时间：2022-04-19 08:38:02
一服装设计形式美和文学鉴赏的相通之处
1对称和均衡
众所周知，不同时代的服装具有不同的特点，但是每一种服装形式都能够体现出一个时代的特点，服装可谓是展现时代全貌的重要形式。不仅能够对社会发展的经济、政治以及文化的形式有所表现，还可以对社会发展中的审美和文化思潮进行解读。形式美并不是凝固不变的，而是随着时代的发展在不断改进和完善。服装设计的对称性和均衡性是其最主要的特点，无论是传统的造型艺术还是现如今的服装设计都会涉及到对称性的特点。服装设计中对称性的设计主要是以人体本身对称的特点为依据。另外，自然界中的对称形式多见，比如花草、飞禽等等，服装设计的对称性也是为了和自然界中的对称形式相呼应。均衡性主要是指服装设计所涉及到的各种元素之间的均衡性。比如门襟，修饰手法等等，服装设计的均衡性不仅要体现在空间感上，还要达到一定的视觉效果。在文学鉴赏中，对称性和均衡性的特点也比比皆是。文学形式包含诗歌、散文以及小说等等，对称性特点比较明显的就是诗歌，无论是五言律诗还是七言绝句都表现出一定的对称性。可见，文学鉴赏和服装设计都体现出一定的形式美，只是表现形式不同而已。对称性从总体上看能够给人带来一种严肃性，有时甚至会过于单调，而均衡性则表现的十分灵动。二者的融合体是艺术表现的重要特征。
2对比和补充
所谓的对比，简言之就是两种或者是两种以上的事物放到一起进行分析，通过直观的效果的比对，找到相同和不同之处。对于服装设计来说，对比关系能够对审美的个性进行突出表现，同时还能够达到一定的艺术效果。在进行对比的时候，主要进行色彩对比，款式对比以及面料的对比等等。对比的目的就是提升视觉上的震撼力，实现服装造型的新颖性等等。每一种服装品牌都有其独有的设计方式，在各种服装设计中都要融合对比的方式。而补充则是针对服装设计艺术中一些规范和原则，来对一些构成元素进行排列和组合，使得设计工作不至于更加单调。在文学鉴赏艺术中，采用的对比方式主要是动静对比，虚实对比等等。这是比较常见的文学创作手法。实现动静的对比是对景物、场景、感情等进行有层次的表现，让人们感受到文学作品所要表达的主要内涵。另外，虚实结合与对比，也是为了增添文学作品中已有状态的灵活性。可见，文学鉴赏和服装艺术的形式美之间存在着较多的相通性。
3节奏和夸张
在服装设计中，运用节奏和夸张的方法比较常见，主要是通过对直线、曲线以及褶皱变化的出现形式来提升服装形式美，服装就如果山水画，富含一定的韵律感，强化服装设计的什么（改成审美）和艺术。当然，文学作品中的节奏感和夸张的形式更是突出。文学形式只有具有节奏感，才能够朗朗上口，富有韵律。每一季每个品牌每个服装设计师都会运用自己擅长和青睐的形式美法则在自己的服装设计中，极力做到运用的合理、和谐和完美。当然在运用的过程中不可避免的会出现高雅与低俗，稳重与诙谐，活泼与呆板的冲突，应该在融合中去其糟粕，取其精华，创新构思，打造现实，用新的内容突破原有的观念形式，合理的运用服装的形式美法则，丰富和发展服饰文化的内涵。
二总结
形式美法则可以理解为一种创作设计的方法，也可以理解为欣赏与批评艺术作品的一个角度，或是作为一种美的形态来对待。服装设计的形式美和文学鉴赏之间存在着一定的联系性，设计人员要对其加强重视，相互吸收借鉴。
作者：杨晓菲单位：广州南洋理工职业学院
论文摘要：创造性思维源自于生活、根植于生活，在生活中寻求和激发创造欲望，因此注重培养细致的“洞察力”尤为重要，对于周围环境和生活的敏锐洞察，锤炼并开拓设计思维的创造意识。仅有表达设计意图是不够的，还必须有一定的造型能力和较强的综合艺术修养，因此服装设计师在创作、构思的时候，一方面体现自己鲜明的个性风格，另一方面要对自然生活、社会生活有独到理解，两者互为融洽。
一、造型美的思辨
1.设计的感悟和范畴
服装造型是表现精神方面的思想，源于心灵的意念。这种美使人与服饰和自然处于一种协调、统一、和谐的状态。法国哲学家笛卡尔说过：“这种美不在某一特殊的部分闪烁，而在所有部分总起来看，彼此之间有一种恰到好处的协调和适中，没有一部分突出压倒其他部分，损害全体结构的完美”，也就是说，服装是一种整体美，表现人的气质、心理、个性及人体结构等因素与服装的整体统一性。
2.统一与协调
选择和整理造型设计的形状要素、色彩要素、材料要素、装饰要素，然后将这些要素归纳、结合配合成为统一整体。也就是说将各独立个体的美，采用调和、集中、支配、平衡、律动等手法调和汇集成统一的美，运用于服装上，就是将流行之各要素（服装流行色、款式、质料、花形及各部位的细节）配以首饰、帽鞋、皮包等服饰品和发型、肤色、气质与时代感等因素互为调和而形成服装整体美。
调和实际上是统一内部诸要素中间关系的原则，它意为衔接、协定、一致等，服装诸要素（材料、形状、色彩）都有其特定的特征，调和的作用就是将其特质互相连接并调整到统一的状态。
二、自然、生活与仿生设计
