音乐教学奠定了基础。
2．课前五分钟节奏练习
节奏是音乐的骨架，如果没有骨架，一首歌曲就像一堆烂泥，不成块。怎样让学生掌握好一首歌曲的节奏，这就要求我们针对学生的实际素养总结出节奏培训体系，分层进行指导教学。课前五分钟节奏练习的实施，能让学生融入到学习活动的气氛中，刺激孩子们的挑战心理，激发学生的学习兴趣。内化歌曲的节奏进行练习，解决歌曲节奏的难度。如：三年级音乐课《跳到我这里来》，重点是在课前训练阶段融入竞争意识，既增加了学生兴趣，又解决了教学重点，课前五分钟节奏练习，是对课堂的一个补充拓展。
3．课前五分钟试唱（旋律）练习
旋律是音乐的灵魂，人若没有灵魂就犹如行尸走肉。那音乐如果没有了灵魂就犹如噪音般刺耳，没有了生命力。为了唱好一首歌，音准是最起码的要求，在没有受过专业训练的农村孩子面前，音准是一个很大的难题，特别是跨度比较大的旋律，学生很难唱准。如何轻松地解决音准问题？我提出了课前五分钟旋律试唱练习。如三年级音乐课《如今家乡山连山》，此课旋律跨度较大，容易跑音，在课前训练时我提炼出旋律中的难点进行试唱练习，这样既能达到训练的音准，又能达到发声训练的目的。
小学音乐课需要扎实的课堂基础，需要音乐教师用心浇灌课堂。音乐课要让学生学到音乐知识、音乐技能、音乐鉴赏能力，这样的音乐课才是对学生有用的。在实施素质教育的今天，小学音乐课前的五分钟应如何最大限度地发挥作用，希望广大音乐教育者用心思考。
参考文献
［1］吴洪彬.音乐教学走向综合的两点思考［J］.中国音乐教育，2006（06）
［2］殷瑛.音乐课堂要适当“留白”［J］.中国音乐教育，2006（11）
【关键词】 视唱练耳课程；基本特征；重要性
视唱练耳的目的在于组织发展学生的音乐听觉，并让学生通过训练将听觉运用到创作和表演中去。所以视唱练耳是音乐教育的基础和根源。学生只有重视视唱练耳的训练，才能真正将音乐与感情有机的结合起来，最终达到学以致用的目的。就目前社会来看，音乐文化向着多元化发展，很多不同的音乐类型应运而生，而不同类型的音乐面对着不同的听众代表了不同的文化。所以如何将这些音乐文化合理的加以区分，发扬各自的特点就需要从基础出发将音乐与实践联系起来学习。所以笔者就从视唱练耳学科的特征出发具体论述其重要性。
一、视唱练耳课程的基本特征
视唱练耳作为音乐专业的必修课程，对音乐教育起着服务和奠基的作用。其覆盖面很广，涉及到一切音乐领域，所以学生在对视唱练耳学习时能充分了解各个音乐领域对音乐的认知。所以正确的定位视唱练耳课程是学好音乐的必要途径。视唱练耳课程具有分别是基础性和长期性，下面笔者就对这两个特征具体分析。
1、视唱练耳的基础性
视唱练耳是学习音乐者所必修的课程，也是音乐教育中被重视的基础课程。其视唱练耳涉及面极广，对许多专业都发挥着重要的作用。比如作曲专业的表现形式为创作，声乐专业的学习主要是表演。虽然不同专业的学生对视唱练耳的核心理解不清，但是不可否认的是，视唱练耳对每个专业都起到了特定的作用。所以视唱练耳的基础性是显而易见的。
2、视唱练耳的长期性
视唱练耳并非是一朝一夕之功，而是伴随着整个音乐生涯的一门课程。学生在从事音乐事业的时候，更应该切实把音乐学习和音乐实践结合起来，进行具体的创作和升华。在进行视唱练耳训练过程中，一般分为内、外两种表现形式的训练。对内训练就是对听觉训练，并从感性出发提高内心对音乐的感知能力。而对外训练则是更多的对表现形式进行培养，让学生通过各种方式表现出音乐的内涵。所以只有长期琢磨实践才能内外结合，内心感知音乐的内涵，又能通过表演形式加以展现。所以视唱练耳的长期性也表现在这个地方。
总体来看，我国大学对音乐演奏的教学质量并不算高，这是因为我国大学音乐类专业的教育现状并不尽如人意。很多音乐类专业教学过程的模式化让学生很难真正学到音乐艺术的灵动风格，只会泛泛的模仿，这是音乐专业教学亟需除去的教学弊病。
二、视唱练耳学习的重要性
对于教育来说，每一门学科的发展都需要经历很长时间的实践和总结。视唱练耳学习也是如此，视唱练耳学科最初从西方引进，直至今日的创新化发展都说明了视唱练耳课程在不断地进步当中。我国目前的视唱练耳教学体系不断的完善，教材和教法也不断的创新，正是因为视唱练耳的重要性被音乐学者认识到。而具体来说，视听练耳的重要性主要从以下四个方面表现。
1、视唱练耳对音乐基础的训练作用
视唱练耳系统来分可以分为“视”、“唱”、“练耳”三个部分。分别是识谱、演唱和听辨三项技能。识谱是对音乐学生对谱的认识和创作打下基础的主要方式，而演唱主要以表演的形式表达出音乐渲染力的方法，听辨则是内心感知音乐内涵的主要途径。所以三种技能都是对音乐认知的基础训练。同时，视唱练耳的学习过程中还具有音准的训练和节奏的训练等，音准的训练是在教学过程中让学生明白发声的原理，通过不同的发声技巧进行演唱。对于节奏的训练则是为学生的实际表演打下基础，节奏是音乐的基本内容，更是音乐的核心所在。有些人在学习过程中习惯打拍子或者不打拍子跟不上节奏，这是很容易发生的情况，所以对节奏的培养也是加强学生对音乐掌控能力的具体方法。所以说视唱练耳对学生基础的训练起到相当重要的作用。
2、视唱练耳对学生音乐表现力与想象力的培养
音乐的表现力是音乐工作者通过不同的工作方式让音乐彰显出某种特有的文化。一般是对音乐的艺术风格、特色、创作手法等进行着重的设计与凸显。在学生演唱时，应该通过自己的表现方式将音乐的这种文化内涵表现出来。视唱练耳训练就是让学生能更多的接触音乐表现模式与表演方法，让学生对音乐表现力加深理解和应用，最终完善到实际表演中去。学生对音乐的想象力是学生了解音乐的主要途径。音乐表现的内容并非是实际的事件，而是需要学生利用想象力将音乐与实际问题结合起来，将音乐的抽象感情赋予到具体的事件中去。比如我国古典音乐与古典文化典故的结合成为我国目前古典音乐的流行之风，这本身就是音乐人利用想象力对音乐的理解和表现。所以视唱练耳对学生表现力与想象力的培养也起到了极为重要的作用。
3、视唱练耳对乐感和音乐感知力的培养作用
声乐是一门有声的艺术，通过具体声音的表现传播音乐的内在文化和感情。所以学生需要对音乐的乐感以及感知力加以培养，视唱练耳就是对乐感与感知力进行培养的最好方法。乐感的培养主要集中在对音乐的表现方式的理解与感受，比如节奏的变化、表演的细腻等具体情况。因为音乐是一种变化的动态艺术，而且是通过对节奏和演奏速度的起伏与控制的声乐艺术。对音乐的感知则是通过了解音乐的创作背景以及创作思想从而了解音乐的内涵，也只有对音乐作品的内涵和背景深入理解之后才能真正表演出音乐的内涵。但是这种能力是需要通过严格的视唱练耳才能获得的。所以视唱练耳对乐感以及音乐感知力的培养也起到了非常重要的作用。
三、结语
视唱练耳在音乐教学中是必要的，因为视唱练耳是整个音乐教学体系的基础。只有通过视唱练耳的严格训练才能让学生对音乐产生感知和对音乐本质的认识。在具体表演过程中，学生应该将视觉、听觉和声音有机的结合在一起才能真正达到传播音乐内涵的目的。所以在学习和训练过程中，视唱练耳发挥了不可替代的作用。所以在大学对音乐教育的过程中，需要通过不同的教育方式与教育技巧进行科学的教育。具体到音乐课程的教育来说，笔者认为，大学应该多开设相关课程提升学生钢琴演奏表现力与想象力、学生乐感和音乐感知力等。同时，对于钢琴演奏专业仍然需要基础的视唱练耳训练，并注重对学生艺术外功的重点培养才能让学生从技巧和意境上都能达到较高的思想层次。
【参考文献】
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[2] 周云杰.视唱练耳对声乐技巧的作用和影响研究[J].艺术百家，2014（2）209-211.
[3] 黄茜.多元与综合――新时期本科视唱练耳教学探索[J].黄钟-武汉音乐学院学报，2012（1）157-164.
论文关键词：音乐—表象教学法 高校 体育舞蹈教学
论文摘要：提出了将音乐—表象教学分三个阶段，并将音乐—表象教学法与常规教学方法结合的方法向鼻尖，结果表明音乐—表象教学法明显优于常规教学方法。
体育舞蹈是一种在音乐的伴奏下完成的运动形式，它以不可抗拒的诱惑力深受大学生的喜爱，并且陆续进入我国高校的体育课堂。在教学中，运用合理、科学、有针对性的教学方法能够有效的提高教学效果，从而使这种具有健身、健心、市美等功能的体育项日在高校中得到广泛发展，同时进一步推动了高校的素质教育和贯彻了“健康第一”的指导思想。然而，体育舞蹈在我国起步较晚，教学研究方面相对其它体育项目发展缓慢，突出表现在没有适应普通高校教育目标的体育舞蹈课程体系，没有统一的教材，大纲，缺乏针对性的教学方法。近两年，有关人员在这方面付出了不少努力，但远远不够，需要更进一步研究。
音乐—表象教学法的程序为:认知音乐的节奏(教师在音乐的伴奏下，讲解所学舞种的特点)、音乐节奏与一般动作的结合(教师在音乐中先示范找出音乐的重拍或快慢节奏，并与手击掌或踏步节奏结合，学生听音乐跟随练习，换曲目学生独自练习)、音乐节奏与舞种基本步伐的结合(教师讲解示范、组织学生口令与配乐练习并与常规教法相同，然后进行这一简单基本步伐的音乐—表象训练)、音乐节奏与舞步基本步伐动作小组合结合(口令练习和音乐练习之后进行音乐—表象训练)、双人配合实际练习。总结起来:对照班所用常规教学方法与实验班所用音乐—表象教学方法与常规教学法在这一阶段中所达到的教学目的相}司。对照班所用的教学程序是:动作、动作与音乐结合的实际练习;实验班所用的教学程序是:音乐、动作、音乐与动作相结合(在其中运用音乐—表象训练与实际练习相结合)。
在实验班每一舞种教学的开始，当优美的音乐响起直接作用于学生的中枢神经系统，提高他们大脑的兴奋性，接着教师就在优美音乐中，讲解体育舞蹈这一舞种音乐的节奏、旋律与特征，使学生在一种舞蹈的意境，在音乐中产生联想，激发学生的兴趣和情感，同时产生想学动作的欲望和情感的体验。这也就是古人云的“情动于中而形于言，言之不足，故嗟叹之:嗟叹之不足，故咏歌之:咏歌之不足，不如手之舞之，足之蹈之也。”这种音乐教法的先入为主，是对体育舞蹈音乐认知的过程，音乐节奏与一般动作相配合(如:击掌或踏脚)，音乐节奏与舞蹈基本动作(基本步伐和基本舞姿)相结合，是对动作与音乐内在统一性的认识，也使学生更容易在优美的旋律和特点突出的音乐中提炼出鲜明的节奏。依据Paivio的理论，表象训练对运动行为的影响是通过表象训练的认知功能与动机功能两方面实现的，大量结果也表明，低水平的运动员或初学者更得益于表象的认知功能。
在学习动作的教学中，教师依据由易到难、循序渐进教学原则，运用常规教法进行完整示范(在音乐伴奏下)讲解，同时配合第一次音乐—表象训练，“模仿”是一种运动技能形成的必经阶段，如果对教师完整、优美的示范动作有清晰、完整的视觉表象，就有利于正确动作的形成。视、听觉表象形成的记忆储存时间短(通常在30秒，一般不会超过1分钟)，在这个时机进行音乐—表象训练，是加强听觉单元与视觉单元的连接强度，同时，使视觉表象的动作更清晰，借助于已获得的视觉表象，使大脑皮层中相应中枢产生兴奋，神经冲动沿着早已拓通的暂时神经联系通知到相应的)肌肉群，引起动觉。音乐—表象之后与配乐实际练习(包括口令练习，注重基本动作的细节，包括基本步伐和基本舞姿)相结合，学生基本达到音乐与舞种基本步伐的统一，基本动作的基本正确。