1.吸取于自然生物的造型
当一件模仿生物外形的时装设计出来的时候，许多人在惊叹之余同时亦产生了现代人是否已向原始穴居生活倒退的疑问……
远古时期，人类在为生存而与大自然搏斗时产生了对神灵幻觉的依赖，古老的植物、动物都成为原始人类创造、构想之源泉。古埃及人视圣甲虫、眼镜蛇等动植物为神灵之象征，希腊、古罗马的建筑造型艺术的原形是与月桂树、常青藤等自然界生物相联系的。一直以来，人类的发展历程中，总是把自然界的形态作为首要的艺术造型形态，这就说明了自然界中蕴藏了无穷无尽的美，而服装设计领域也同样如此。从模仿飞燕的燕尾礼服、模仿蝙蝠的蝙蝠衫，到模仿喇叭花的A形喇叭裙，仿照自然界生物造型的时装式样愈来愈受到人们的欢迎。我们把这种模仿设计称为“仿生设计”。“仿生设计”的流行魅力来源有三个方面，一是近年时装界的流行风潮刮起了“生态风”，由于工业化进程给人类带来了生存空间的恶化，自然生态遭到破坏，人类越来越向往以前美好的大自然，于是人们才觉醒应当重视环境保护，表现在服装设计中即形成了以“返璞归真”及“环保休闲”等的生态学的热潮，并逐步已成为时尚的主流。那么设计师在这种思潮和意识的引导下，无疑其灵感来源偏向于从自然界中吸取。
2.仿生装是时代的产物
自然界本身所具有特殊的、深不可测的魅力。仿生造型的艺术设计是在服装的功能形态结构、外部造型、动作，甚至其神态及与环境之统一与协调状况等多方面对生物进行模拟。“仿生设计”的哲学内涵与2l世纪服饰文化发展的内涵不谋而合。服装的“仿生设计”是模仿自然界生物造型、色彩等因素的设计活动，其主旨是“师法自然”，而21世纪的主题正是回归的主题，提倡人与自然的统一。这“师法自然”与“天人合一”既是中国传统哲学理念的精髓，同时亦是“仿生设计”作为服装设计未来发展的永恒主题。因此可以说服装设计中的仿生设计受到了服装大师们的热仿生设计使得人切身体会到大自然的存在设计应先尽量遵从于自然法则，我们必须向自然界学习，使它和人类的才智融为一体。
三、服装造型的仿生设计
早在我国东汉末年，名医华佗在其创造的《五禽戏》中就开始模仿动物造型设计的人体运动动作，至近代的《大雁气功》更是把仿生学运用得惟妙惟肖。仿生设计首先是从人体运动上开始的，。自然界的动物、植物，社会中的生活、建筑物及立体形状等都是服装造型设计借鉴的对象。孔雀裙、燕尾服、荷叶领、灯笼裤等颇为常见。国际时装大师迪奥推出的“圆屋顶式样”、埃菲尔铁塔式外观以及皮尔.卡丹从中国的飞檐中吸取灵感，设计出耸肩飞袖的造型，这些都是对自然造型特征的模仿。
四、色彩仿生的借鉴
《天工开物》记载：“霄汉之间，云霞异色，阎浮之内，花叶殊形。天重象而圣人则之。以五彩彰施于五色……”大自然美丽的色彩是服装色彩借鉴的最直接来源。成熟的桃子、橘子等水果，饮用的咖啡，大自然的天、海、湖、山、晚霞、原野等自然色彩被设计师灵活地运用于服装色彩的匹配中，于是便有了桃红、橘红、橘黄、土黄、湖蓝、天蓝、茄紫、咖啡色、橄榄绿、玫瑰红等各种色彩或色调，这正是由于人们对于大自然美的热爱和情成了一股极强的诱惑力.同时这亦是对自然界精神内涵的借鉴，情感的互通。
五、服装材料的仿生
服装材料是服装设计的重要因素。其仿生设计可分为两个方面：一是面料仿生。目前仿生面料已达到以假乱真的地步，用自然材质如鸟兽羽毛、植物叶子等直接用于服装设计中，用人造纤维仿制自然纤维织物，如仿真丝，仿裘皮直接用于服装设计中。其二是纹样、肌理的仿生设计。俄国著名设计师扎依采夫将植物叶片纹样缀于男装上，把男性的阳刚与女性的阴柔完美地结合起来。
以式样的柔软化，结构、线条的流畅配以温馨的自然花形，更显成熟之美。还有采用特殊的印染方法(如化学印染、压花)和编织手法都可以表现各种各样不同的自然界美的肌理效果，服装面料的仿生设计得到进一步的发展。
六、文化内涵的体现
体现“天人合一”的整体观念，即“人与自然统一”观点，人是自然界的一部分，《庄子·齐物论》中有论述：“天地与我并生，而万物与我为一”。形式的限制通过对自然规律的认识转化为表现的自由，最终产生别具一格的艺术品——融入与自然于一体、具有强烈装饰性和美感的艺术品。
另外，我们还可以通过图案中的形式塑造自然因素，塑造成的形象沟通内外和大小环境，将具体的形作为一种表达情形和意蕴知觉的手段，为整个设计增加魅力因素，如中国文化中有特殊含义的梅、兰、竹、菊等自然纹样，我们从造型风格中可体味到与我们相近的东西，那种对美好生活的向往和古朴、纯净的美，西方人往往是难以尽数由衷。近年来，设计界弥漫着一种“回家”的渴望，这股“自然风”针对于现代设计对标准化、机械化的极端追求，人们又发现自己置身于一个陌生而又毫无人情的环境之中，生活不富有生命力的和充满变化的，仅仅只是沉没于平面化的单调中。作为设计师以艺术家的身份融合高科技和人们感情需要，设计要体现协调人的理智和情感，给人以“回归”、“回家”之亲切感，因此造型朴素、符合自然生态规律的设计正好与信息时代的潮流不谋而合，这种以返璞归真的设计潮流使以人为本的设计理念有了更深刻的内涵。