以华尔兹A线套路学习为例，在进行音乐—表象训练中，表象任务分三个阶段，是随着暗示语的层层深入，逐步发挥音乐—表象训练法的效果。在实际操作中，第一部分为准备阶段，“深呼吸2次，轻轻的微闭双眼，全身放松，现在排除一切杂念，将注意力集中在教师的脚上，进行A线的视觉演练。”明确表象的内容和进行表象前的放松，同时音乐起进入第二阶段，第二阶段为基本阶段，“现在，教师正随着音乐翩翩起舞，你“看见”教师前进和后退的第一步总是踩在音乐的重拍上，A线第一个步伐开始(音量变小)并换步-右转-并换步-左转-佛步，下面将注意力集中在教师的上体，你“看见”教师随着音乐升降、起伏和摆荡，重复表象A线一遍……”第二阶段起优美的、相应舞种的音乐，学生认知音乐并从中提炼相应舞种的节奏，优美的音乐提高神经系统的传导速度，改善大脑的血液循环，有助于集中注意，依据连接主义理论，随着听觉单元(音乐)与视觉单元(动作)的连接强度在第一阶段的增大，当听觉单元激活量达到能引起的激活模式，不需要任何视觉输入(实际动作)，就能由听觉单元输出影响视觉单元的激活的模式，即当舞种音乐与相应的基本动作建立起牢固的关系时，相应的音乐一定唤起相应教师或“自己”优美动作的视觉表象，接着在音量变小音乐的控制下，在学生大脑中发挥表象的一般认知功能，也就是具体动作的表象，在音乐节奏与旋律暗示下，感知连贯动作的方向，路线，一个动作促进另一个动作的出现，如在哪里没跟上音乐，重新表象一遍。这也是发展学生的时间感和节奏感的过程。Suinn认为表象训练中的表象不仅仅是单纯的表象，而且是一种身体上的思维，实验也表明，实验班的熟练程度明显好于对照班，音乐—表象教学法有助于动作的熟练和加深套路动作的记忆。第三阶段结束阶段“现在大家什么也不想，任你的思想随音乐飘波-(音量变大)深呼吸2次，慢慢睁开眼睛。”华尔兹的音乐是以优美、抒情、明朗、动人的特点著称，而优美的音乐会使年轻人产生丰富的联想，产生抒情，把个体感受的情感带入舞蹈动作(舞步和姿态)中，会形成具有个人特点的华尔兹，同时在紧张的大脑工作后，使学生进行适度的放松。
在进行音乐—表象训练中，教学第一阶段运用音乐—表象训练，可以使舞种的音乐与基本动作更好的结合，有利于建立和巩固基本动作的动力定型。第二阶段和第三阶段的套路教学期，运用音乐—表象训练，加强了音乐与动作的配合，抒发个体情感，也有利于套路动作的熟练和加深记忆。结果表明学生运用音乐表象训练法和实际练习相结合的方法明显优于实际练习的方法。音乐—表象教学法与常规教学方法结合的方法明显优于常规教学方法，因此，在体育舞蹈教学中，音乐—表象教学法是提高教学效果的有效途径之一。
参考文献
合唱指挥培训心得体会一音乐艺术不仅是一门知识，更是一种内心体验，一种音乐审美愉悦的体验。而合唱是一门综合性的艺术，对学生的要求较高，尤其对于儿童，训练起来难度更大。在大力倡导素质教育的今天，童声合唱以作为声乐艺术的一种，是小学音乐教育中不可缺少的一个重要组成部分。它不仅能引导学生步入丰富多彩的音响世界，启发学生学习音乐的兴趣，并获得美的熏陶，而且可以培养学生对音乐的感受能力和表现力，增强艺术修养。特别是让学生具有相互协作的团队精神，具有更重要的意义。合唱能人们的多声音乐思维能力，培养人的多声听觉，是人具有一个音乐的“耳朵”，它也能培养人的音乐结构思维能力，世人对音乐结构形成完整的观念。
通过此次活动的学习让我受益匪浅，在学校学习的音乐课中，只是学习一些很基础的知识，学习简单的乐谱、简单的乐理知识，而没有更深层次、更系统的去学习，之前的误区是反正只是小学的音乐教育，小朋友什么都不懂应该不需要那么多的要求，所以平时的音乐活动中，也就是让孩子熟悉歌曲旋律、节奏、歌曲内容，多教小朋友几遍会了就可以了，最后只要小朋友都会了，把歌曲唱出来加上简单的舞蹈动作就算完事了。而通过这次学习后才知道，小学的音乐教育也来得这么的重要，让我从观念上、从理论知识水平上、方法与技巧上都得到了很大的认识和提高。童声合唱训练是一个连续而又循序渐进的过程，绝不能急于求成、赶鸭子上架。它需要指挥、学生等各方面全身心的投入，互相配合来演绎出优秀的作品。在训练中，我们注重的是让学生用心在歌唱作品，真正的发自内心深处呼唤，而不是刻意去模仿或热衷于一些形式的东西。我们不仅要让学生歌唱的美，更重要的是提高他们对作品的理解能力，提高他们的艺术修养，让他们的品质变得崇高，把我们祖国的未来培育地更娇，更艳。在培训活动中，专家通过讲解让我了解合唱中的种种概念问题，以下是我在本次学习中的收获
一、合唱中的种种概念问题:
1. 在和唱中音准的重要性，如果唱不准音调，要用琴反复练习，直到唱准为止。
2. 知道自己声部是什么。首先要了解学生(演唱者)是哪种音色，唱哪个声部，还要保持自己的音色特点，在合唱的时候一定将自己的声部唱熟，一般应该背普演唱以免影响整体效果。
3. 合唱团体的挑选也是尤为重要，不是说话声音的响亮他就是高音，说话比较低沉就是低音，而在挑选中更应该注重的是音准和节奏好的同学，而且还不需要太有特点的同学，这样的话合唱的声音才会更加的协调。合唱强调的是和谐、共性，而且还需要良好的心理素质。
4. 合唱是一个整体，大到突出的声音、表情、姿态，小到衣服穿戴、纽扣，都有极大可能地影响整体，集体荣誉感。艺术创造的热情与主动精神，是每个人都应重视解决的问题。只有当合唱团成为一个严密纪律的、团结而和谐的整体，才有可能表现出真正的艺术。
二、新歌的处理及表现