七、中西融合兼收并蓄
努力发扬两种文化优良成分并加以锻炼融合，以求创造出适合信息时代所需的文化理念。运用到服装设计中，吸取中国传统文化中的意境以及它的表现手法，融西方文明中的比例法则、立体观、理性思维方式，这样可以互相为“用”同时面向自然，面向生活，面向当代，面向未来。
对于我国来说，目前正处于工业文明和信息文明甚至农业文明并存的时代，我们仍然需要发展经济建设，现代工业文明的讲究实效、增强科学技术的理性主义和现代主义艺术、追求功能美等观念对于我国时装业的发展有很重要的借鉴作用。
结论
时代艺术设计在处理中西文化关系上应当坚持中西融合，反对任何形式的文化保守主义和文化虚无主义，努力发扬两种文化优良成分并加以锻炼融合，以求创造出适合信息时代所需要的文化理念。
仿生造型设计是以自然界的一切东西作为参考资料，加以提炼成为可以应用到服装上，成为美丽动人的衣装，为人类的服装文明史更添精彩，也是符合社会大众，符合社会潮流的发展，比较贴切消费者的心理，依赖于传统文化的渊源和精湛的工艺艺术的完美协调工业技术支撑，才能做到推陈出新和迎合社会大众的文化心态。
参考文献：
[1]施赖贝尔.羞耻心的文化史.北京：三联书店,1988
[2]oichiAoki.Fruits—TokyoStreetFashion.2001
自八十年代初，随着改革开放的进程，世界范围的经济、文化、科学、技术对我国的全面渗入，服装设计这一新兴的文化形式很快受到国人的瞩目和青睐。各类层次的服装设计专业教育如雨后春笋般在全国各地纷纷建立起来，服装专业毕业生也陆续走上了工作岗位。这无疑是为我国服装行业的发展奠定了可贵的基础。然而，随着毕业生社会信息反馈，服装专业教育方面存在的一些问题也开始显露出来。
这表现在：专业教育重艺术，轻技术，重纸面效果，忽视服装的内涵本质等。由于许多院校初期的服装教学是由搞绘画艺术的美术教师或搞染织的工艺美术教师担任，学生所接受的训练多是美术基本功和服装画的描绘技法，而服装设计所涵盖的艺术与技术的内在联系没被更多地意识到。造成了学生只会画，不会裁，也不会做(特别是对有变化的结构)，无法使设计意图得到完整体现。进入九十年代，服装教学经过前一阶段的发展与反思，教学上有了较大改进，服装的制图、剪裁、工艺缝制的比重加大，对学生强调动手能力，学生的专业素质有了明显提高。
不过，对服装工艺技术的重视并不等于就是抓住了专业教学的本质，对于怎样能使服装设计中艺术与技术相互交融，仍然还是教学中所要探讨的一个主要问题。目前设计教学上，款式造型与结构设计相分离现象还较普遍。结构制图课教学仍然较多地注重在常规服装上，对于款式造型设计及所对应的结构变化分析缺少必要的教学环节。要确实做到艺术与技术的有机结合，笔者认为，应从以下几个方面去努力改进。
一、引导学生树立正确的设计观念
设计艺术与绘画艺术不同，设计艺术不仅具有绘画艺术形式的美学原理法则，更主要的它是以不同于绘画艺术的思维理念传达视觉形式并体现自身的实用价值。本世纪二十年代，德国现代建筑设计学校提出“艺术与工业技术相结合”，首创包豪斯体系，翻开现代设计领域新的一页［1］。由此，西方国家的设计艺术教育得到了迅速发展。在我国，设计艺术远比绘画艺术引进的晚，国内的设计艺术教育多年来一直受绘画艺术教育所左右，致使各类设计观念局限在绘画艺术的思维定式中。因而，在服装设计教学中如何处理好艺术与技术的关系，确立对服装设计本质的认识，将主导着教学的发展方向和思路。
时下，我国各类服装赛事频频，学生通过参与这些表演展示，自然是天阔了眼界，得到了锻炼。但由于这些赛事多数是注重体现创新的理念与艺术形式，具有先导性文化特征，与作为商品的服装尚有很大距离，故服装本身的内在品质性因素往往不被参赛学生所重视，以致时常出现学生参赛获奖，但却搞不好日常生活中的时尚服装，到企业也胜任不了设计工作，究其原因就是学生对服装设计的理解认识不够，对服装本身实质性的技术技能掌握不到位，因此这就要求教师对学生在专业认识上要给予正确引导。
一方面，提倡学生要有较强的创新精神和艺术修养，积极参与专业大赛，注重培养学生对形式美及前卫时尚的敏锐感受力，使其具有超前的设计意识、设计理念。另方面，要强调学生对服装本质的认识，立足于学习服装结构、工艺技术方面所表现出的美，做到用良好的美感形式体现服装的功能价值；以得体的穿着效果展示高品位的内涵，树立起正确的设计意识及理念。
二、改进绘画基础教学模式
服装设计作为设计艺术范畴，自然离不开绘画基础，绘画基础的训练不仅是为了画好服装画和设计图，还关系到对学生审美情趣和形式法则的培养。国内服装院校的绘画基础教学，以往沿袭的多是美术院校传统的绘画基础教学模式，由几何形体、静物到石膏像、头像，再到人体、半身像、全身像，由浅入深逐步进行的训练。
但服装设计的绘画并不需要如此缜密、严谨的基本功训练
一是时间不允许，因为服装绘画只是服装系统工程中的一小部分，大部分应该是对服装的造型及结构变化、裁制工艺等方面的研究。
二是服装绘画表现的是人与服装的关系，人是第一位。必要的人体结构知识，对物体结构、空间、质感等非光影效果的理性表现，以及大量的人体、着衣人物动势的速写等短期作业，则是绘画基础训练的主体内容。纵览国外大师、名家的服装绘画作品：洗练、简洁的线条运用；夸张、到位的结构刻画；概括并富于质感的衣料效果；常常给人留有深刻印象。
三、服装款式造型与结构的一体化教学
服装款式造型与结构的变化统一，在服装设计中是最关键的环节，也是服装设计教学中的主干内容。只会画纸面效果，不能依此产生合理的结构关系，设计是“纸上谈兵”，相反只学那些已定型的常规服装结构，而不能灵活变化应用，那么也不能算是学会设计。就象有许多老裁缝能把西服、中山装剪裁得很合体，但若按设计稿裁一些有特别变化的时装则感到困难。
服装设计教学的重点，就是要针对上述情况强化服装款式造型设计与结构对应变化的训练，掌握服装设计的主体核心。以此为目的的教学，从教师方面来讲，要求教师不仅要有较高的款式造型设计能力，还要有一定的服装工艺技术水平。这并不等于说设计教师必须要把服装做得如何如何精致，但对起码的缝制工艺要有所了解掌握，尤其是对服装结构的设计、分析，要有很强的能力。
不仅常规服装的结构、裁制要懂，还要能运用服装结构原理，随意变化出新的结构形式。做到能以绘画表现款式、造型，以款式造型来设计结构，再以结构验证款式造型的合理性。这样，在教学中教师就能有意识地培养学生款式造型与结构变化的能力。
日本著名服装设计师，君岛一郎先生来中国纺大讲学时，曾作过这样一个演示：他请身着基础衫连衣裙的模特小姐站到台上，拿起剪刀从连衣裙摆处分几个不同位置向上剪到臀位，然后让人同时把剪开的裙摆拉起展示给众人。君岛先生告诉大家，若把展开后的裙形用面料再重新缝制，就产生了一种新裙款式。以此原理，基础裙形可以变化出许多的裙装样式。
君岛先生用此实例说明：对服装款式造型的设计，也就是对其结构的设计。因此说，服装设计课教学必须是一种艺术与技术相交融的一体化模式，那种设计课是设计课，工艺技术课是工艺技术课，设计课不管工艺技术的事儿，工艺技术不能有效地体现款式造型的分离式教学，看似分工明确合理，实则是专业教学中的误区。因此，在教学中必须要有把二者统一起来的环节。
总之，服装设计教学经过近二十年的探索和实践，已有了可喜的成绩，这一新兴专业已为我国服装业输送了大批本论文由整理提供
设计骨干。但设计教学中存在的问题和观念上的错误倾向也是不容忽视的。特别是当今社会对毕业生的选择越来越挑剔，越来越注重其专业技能的熟练程度，因此，只有在教学中不断修正偏差，不断完善，让专业体系的内部环节密切相联，才能使服装设计教学有更高水平的发展和进步，才能为服装行业培养出更优秀的设计人才。
论服装设计教学中的几个问题
近几年传统文化逐渐崛起，日益受到重视，各种传统文化得到发展并且在服装设计中被广泛运用。水墨渲染，因色彩淡雅，纹样高贵却不过于突出，突破了色彩强烈的特色纹样在居家服装上运用的局限性，其更适合于现代居家服装设计的运用。但在运用中应注意服装样式、运用位置与水墨渲染纹样的选择。
1．1局部点缀在设计中最为常见的便是局部点缀，在服装衣领、胸前、腰节、衣摆或裙摆上小面积植入纹样，使得整体看起来典雅而不花俏。并且这几个点的应用最具有说服力和征服性，让人一眼就能深刻地体会到水墨渲染的精粹所在，并能通过西方服装体系中的以人体为根本的合体裁剪，更好地表现女性的优雅、含蓄的特点，在设计过程中起到了以点带面的作用。
1．2面料搭配水墨渲染在居家服装不同的面料上运用呈现出来的效果不一。针织雪纺类面料有轻微竹节风格，滑爽轻盈、抗皱免烫、尺寸稳定、吸湿快干、弹性适度和服用舒适。面料风格类似于梭织雪纺，但又克服了梭织雪纺没有弹性的缺点，增加了穿着的舒适性。由于针织雪纺类面料本身清透的特点，水墨渲染的运用呈现更偏向于一种飘渺清雅的若隐若现的效果，展现出女性极致的柔美。如果演绎于绸缎面料，质地柔软却不透明，水墨渲染呈现出色彩艳丽着色明显，画面清晰，并且柔和亮丽，让女性更为清雅高贵；演绎于质地厚实的棉类面料，由于面料柔软朴实，水墨渲染效果着色明显，画面给人感觉平和而朴实，可以让女性更多知性的典雅。
1．3造型选择在不同造型上，水墨渲染也可以展现出它独特的韵味与不同的效果。例如：在接待性居家服饰中，在款式设计的局部点缀水墨渲染图案会给女性的干练中添加上一丝柔美；在休闲日用居家服饰中，水墨渲染图案可以让女性多了些知性成熟之美；在裙装类服装中，装点上一些水墨渲染，则多了种别致的典雅。
2水墨渲染在现代女性居家服装设计中的审美价值