1. 合唱歌曲的练习，首先熟悉歌词，唱熟曲谱，唱出音高、节奏、附点、装饰音及快慢、强弱的基本要求，再唱熟词曲的基础上加深对歌词内容和曲调特色的理解和感受。
2. 根据演唱者的声部练习让演唱者对思想内容历史背景、感情基调、演唱风格进行深入细致的研究，研究歌曲的曲式，分段分句各段间的速度、力度的变化和对比，而歌唱的艺术魅力取决于情感表现的深度。以情带声、声情并茂不是即兴而发的一时冲动，而是经过精雕细刻的艺术处理的硕果。
3. 歌唱的呼吸练习。合唱必须有有统一的呼吸时间与呼吸方式，以求得起声上的一致和情绪上的统一。
4. 歌唱的姿势练习。身体自然、精神饱满、富有表情，动作大方简练两眼平视前方。
三、合唱指挥的技巧讲解
指挥是合唱中的中心人物,要把自己对作品的意境、内涵理解、具有对音乐感受和审美要求是通过手势语言传递给合唱队员,合唱指挥的任务是把作曲家和合唱队与听众之间交流感情的钮带相互默气的连接起来，是合唱艺术表现中的主宰和灵魂，所以我感到一定要加强合唱指挥自身的指挥技巧能力及基本素质的培养,才能达到合格的指挥标准,才能提高合唱的艺术水平，既然指挥作是合唱过程中的重要角色,首先要把自己对作品的意境、内涵理解、音乐感受和审美要求通过手势语言传递给合唱队员,看来合唱指挥的地位是很重要的。
指挥在音乐实践中十分重要，尤其是在合唱中显得十分重要，只有正确、清楚地作出指挥的各种拍节图式，才能正确理解音乐语言，拍节图式是指挥的运用手势、表情、身体动作把音乐节奏演化成的一种直观的音乐语言，借助这种直观的音乐语言，指挥者要把对音乐的要求及在演唱中的意图传递和表现出来，以达到最佳的演唱效果。所以，我们在平时学习指挥的过程中，应对各种指挥的拍子图式准确掌握，要正确演示，这是一个学习音乐合唱指挥者的重点基本功之一。
作为一名音乐指导教师，只有不断地提高自身的艺术修养才能更好的运用到平时的教学实践中。只有把学到的东西运用到平时的训练中，真正的感受到了合唱教学的重要性。
而音乐合唱教学，是学校的美育的一个重要途径。我们每一位音乐教师的工作者任重而道远，需不断学习，在学习的过程中提高自身的素质,更好地服务于教学。我也会不断体会﹑理解所学知识,并运用到实际工作中。
合唱指挥培训心得体会二本学期我参加了《河北省中小学合唱指挥培训班》，不仅听了专家们的精彩讲座，同时也观摩了部分学校的合唱教学示范课,真是受益非浅,现简要谈谈这次培训的心得体会。
给我印象最深的是专家们朴实的教学态度，他们没有班门弄斧的讲一些大道理，而是就合唱训练中最实际的问题一一做以解答。邱孝胥，国家一级指挥，中国音乐家协会会员，中国合唱协会常务理事，国际合唱联盟会员，福建省合唱协会会长，福建省歌舞剧院常任指挥，福州大学、福建音乐学院客座教授，省音协室内合唱团团长兼首席指挥，省老干部合唱团艺术总监兼指挥。他给我们详细的讲解了合唱指挥的基本拍和变化拍子指挥方法，他风趣的讲课风格，让我们在紧张的培训中度过了非常轻松的2天多的时间。邱老师的一句话让我记忆深刻，那就是“合唱没有我，只有我们。”曹丁——著名指挥家、国家一级指挥，现任上海歌剧院首席指挥、中国交响乐团合唱团常任指挥、上海音乐学院兼职教授、浙江传媒学院客座教授。曹丁老师浑身散发着艺术魅力和人格魅力的光芒，他对艺术及教学的严谨态度，在当今充满浮躁之风的社会里尤为显得鳯毛麟角，我有幸能听到曹老师的讲课非常的高兴。这次的培训也让我受益匪浅。
在大力倡导素质教育的今天，童声合唱作为声乐艺术的一种，是小学音乐教育中不可缺少的一个重要组成部分。它不仅能引导学生步入丰富多彩的音响世界，启发学生学习音乐的兴趣，并获得美的熏陶，而且可以培养学生对音乐的感受能力和表现力，增强艺术修养。特别是让学生具有相互协作的团队精神，具有更重要的意义。我们知道，买了一把好琴，如果没有专业人员的调试，那它流淌出来的音乐肯定是牵强而又不尽人意的。
同样，一个童声合唱队，如果没有指挥精心调试那几十种各具特色的童声，又怎么能获得优美而又和谐、统一的声音呢?而且，对于音乐课堂教学中的合唱练习也同样需要一步步精心的调试过程，这样才能为一个优秀的童声合唱队打下良好的基础。那么，如何来调试合唱训练中出现的一系列矛盾，从而最终达到明亮而又优美、统一的声音呢?
合唱是一种典型的集体艺术，其统一性和整体性取决于各个合唱队员良好的素质，要调试好童声合唱队的声音，队员之间强烈的相互配合意识及集体的凝聚力是成败的关键。而做到这一点首要的前提是合唱队要有良好地纪律。我们知道，小学生生性活泼好动，思想也容易不集中。而合唱队的人数一般都要在60人左右，如果没有良好的纪律，训练时学生肯定心不齐，六十个人就有六十种声音，甚至于讲话声、打闹声都会出现;或者训练开始了，人却到不齐，这更是训练中的大忌。因此，新队员一加入，就要规范好队员的行为：不迟到、不早退、有事要请假。每个队员心中都要把团队精神放在第一位，杜绝自由散漫的坏习惯。逐步培养学生的集体意识，为以后合唱队员之间良好的协作打下坚实的基础。当然作为老师，也应在各方面身先力行：认真备好课，上课语言表达清晰，不迟到、不请假，处处以身作则，为学生树立榜样，而起到表率的作用。解决好了合唱队的纪律问题，训练一开始，同学们在发声练习中就能做到：心齐而气息平稳，讲授的发声方法领悟快而声音和谐。这样就提高了合唱训练的质量。
每个人的声音都各具特点，在训练中既要看到儿童发声方法与成人发声方法原则上的一致性，又要注意到儿童声带的生理特点：气息浅、声音稚嫩、对声音的强弱控制能力较差，这样就容易导致合唱中出现整体声音的不协调及音色的不统一。
如何调和不同音色之间的矛盾呢?