水墨渲染元素源于生活，源于传统，有着纯朴的艺术样式，在现代社会中显示出其特有的生命力。其在设计上，与现代设计的风格有着惊人的协调性，因此，在传统文化艺术元素成为了现代设计创作灵感的宝贵源泉的当下，水墨渲染将逐渐被设计师们所关注。随着信息时代的到来，人们个体和共同的审美观念也随之改变，只有把握住这种发展演变趋势，才能把握住服装时尚设计的方向。服装行业是一个时代性、时尚性很强的行业，当今社会已不是传统美学规则一统天下的格局，服装时尚设计只有顺应时尚审美的发展，才能满足当代人的需要。
2．1社会价值民族艺术植根于传统文化的传承，又与人们的生活息息相关。随着现代科技的发展，地域的封闭逐渐消失，民族艺术越来越得到人们的关注，传统艺术元素从而得到发展。中华传统元素在社会生活中，无论是在古代还是现代，人们崇尚的是平和、重德、重传统、重主体的生活方式，对本土文化的认可度有时远高于对外界文化的认可。水墨渲染凸显出一种飘逸，洒脱与清雅平淡的中华民族特有气质的特征，符合热爱传统文化的中国人的心理。
2．2人文价值在现代居家服装设计中，水墨渲染可以考虑中国人的审美心理，采用中国传统艺术元素中的花卉、飞鸟和游鱼等有吉祥象征意义的图形，运用在设计上。对中国人而言，这种意蕴是特定的，人们通常喜欢借这些充满寓意的传统纹样来显露喜庆吉祥、祈福消灾、寄寓理想与希望。而大众对这些形象的熟悉与接受，不是任何一样东西可代替的，而其中传达的信息与内容可让大众马上心领神会，达到设计的最终目的。将这些元素融入晚礼服、日常生活服装当中，并在工艺制作和造型处理上，注入现代时尚的血液，使其与现代大环境相融合。
2．3艺术价值对于一个好的设计而言，创意永远是不可规避的要义。在居家服装设计中，要以宁静的心态吸收借鉴传统文化，并力求体现传统文化中永恒的精神本质与情感。中西方美术虽然源于两种不同的文化艺术体系，但在意识上，他们交融的过程是相互参透，相互影响的。而传统水墨渲染的淡雅加上现代西方设计的造型，更可以让注重形式的西方设计多了一种韵味，一种青烟淡墨，是超尘出世的特有中国韵味，其实现了中国文化与服装时尚的契合。
3结语
“大音希声，大象无形”，中国人自古就有“大”情怀。含蓄、内在、返璞归真，是中国传统的艺术美学观念。将传统元素瓷器裂纹运用在现代服装设计中，也应该重视大朴不雕、大巧若拙、大音希声的文化情怀。纹样造型、工艺手法都是为了最终的服装效果而服务，过分地注重、表现装饰手法本身，就会失掉文化元素原有的光彩。
2瓷器裂纹在服装设计中的设计方法
2.1具象表达
直接移用是指将瓷器裂纹直接移用在服装设计中，结合服装的整体风格、设计主题，搭配合适的色彩，它是最容易掌握，也是最常见的设计方法。将瓷器裂纹直接印染在真丝上衣上，搭配飘逸的水蓝色雪纺长裙，展现出女性纯净自然、天然去雕饰的美丽。但采用直接移用的方法进行设计时，容易出现套用纹样，设计死板的情况。在服装设计中，除了直接移用外，也可以在掌握瓷器裂纹形貌的基础上，进行变化设计，即变化形的设计方法。瓷器裂纹的形的变化元素有点、线、面的形状和大小。
2.1.2.1变化形的种类服装设计中瓷器裂纹变化形主要有两类：
①保留与舍弃。保留与舍弃，是指在裂纹元素中选取一个方面进行保留，其他方面进行挤压、重叠、夸张、分离、拆解等变化。就是在服装面料图案中保留了瓷器裂纹线，挤压面的变形设计，凌错、重叠的部分更多。则是保留了裂纹的块面感，将裂纹线进行分离、规整，在面中填补新的纹路。
②象形变换。它是模仿瓷器裂纹的形貌的变换设计。将裂纹线的人形、X形、K形等进行扭曲、装饰，赋予新的形象内容。将裂纹线进行不同的装饰变化与扭曲变形，象形变换后，更具藤曼缠绕的野性美。则表现出繁花似锦的装饰美。象形变换可以使瓷器裂纹更贴近服装整体的设计主题与风格，联想丰富，具有一定的灵活性。
2.1.2.2变化形的接合方式瓷器裂纹是由单个形接合成为整体的纹样，更容易体现出次序美、节奏美。在服装设计的应用中，针对这一特点，除了变化形以外，还有变化接合排列方式的设计方法，排列接合方式分为有序排列接合与无序排列接合：
①有序排列接合。它是指裂纹元素按照一定的规律进行有秩序的排列接合，是从理性出发的接合方式。如平均排列接合、渐变排列接合和按比例排列接合。如图6为相同纹形形状、大小进行均等接合的平均排列接合，体现出服装的简洁、庄重。渐变排列接合，是指将单个裂纹按照大小、深浅、疏密等变化进行接合排列。通过从上到下以此增大裂纹面积，改变疏密形成节奏美，设计而成的晚礼服，纯净高贵，自然典雅。按比例排列，是利用裂纹单个元素之间的间隔比例来营造出视觉张力，创造出来的图案造型秩序感、节奏感强。比例排列接合常用到几何学相关研究理论，例如三角形、矩形、正多边形的黄金比例，斐波那契数列、等差数列、等比数列和调和数列等比例模式以及无理数根号矩形的原理得出的比例模式等等。按比例排列接合，实际上就是按照这些具有规律性及特殊艺术特色的比例模式将瓷器裂纹进行排列接合，及按照“数比美”排列接合。