首先：气息的调和在合唱气息训练中，首先要求学生保持好正确的站立姿势。然后给学生作示范：用腹式呼吸闻远处飘来的花香，停顿一秒后，再缓缓地呼出;或用双手斜拿着歌纸，用控制的气息即腹式呼吸法对着纸角均匀的吹气，而且要使纸角的振动保持一致的频率，不能一会儿弯一会直。通过这种方法，训练学生控制气息的能力，然后逐渐使学生达到气流平稳的目的。然后再用“呜、噜”等容易使声音达到和谐统一的母音来练习歌曲。在这基础上再进行歌曲的各种力度变化的训练。
其次：真假声结合的训练，童声合唱训练，在练习气息的基础上更应着重于真假声结合的训练，这样的歌唱不但音色柔美丰满、音质清晰干净，而且发声动态轻快灵巧，强弱变化也运用自如，声音明亮而不喊叫，柔和而不虚弱，而且宜于协调统一。在训练中，运用以假声带头声的科学方法。先让学生尽量打开并放松牙关，然后找打哈欠的感觉进行多次练习。感觉找到后，就让学生在高位置上采用真假声相结合的歌唱化方法朗读歌词，激发了学生模仿的兴趣。然后用气息深位置高的方法来发声练习，再引入歌曲教学，从而使歌唱的声音得到进一步提高。
作为一名合唱队指挥，只有不断地提高自身的艺术修养、总结自己的排练实践，用生动、活泼、形象的语言，引导学生有目的、有要求的一步一个脚印，扎扎实实地前进，那么在不懈的努力中，合唱中所要达到的和谐而又柔美统一的声音，将离我们不再遥远!
总之通过这次的培训活动，我深深感受到合唱是一门讲究集体力量的声乐艺术，合唱的艺术魅力在于其协调均衡的整体效果和统一和谐的集体感觉。这种集体感的树立必须经过长时间的磨练，是经过合唱指挥和合唱队员的团结协作、共同努力后逐步培养和形成的。合唱生于群体，依赖于群体。这个群体有着共同的创作目标和共同产生谐和之音的心灵素质。每个人对群体中的他人所发挥的声部支持作用都会产生由衷的感激和爱意。这是真正的团队精神、集体主义精神。通过这次培训我发信我喜欢上了合唱指挥，也希望以后经常参加一些这样的高质量的培训班，更进一步的充实自己的专业。
合唱指挥培训心得体会三20xx年12月25，在区教育局和少年宫领导的大力支持下，我参加了区音乐教师的童声合唱与指挥的培训，我目睹了高健老师李强教授的教学风采，倾听了他的精彩讲座，真是受益非浅,现简要谈谈这次培训的心得体会。
在培训中，高老师和李老师认真负责系统的进行着培训，他们的精神感动了在座的每一位学员，大家激情高涨，都仿佛又回到了学生时代，如饥似渴地汲取着‘营养’。他由什么是“合唱”开场，直接而具体;介绍了合唱声部的音域，混声合唱的写作手法;具体讲解了合唱的协调、均衡与协和;介绍了合唱队的各声部人数配备：合唱队组建训练。童声合唱中具体讲解了童声期的三个阶段;童声合唱中的呼吸训练;童声合唱的发声训练及基础训练。指挥法的中心任务和原则，指挥的基本姿势及基本图示，在击拍法中学习了三种即直线型、曲线型和混合型。结合具体的合唱作品指导音乐教师在指挥中出现的不
足。让我们每个音乐教师受益匪浅。
现将几次的培训总结如下：
(一)合唱指挥基本要领口诀
1、原则：省、准、美
2、姿势正确、 眼神启发
3、拍点清楚、 图示规范
4、起拍收拍明确果断
5、句间换气提示恰当
6、“主动”明显、“被动”含蓄
7、旋律线条起伏相应
8、遇有必要运用分拍
9、“快”小“慢”大、“快”并“慢”分
10、“强”大“弱”小、“强劲”弱“驰
11、“延长“弹起保持时值
12、“休止“停顿保持气氛
(二)多声部合唱指挥要领口诀
1、熟背总谱
2、明确位置
3、双手分工
4、眼睛注视
5、耳朵倾听
6、及时换气
7、掌握协调
8、启发情趣
(三)指挥的三个基本原则
1、准确：指挥的动作在任何时候都不能含糊和犹豫。
2、节省：提倡以最节省的指挥动作来达到最好的演出效果，没有过多的花样和无目的的多余的指挥动作。
3、美观：一方面在外形上应保持整洁和大方，另一方面在指挥动作上不应该有丝毫的夸张和拘束，扭捏作态和滑稽式的动作。
以上三个原则是相互联系的，缺少任何一方面，都会破坏指挥艺术的完整性。
总之，要把合唱作品的内在感情反应出来就要求合唱指挥要具备高度的工作热情，丰富的音乐修养，充沛的思想感情，敏锐的听觉，有很好的声乐鉴赏能力，掌握正确的发声方法、呼吸方法及咬字吐字等有关知识，熟练的指挥技巧，很强的理解能力，丰富的想象力，鲜明的节奏感，很好的记忆力，善于内在的交流，赋予表情的眼神和有潜发的工作能力。
关 键 词 ：声乐教学 发声原理 科学化训练
人的嗓音，如同一件用语言表现音乐的乐器。人要做到能正确、科学的发声，就必须利用好嗓音这件乐器来表现音乐，同时还要了解嗓音的生理结构和发声原理。人的发声器是由声带（含假声带）、胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔等构成。简单的发声原理是：声带在气体的冲击下产生振动，然后声带振动发出声音，经过胸腔、咽腔、喉腔、口腔、鼻腔、头腔的共鸣，便发出响亮和动听的声音。音质、音色和演唱能力，都是由共鸣腔体调节，而产生的不同效果。
人的嗓音虽然在发声原理和生理结构上具有共性，但每个人的声音特点是不同的，除有男声、女声、童声，高音、中音、低音之分外，还有音色、发音习惯、语言习惯的不同，另外，还有生理和心理因素的不同。因此，每个人在学习声乐的时候，建立起符合自己声音特点的科学发声体系是关键。在练习时，每发一个音都必须符合歌唱发声原理，要声音通畅，气息流动，音色优美，自然动听，有音量而不“伤嗓（声带）”是总原则。有的同学急于求成，教师也拔苗助长，想在短时间内对学生拔音量、拔高音、唱大歌，这样只会适得其反。结果，学生一开口全是毛病，有的毛病根深蒂固，是很难改掉的。因此，对初学声者，把中声区的基础打牢固，形成正确、积极、良好的歌唱状态是歌唱训练的原则性问题。