②无序排列接合。它是指从感性出发的无规则自由接合。依照形式美法则的自由接合，没有比例意识，风格奔放、热情，随意性比较强。无序排列接合方式的裂纹纹样注重激情、玩味，无法预料纹样走向，带有张力，有独特的视觉审美。如图8为瓷器裂纹无序结合的设计方法设计而得的服装，丰富混杂了设计师的情感因素与设计契机。优秀设计作品中的无序排列结合需要较好的感性表达与审美情趣，无论偶然迸发，还是反复修改，都需要日积月累的艺术素养。如果把握不好，很容易弄巧成拙，杂乱无章，表现不出作品的美学性。
2.2抽象表达
瓷器裂纹在服装设计中的运用，不仅是对裂纹形的应用与变化，还要将瓷器裂纹的意蕴美融入其中。“意”的表达不同于“形”，是用简单代替复杂，与相关的一些材料、工艺手法或独特的服装造型相结合，象征似的表达，即是一种抽象表达。抽象表达不同于具象，更倾向于情感的表达。在设计中，虚化减弱裂纹元素的一些形态特征，着重表达瓷器裂纹在服装中的设计意蕴，或者提炼出瓷器裂纹美学性的一个点，作为灵感来源或表现手法，结合现代服装的特点来进行设计。前者沿用瓷器裂纹的风格感受，为2014年春夏巴黎时装周中关于瓷器裂纹“意”的延伸与联想的服装设计。其中GiambattistaValli的女装设计中，写意的点、虚化的线、界限模糊的面、大面积透视与黑色的简单色彩关系是抓住了裂纹元素自然随性的特点，进行意的延伸设计。而PedroLourenco的设计则表现了瓷器裂纹的纯净天然，纹路如水似画的感受，没有刻意得表现裂纹的形态，它更贴近现代生活时尚前卫的风格，只是把瓷器裂纹的某一个视觉特点作为表现形式。另外，MashaMa的设计结合了服装色彩与造型，着重运用了裂纹分割而产生的非平衡的视觉张力，从而使服装更添光彩，现代前卫感十足。在实际的设计中，前期构思的时候，就要抓准设计主题与风格，元素灵感都是为了最终设计的服装而服务，确定风格后，找出切入点，将主题风格贯穿到整个设计中去，不要拘泥于一种设计表现手法，也不要过分追求形或意的界限，从而本末倒置，或者导致设计出的作品杂乱毫无表现力。
3瓷器裂纹在服装设计中的工艺实现方法
将瓷器裂纹运用到服装设计中去，工艺实现方法是很重要的一环。工艺美是技术和艺术的美学融合。在这里将瓷器裂纹在服装设计中得以实现的工艺手法，分为平面效果的工艺实现手法与立体效果的工艺实现手法。
3.1瓷器裂纹平面效果的工艺实现方法
平面效果的工艺实现方法有印花、蜡染、扎染、绣花、提花。印花得到的裂纹效果基本能够达到设计图的纹样造型和色彩，对设计限制相对较少，适用性比较大，一般不会破坏服装面料本身的风格和手感，批量生产的成本相对较低，在实际市场中运用得较多。蜡染和扎染，属于传统手工艺。蜡染效果的裂纹深浅不一，纹路粗细浓淡也不相同，有些地方深邃，有些地方若隐若现，虚实相生，变化自然，有独特的传统韵味，常用在一些民族风的现代服装设计中。扎染，利用线、绳捆扎在染液中煮染，跟蜡染的效果有相似之处，但是借助捆扎的外力煮染，同时具有晕染和裂纹的肌理效果。提花、绣花是在织造过程中形成裂纹效果的织纹面料，在平面的视觉感受下有一定的凹凸触感和不同于平布印染的光泽效果，应用也比较广泛。
3.2瓷器裂纹立体效果的工艺实现方法
随着工艺技术的发展，服装面料工艺的实现也更加多样化，肌理效果更加丰富，结合瓷器裂纹的特点，可以采用叠加、镂空、编织、物理、皱褶等方法，来实现立体效果。立体效果的瓷器裂纹更有层次感、空间感，视觉效果也更加丰富。叠加，即在面料的表面缝制裂纹线或粘合裂纹面的工艺手法。可以根据服装的设计效果做不同风格的叠加处理，如在薄透的面料上，沿设计纹路粘合遮挡的面辅料，既可以产生裂纹的效果，又满足了遮体的功能增加了服装的可穿性。镂空，通过一些切割雕刻、腐蚀加工的方法处理服装面料，实现瓷器裂纹的效果。瓷器裂纹最初在建筑设计中的运用，就常采用镂空的加工手法。在服装设计中，镂空工艺的瓷器裂纹效果，面料较为硬挺，风格偏向建筑风格。编织的方法很多，手工编织、机器编织都可以产生不同风格的裂纹效果。可以用条状的面料、绳、线进行编织，也可以直接在织制面料时，将瓷器裂纹作为花型图案编织出来，比如蕾丝、刺绣的效果。皱褶也可以产生有立体美感的瓷器裂纹效果。皱褶改变了面料的光泽、质感，使面料跟具备动感与层次感，与瓷器裂纹的丰富生命力美感相吻合，二者相得益彰，使服装更添光彩。
4结束语
1中国传统元素的类型元素，亦称要素
主要有这样几个释义：指一个组合整体中的基本的、最主要的、不可再缩小的组成成分；构成事物的必要因素；事物必须具有的实质或本质、组成部分。据此可以为中国传统元素下一个广义的定义：构成中国传统的基本的、最主要的成分或部分。由于中国这一概念的外延十分丰富，也就决定了中国传统元素外延的宽泛性。服装设计领域所提及的中国传统元素，可以从不同的角度和层面，根据不同的分类标准，划分为众多的类型，从而形成一个庞大的体系。譬如按照构成学理论划分，分为概念元素、视觉元素、关系元素、实用元素等；按照设计要素划分，可以分为色彩元素（中国传统的用色制度、习惯、设色方式等）、图案元素（传统的内容、形式、表现手法、象征意义，图案的属性、题材、风格、套色、形式等）、工艺元素（加工工艺、编织形式、裁剪方式、缝纫方法、熨烫方法、锁扣方法等）、造型元素（服装的廓形和各个局部的造型）、结构元素（结构的属性、规格、处理等）、材料元素（种类、成分、外观、质地、手感、厚薄等）、部件元素（零部件的种类、造型和色彩等）、装饰元素（装饰的属性、材质、造型和色彩等）、配饰元素（配饰的种类、材质、造型和色彩）、形式元素（形式美原理）等。
2中国传统元素运用的意境层次
在国际服装界掀起的中国热潮中，许多世界顶级时装品牌都在推出中国特色时装秀的同时，大举进入中国成衣市场：Gucci品牌在纽约和北京的广告中曾以蓝色调中国风格的裙子为主打产品；GiorgioArmani品牌推出旗袍领的衬衫；Prada品牌和MiuMiu品牌也推出结合盘扣和旗袍领的西式衬衫以及装饰中国旗袍领的棉运动衫等。确实，很多国外设计师设计出了大量优秀的具有中国元素的服装，这些服装具有很强的视觉冲击力。但是也必须看到，这些设计师往往以猎奇的心态，用西方现代的设计理念和设计方法来演绎中国元素。结果是作品很好看，但很难领会到中国文化的精神内涵。同样的素材，设计成什么样的产品，要看产品设计的目标。这当中素材的价值和设计目标都是变量。同样，中国传统元素在服装设计中的运用也有着不同的价值取向和意境层次，在此仅就意境层次加以分析。结合品牌文化与品牌定位，中国传统元素在品牌服装设计中运用的三个层次则是：表形、达意、造势。“形”是物象的外形与结构，它是表象。“意”是指物象所蕴含的象征意义、美好寓意。外在形态是内在意义借以表达的方式，是内在含义的外化和物化。在“意”的层面上，中国元素成为各种象征意义的载体，设计师用充满想象力的表达形式，把人们内心深处的祝愿以文化符号的形式再现了出来。“势”通常指“形”所蕴含的气韵及其所表现出来的态势和气氛，“势”能传达整个形的精神。在服装设计中，“形”和“意”相对比较好掌握，因为这还是停留在一种对中国元素浅层次的理解和认识层面上。而一种新的民族形式的创造，是需要在研究中国元素时能够摆脱其物化表面而深入到它们精神领域的内部。因为只有在深入领悟了中国元素的精华之后，结合现代西方服装设计理念，兼收并蓄，融会贯通，找到传统与现代的契合点，才能打造出属于中华民族、同时又是国际化的现代服装。
3运用中国传统元素的品牌服装设计
思维在服装创意设计中，感性思维和理性思维是交织在一起的，以中国传统元素为切入点的设计自然也是如此。创意设计过程，一般会经历五个阶段：初步灵感、累积、孵化、启发和验证。虽然不同设计各个阶段的时间长短不尽相同，而且可以相差悬殊，但是启发阶段在任一个案中都是极短的——如同一道光束投射到主题上。一般来说，初步灵感的获得，感性思维占据主导地位，其时间也相对较短。当某个（些）中国元素成为你的设计灵感源或表现趣味点之后，就进入时间相对较长的累积和孵化阶段：收集大量的相关素材、分析比较、理解品牌定位、画草图以及冥想。这一过程是各种复杂的、矛盾的、含混的事物并存的时期，感性思维渐居主导地位。正是因为这种状况，一切都不是线性的了，原有的思想、模式、定律都可以被打破，原创性的设计才会破土而出。在累积和孵化阶段，作为理性思维首先就要区分中国元素运用的类型：如果是作为纯视觉符号运用，那么形式感就几乎是设计的全部，中国元素的运用一定要脱离所借鉴原型的束缚。对于传统图案可以较自由地运用打散、切割、错位、变异等方法，将这些形元素进行新的设计重组，达到一种独特的效果。也可以改变配色关系，如将传统的龙纹图底配色变换为黑白关系，龙纹仅仅是龙纹，不具有象征意味，不代表九五之尊，它只是图案。在国外的设计师中，有不少运用中国图案的，演绎非常成功。因为他们不受中国传统文化的束缚，就只是把龙、凤、中国红当作很好的素材来运用。正所谓：“横看成岭侧成峰，远近高低各不同。不识庐山真面目，只缘身在此山中。”在设计中国风格的服装时，就要在理解中国文化的基础上，充分运用现代设计理念进行中国元素的演绎。“中国风格”是世界的视角，词汇本身就说明了国际性，所以中国风格的设计要将传统与现代结合起来。
4结语
中国优秀传统文化的传承既是中华民族文化复兴的需要，也是中国本土品牌走向世界的需要。中国传统元素的挖掘、提炼、运用需要在学理层面和实践层面齐头并进，以加快设计运用的广度与深度提升。本文仅对中国传统元素的概念、分类、运用的意境层次以及设计构思进行了初步的阐述，希望能有更多的专家学者共同来研究相关课题。
作者：吴春胜 单位：浙江科技学院艺术设计学院
[关键词]商业大片 汉服 服装设计 视觉文化
一、现象：古装商业影片的汉服