过去，人们把声乐分成“民族”和“美声”两大类，后来又有了“通俗”唱法。长期以来，不管学生还是教师，在声乐活动中，常说某某学生适合唱美声，而某某学生适合唱民歌；嗓门大的、粗犷的、洪亮的便是好的“美声”料子，嗓门不大，但优美、细腻、抒情、嘹亮的则是民歌料子。在教学方法上也一味去追求某一方面的东西，去“造声音”，其结果是将音乐教学引入误区。正确的发声体系，既要尊重发声的科学原理，更要重视学习者的个性化特点，不可用“一般”的、教条的观点去认识。人的嗓音如人的指纹，是不一样的，且每个人是各有特点的。因此，在声乐教学过程中，教师只能根据个性化，去挖掘和维护每个学生的声音，使之流畅，有支持、有弹性、婉转动听或有力量。把握作品风格，适合自己的便可以借鉴，但不可单纯模仿，单纯模仿不是艺术。要建立正确的发声体系，老师是关键。初学者若不通过教师的指点，几乎不可能正确把握自己的声音，自己听与别人听是有区别的。因此，老师必须有相当灵敏的耳朵和智慧，对学生美好的声音能把握自如、分析准确，然后让学生通过训练得以提高，正确理解科学的发声机理，并了解个人的特点，才能建立起符合实际具有个性的发声体系。
声乐教学，难就难在因材施教。要做到对不同的学生，都有行之有效的训练方法，那就必须对学生“真正了解”和循序渐进，拿出具有针对性和个性化的训练程序，了解学生即是关键。在开始系统训练之前，老师必须对学生有全面的了解。而要了解一个学生，决不是一个短期的、简单的过程。要充分掌握学生的生理结构、特点、习惯、语言、歌唱条件、发声缺陷等，然后制定出系统的“软件程序”即个性化训练方案。
声乐基础训练，就像建高楼打基础。基础不打好，是无法建成高楼的。学习声乐往往都有急于求成的毛病，都喜欢和别人比，结果误人子弟。声乐教学一定要循序渐进。在基础训练过程中，一是教师要帮助学生建立正确的声乐理念，培养学生正确的声乐审美观和正确的声音感觉（包括内心听觉和内心感觉）。二是教师先从学生唱得最好的一个母音开始训练，逐渐过渡到其他母音的演唱，让学生形成正确的、良好的歌唱习惯，能“张口就来”。三是教师要培养学生良好的音乐感受力，在进行基础训练时，千万不可光“练声”不“唱歌”。老师必须根据学生的实际演唱能力，安排丰富的曲目让学生唱。唱之前要认真分析作品，使学生表现好每一首歌曲，哪怕是很简单、很小的作品，以不断培养学生的音乐感受力和表现力。四是锻炼学生正确运用气息。在气息练习中，有的喜欢专门教学生先找气再发声。这样学生找到了气息，但气息僵硬、不灵活、歌唱呆板，我们不妨让学生在歌唱中找气。其实，歌唱气息是本能的，情绪有了，状态对了，激情来了，气息自然就有了，千万不可故意深呼吸。
人类发音器官的结构和发声原理是相同的。不管是中国人还是西方人，在进行声音训练时都具有共性，都有相互借鉴之处。有人说，“西洋唱法”的声音洪亮、宽广、浑厚，有较强的戏剧性，不宜表现中国民族声乐作品。其实，中国声乐艺术也同样要求声音的洪亮、浑厚、结实、宽广。如何借鉴“西洋唱法”中的先进经验，中西结合，达到发展我国声乐艺术的目的，我们的先辈和广大声乐工作者已经做出了长期的、艰苦不懈的探索，也总结出了许多丰富的经验。这是我们搞好声乐教学和演唱的宝贵财富，应该很好地学习和应用。
总之，在教学中，教师要结合学生实际，努力探索科学的训练方法，因材施教，中西结合。教师的任务就在于帮助学生修饰自己的声音，培养学生的演唱能力和素质，使学生的演唱自如、流畅、美丽、动听，千万不能单纯地去学声音，去“造声音”。单纯的模仿，永远是跟着别人跑。事实上，好的声乐训练和好的歌唱家，都是既遵循声乐科学原理，又很好地发挥了各自特点与优势的。这是声乐教师和学生应该切记的。
参考文献
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[2] 张洪岛主编. 欧洲音乐史
音乐课程是基础教育的组成部分和必修学科,而声乐教学是音乐课程中的重要组成部分,先进的声乐艺术教学理念应该以本民族声乐艺术为基础,广泛吸取和借鉴西洋声乐艺术先进的经验和理论。歌唱是一个十分复杂而又自然的肌肉运动过程,无论从生理上还是心理上来看,这些器官部是相互联系又相互制约的,如果有心理负担,就会影响发声与歌唱。因此可知,把音乐技巧与心理素质的培养有机地结合起来,才能在歌唱中充分发挥自己的水平,从而完成声乐的艺术创造。
一、如何建构先进的声乐艺术教学理念
打破传统的“三种唱法”的思想禁锢。在教学中要视学生实际,努力探索科学的训练方法,因材施教,中西结合。教师的任务就在于帮助学生修饰自己的声音,培养学生的演唱能力和素质,使学生的演唱自如、流畅、美丽、动听,千万不能去造“声音”。
1.要扎根于中国民族声乐艺术沃土。中国民族声乐艺术源远流长,声乐艺术理论日臻完善和系统化。中国的京剧唱腔,声区统一,字正腔圆,既能婉转如歌,又能抒发悲壮之情。由其在唱高音的时候,强劲有力,穿透力强,且高音唱到小字三组的c-e,甚至更高,此种唱法及其训练之道,能否借鉴于中国声乐演唱训练,的确值得我们去思考和研究。
2.要借鉴“西洋唱法”中的先进经验,中西结合,达到发展我国声乐艺术的目的,我们的先辈和广大声乐工作者已经作出了长期的艰苦不懈的探索,也总结出了许多丰富的经验,总的来说不外乎两个方面:一方面是在声乐教学中,根据学生声乐特点,因材施教,广泛吸取西洋唱法中先进的训练方法。第二方面是如何将美好的,受过良好训练的嗓音运用于风格不同的中国作品的演唱中。
二、正确运用科学的发声,建立切合实际的发声体系
人的嗓音,就是一件乐器,一件能用不同语言表现音乐的奇妙的乐器,人要做到能正确科学的发声并利用好嗓音这件乐器表现音乐,了解嗓音生理结构和发声原理是前提。人的发声器大体由声带、胸腔、喉腔、唱腔、口腔、鼻腔、头腔构成。要做到自如调节共鸣腔体,必须经过严格、正规的训练。人的嗓音虽然在发声原理和生理结构上具有共性,但每个人的声音特点是不同的,除有男声、女声、重声、高音、中音、低音之外,还有音色、发音习惯、语言习惯的不同。另外,还有生理和心理因素的不同。因此,每个人在学习声乐的时候,建立正确科学的符合自己声乐的发声体系是关键,在练习时,每发一个音都必须符合歌唱发声原理;声音通畅,气息流动,音乐优美,自然动听,有音量而不“伤嗓”的总原则。有的同学急于求成,教师拔苗助长,在短时间内拔音量,唱大歌,这样只会适得其反。结果,学生一开口全是毛病,有的毛病根深蒂固改都改不了。因此,初学声乐时,把中音区的基础打牢固,形成正确、积极、良好的歌唱状态是歌唱训练的原则性问题。更要强调的是,人的嗓音如人的指纹,是不一样的,且每个人有每个人的特点。学生在学习过程中要尊重科学,稳步前进,切忌模仿。老师必须有相当灵敏的耳朵和聪明的智慧,对学生美好的声音能自如把握,准确分析,然后让学生通过锻炼得以稳定。
三、运用行之有效的训练方法
声乐教学,难就难在因材施教。要做到对不同的学生,都有行之有效的训练方法。教学过程中有几条原则必须遵守。1.先“相才”再“施教”的原则。2.坚持把握基础训练和循序渐进的原则。3.培养学生良好的音乐感受力,在进行基础训练时,千万不可光“练声”不“唱歌”。4.锻炼学生正确地运用歌唱气息。
帮助学生建立正确的声乐理念,培养学生正确的声乐审美观和正确的声音感觉。此外,声乐技巧的训练和心理素质的锻炼同等重要。两者的关系相辅相成。演唱技巧的日益提高会使人充满自信、精神饱满。反过来,自信和轻松的心理状态又有助于演唱技巧的发挥,使演唱达到完满无缺的境界。
作者单位:河北省阳原县第二中学
论文摘要：钢琴教学工作是一门具有较强专业性、规范性的课程，它不仅要求传授者具备一定的演奏技能，且要具备优化的教学方法和一定的心理学、教育学等相关知识，要求教师在教学中完善教学体系，总结教学经验，提高教学质量，优化教学理念，达到教学目的。
钢琴教学法是研究、揭示钢琴教学理论及钢琴教学中的一般规律的学科；是在钢琴教学过程中逐渐积累和总结的一门具有综合性、交叉性、专门性、概括性的学科[1]，它与传统的以总结钢琴演奏经验为主的钢琴教学法不同，是由多种学科互相结合渗透形成的，通过探讨钢琴演奏能力的本质、发声原理以及如何通过教育有效地培养和提高这种专业的演奏能力，从心理学和教育学的角度对钢琴演奏和教学的方法进行全方位、多视角、深层次的研究和探索，以系统论和方法论的构架对钢琴演奏教学方法进行抽象、概括的归纳和总结。
随着社会经济文化的发展，音乐教育逐渐面向世界、面向未来，整体培养未来年轻的音乐教育工作者，教学中在对教师规范化要求的基础上对学生也提出了严格的要求，要求学生在掌握基本演奏技能的同时还应具备基本的教育理论概念，掌握先进教育思想和方法，具备音乐学科的综合知识和实践能力。教学过程中教师在传授基本演奏技法及音乐表现力的同时必须重视和培养师范专业学生掌握钢琴弹奏的方法与要领，使学生掌握科学规范的方法，在整个教学活动中形成以演奏技能培训为主的教学理念。
钢琴教学过程需要具备一个系统正规的教学规划，教师应该开拓思维，建立新的教学思路，根据整体目标和培养规格把明确的总体目标、设计充实合理的知识结构及科学有效的教学方法相连，建立适用而规范的双基训练(基础知识和概念，基本奏法和技能的训练)，以加强实用技能训练为主线，注重学生即兴伴奏功底训练，充分加强音教专业学生基本功的训练，切实革新教学内容和形式，从宏观着眼微观入手，调动一切积极有效的教学手段，不断追求教学的时间效益，提高教学质量，从而创造性的研究和探索具有音乐教育专业特色的钢琴教学法。
一、加强基本功的训练和强化
首先对初学者在基本知识方面建立正确的概念，掌握钢琴弹奏的基本原理及正确的触键方法。如：颗粒型与歌唱性键盘触键的不同方法、手指下键的要求、触键要领以及手指转换常识、指法规律、常用踏板用法等等。其次针对基本练习分类式进行强化训练，例如：连音，非连音、跳音等音型的奏法，训练手指独立巩固手型，体会和掌握不同奏法要求手指在键盘的弹奏要领；训练手指的跑动和伸张拇指等技术练习，按指法分类练习，最初的练习是从技巧意图上进行的，因此一定要注意不可因趣味性稍差而中途停止练习，要努力地坚持到底，克服练习过程遇到的种种困难，达到完好的训练效果。
二、掌握正确的弹奏的技巧
初学者一般通过技术训练使学生不仅能够掌握练习曲，乐曲的弹奏技法，并从中学习编配规律，逐步认识旋律、和声、织体三者的关系，从而增强伴奏意识，丰富和声织体，积累伴奏手法，以感性积累为基础，辅以理论结合实践进行教学，从中切实加强学生技能的培养和提高，克服困难获得高超技巧。练习中首先注意手指的独立、均衡、有力持久的训练，在音阶、琶音等基本练习中特别要注意大指的力度均匀以及解决4、5指先天性独立、机敏度差的问题。其次是必须使肩、碗、手指的转动力结合巧妙，根据个人手指的自身条件，选用合理的指法进行流畅的弹奏。
三、钢琴教学中合理的教学法的体系
教学法要求教师掌握并总结出一套完整的教学体系，整个教学过程一般都是从键盘弹奏入手，如何使学生能够理解并掌握正确的弹奏方法？通过什么样的途径达到很好的效果？等一系列值得思考的问题。在钢琴教学过程中一般常常采用教师试奏及讲解相结合的教学方法，使得学生直观理解正确的弹奏要领，在音乐情感情绪处理方面培养学生的音乐感悟能力，充分感受音乐的感性内涵[2]。其次，我们应启发学生探讨提高练琴效果的方法，逐步掌握钢琴教学的基本知识，如：弹奏原理、姿势、手型、基本要领、指法规律、踏板运用及严谨有序的读谱与视奏方法等等，把握教材由易到难，循序渐进，练琴先慢后快，解决难点先单手后双手，从局部到整体等原则和规律。
四、教学过程中注重方法的灵活多样性
钢琴教学过程中注重方法的灵活性、多样性，根据学生的不同的习琴基础及领悟能力，运用启发式、对比式、类推法等教学方法耐心地教导每一位学生；同时要求学生认真记录课堂笔记，使学生记录好每节课程所弹奏的知识原理、要点、教学进度、程序以及正确与错误的鉴别、经验与教训的体会等，从而加深认识、加强记忆，提高自己的弹奏水平，把学习笔记也可作为学生将来教学手册和参考资料。其次要求教师必须将自己教学经验有条理化的提高到理论认识的高度，对学生认真明确地提出要求并且坚持督促与检查，整个教学过程用系统循序渐进的教学方法和清晰易懂的教学思路。此外在钢琴教学中，读谱和视奏也是一个非常关键的教学环节，我们在教学中应该引导学生做好信息资料的收集----默读乐谱、单手视奏、分析归纳节奏、乐句的划分，最终达到正确和熟练的背谱[3]，将难点、重点部分分支出来单独训练，需要学会将这一系列环节组成一个稳定有序的运转系统，可以从容有效的攻克难关，有助于以后掌握正确的学习方法和养成良好的练琴习惯。最后在教学过程中，教师还应该指导学生自觉运用思维技巧和规律，发展学生的心智技能---思维敏捷、灵活而深刻，弹奏速度快且准确性高，以促进手脑的平衡发展，增强手指的控制力，提高对作品熟练度。
总之，在教学的各个环节上注重科学性，实现宏观控制和微观调节，通过技术训练使学生不仅能够掌握练习曲和乐曲的演奏技巧，而且正确把握作品演奏的情绪及内容，进一步优化教学环节程序，提高教学质量，使得学生轻松准确地掌握演奏技巧，为以后更好地提高演奏水平打好坚实的基础。
参考文献：
[1] 涅高兹著. 论钢琴表演艺术[M]北京，人民音乐出版社，2004
关键词：音乐表演；心理素质；专业技能与技巧；文化修养与实践
中图分类号：J616 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）05-0116-01
音乐表演在于创造性的实现作曲家的创作意图，把乐谱上符号变为具体可知的音响的过程。音乐作品只有通过有效地表演才能具有作为听觉对象的可能性。否则，没有音响的作品就无法为观众所欣赏，正是通过千百次的演唱或演奏，一部音乐作品才得以在不同的时间、地点和不同的欣赏群体中传播，如果说音乐的创作缔造了一部作品的躯体，那么音乐表演则给予了这个躯体以灵魂。
一、心理素质的培养
作为一个优秀的音乐表演人才，不仅要具有良好的生理素质以适应表演技能的需要，同时还应该具有良好的心理素质。一个表演者心理素质完善与否，直接影响他的表演成就。音乐记忆是作为一个音乐表演者所应具有的最基本能力之一，因为音乐表演者首先要把自己演奏或演唱的作品牢牢掌握在记忆中，然后才可能进行全神贯注的表演再创造。这种记忆要求准确、迅速、持久，如果没有良好的音乐记忆能力，就不能保证音乐表演的质量，也难以为广大听众所接受。所以，对心理控制能力的培养要从以下几方面进行训练：
1.表演者应加强意志上的锻炼，树立自信心，克服临场紧张的状态。把自己的注意力和兴趣投放到表演的过程中去，不要过分关心表演的结果和这一结果给自己带来的切身利益，要全神贯注地进行音乐表现，即使出现点小错误也不能患得患失。
2.多参加一些演出实践活动。因为音乐表演作为创造性活动，即使是同一表演者两次不同的演奏或演唱也不能毫无差别，所以要表演者多次练习找出缺点，进行纠正，多次的演出实践会缓解表演者的紧张情绪，放松自我。
3.学习一些心理学方面的知识。发现自己的紧张原因，对症下药，进行有目的性的训练，把自己的心理紧张情绪调节好，进行反复的练习表演内容，提高技术水平增强表演的自信心，表演者的紧张情绪和胆怯现象就会得到缓解，就会理智冷静地投入到音乐表演中去。
二、专业技术与技巧
音乐表演是一项技术性较强的艺术活动。和其它的艺术相比，对音乐表演者的表演技术要求更高。作为一个音乐表演者，不仅要具有良好的心理素质，还应具备音乐表演专业的专业技术与技巧。但这些专业技术与技巧的训练，首先要以音乐表演者的生理条件为前提。
1.例如学习声乐的表演者，要具备良好的嗓音条件，学习键盘的表演者要有良好的手指条件，学习管乐的表演者要具备良好的唇齿条件，学习舞蹈的表演者要具备良好的身高与形体条件。只有具备了这些相应的生理条件，才能扬长避短找到适合自己的表演技能。
2.在具备了这些生理条件的基础上，学习声乐的表演者要掌握发声方法、呼吸方法、咬字方法、歌曲处理等一系列的声乐知识；学习键盘的表演者要进行手型练习、手指练习、手臂放松练习、踏板等多方面的练习；学习管乐的表演者要进行唇齿练习、指法练习等方面的训练。
3.对于音乐表演者来说，掌握了这些专业技能与技巧是第一步，更重要的是，创造性的运用专业技能与技巧，把已经掌握的专业技能与技巧灵活自如地运用到音乐表演的实践中去。
三、文化修养与实践
音乐表演主要是传播音乐作品的精神内涵，它不是一项技术活动。因此，一个音乐表演者不仅要具有高超的专业技术与技巧，还应有广博的文化修养和音乐实践的过程。
1.音乐作品产生在不同时间、不同年代，创作者的人生观、价值观不尽相同，这就要求表演者要深刻领会创作者想要表达的思想感情，所以，就要求表演者有着自己对作品的独特感受与见解，在表演的过程中准确地传递给观众，引起观众的共鸣。
2.音乐表演者具备了良好的心理素质和专业技能与技巧，就要在实践中把对音乐作品的感受与理解表现出来，在演出实践中总结经验，成为一名优秀的音乐表演者。
结语：总之，音乐表演人才的培养不是一朝一夕的事，需要我们长期的刻苦地练习与训练，因材施教，建立一套科学的、系统的专业技术与技巧训练方法，丰富自己的文化修养，提高对音乐作品的理解能力和感受能力，多练习、多实践，让自己的音乐表演水平更上一个新台阶。
参考文献：