古装商业影片，成为近年中国电影主体市场的亮点，从《十面埋伏》《英雄》、《无极》，到备受关注与争议的《满城尽带黄金甲》、《夜宴》等都赢得不菲的国内票房。这些国产商业影片有一个基本共性，即基本的故事构成要件贫弱，反之，服装与美术设计等作为视听综合艺术的形式要素，表现得别出心裁、美仑美奂，大有喧宾夺主之势，成为电影受众议论的焦点与影片的亮点。就《满城尽带黄金甲》而言，那数量千万的金色与银色的铠甲，那充满杀机并不乏唯美色彩的围巾，还有宫女嫔妃穿的低领V字开口艳装，着实让人吃惊不小，这部影片为之获得美国电影业服装设计工会奖中历史类最佳电影服装设计奖《英雄》的服装设计也较有成就，章子怡一袭红妆，领口与衣带缀绣花纹，李连杰则黑冠带、黑发额、黑盔袍、黑剑盾。张曼玉与梁朝伟都着翠绿纱衫，红色、黑色、绿色被分别赋予了不同的象征意义。
电影演员的服装是由美工组的服装师设计出来的，电影服装设计是电影生产中的一个重要环节，就古装商业影片而言，服装设计注意的要点很多，不仅拘牵于剧本、剧情，而且还有导演业已成熟的艺术风格。另外还需有利于演员在典型环境中的形象塑造。所有这些都建立在一个既定的前提之下。即电影服装设计要基本符合人物形象所处历史阶段的服饰风俗或传统。
在历史语境内，中华民族的服饰传统就是汉服，汉服有自己约定俗成的基本特点，那就是“上衣下裳，束发右衽”。《周易・系辞下传》云：“黄帝、尧、舜垂衣裳而天下治，盖取诸《乾》、《坤》。”“上衣下裳”是华夏民族最早的服饰传统，“衣”指上衣。有方领与交领之分，交领又叫“衿”，交领处有结，腰间系带，男性常用革带。女性常用丝带。贵族多穿帛衣和皮衣，贫民则着粗麻或兽毛制成的短衣，汉代学子常服青色交领上衣，因此，曹操《短歌行》云：“青青子衿，悠悠我心。”表达其功业未就而求贤若渴的充沛感情。“裳”指下衣。追根溯源，是由上古先民的遮羞布演变而来，裳有帷裳，或者称“帷”，帷者，围也，指围在下身的布帛，《论语・乡党》云：“非帷裳，必杀之”，杀指杀缝，想必帷裳是不必杀缝的，可见帷裳是裳的最初形式。就裳而言，郑玄称：“凡裳前三幅，后四幅也。”大致样式指前面由三幅连缀，后面由四幅连缀，腰部带褶，褶的多少大小。以裳的上腰部与穿着腰身粗细为度。“束发右衽”也是华夏民族最早的服饰传统。古人“束发”出于礼义的要求，《礼记・冠义》云：“凡人之所以为人者。礼义也。礼义之始。在于正容体，齐颜色。顺辞令。”男子束发以加冠，女子束发以加笄，成为成年男女的日常服饰特点。古人之“衣”，均为右衽，指衣襟右掩。系于腋下。束于腰间。其直接功用在于遮掩裳的开口之处。
“上衣下裳，束发右衽”表现出来的汉服基本特点，以及它在不同时代的流行款式，已经成为古装商业影片中电影服装设计的重要参照。具体表现为，反映不同时代的影片要求相应的汉服特点，在大致遵循汉服形制的前提下，演员着装的具体款式与颜色搭配可根据影片类型、演员风格与角色性格决定取舍，甚至可以加进某些现代设计元素。电影服装设计最终做到的。是能够将服装设计化入人物形象塑造，使之成为剧情的重要组成部分，可以传递出与影片主题相同或相近的文化内涵。
二、符号：民族文化的形象识别
汉服所具备的独特的审美特征，与华夏民族的文化传统有着密切的联系，《尚书・武成传疏》云：“冕服采章曰华，大国曰夏。”“华夏”成为我国的代称，暗含着服饰之美是我国的伟大象征。中国美学体系是以“意象”为基本范畴的审美本体论系统。美的创造表现为“意象”的产生及向境界的升华。“‘象’既是意象之本，也是美之本。无象则无美。”汉服之美不仅表现为古人对美的追求与创造，尤其表现为汉服所自觉呈现的审美意象。同样作为认知世界的方式，“象”比“言”可能更接近现实本身，因此，才有《周易・系辞上传》“言不尽意，立象以尽意。”就汉服的审美意象而言，它必然会传达出一种精神内涵，换言之，汉服是一种“道”的外化与象征。而这种“道”指称什么呢?
春秋以降，中国上层社会兴起宽衣博带，并将其视为尊贵加以推崇，有这样的社会风气，衣与裳被时人缝缀在一起，称之为“深衣”，取象于“披体深邃”。汉代以前袍服已经盛行，何谓“袍”?《急就篇》注云：“长衣曰袍。下至足跗”，指衣的长度达到脚脖的衣服。由于深衣在中国服饰史上出现早，流行时间长，及其对现代服饰的巨大影响力，人们将其视为华夏服饰的重要代表，我们以深衣为例说明。《礼记・深衣第三十九》记载深衣形制云：“古者深衣盖有制度。以应规、矩、绳、权、衡。……十有二幅，以应十有二月，袂圆以应规。曲袷如矩以应方，负绳及踝以应直，下齐如权衡以应平。故规者，行举手以为容：负绳、抱方者，以直其政、方其义也。故《易》曰：坤六二之动，直以方也。下齐如权衡者，以安志而平心也。五法已施，故圣人服之。故规、矩取其无私。绳取其直，权衡取其平，故先王贵之。”《礼记・郊特牲第十一》云：“礼之所尊，尊其义也。’《礼记》被视为儒家经典，深衣形制讲究“规”、“方”、“直”、“平”，强调“天人合一”和等级秩序，隐含着其符合儒家思想要求的政治制度、社会思想、文化传统，乃至伦理观念。在中国漫长的封建社会，儒家文化发展成为中国传统文化的主流，在这个意义上，深衣不仅是汉服的一种款式。亦是中国传统文化的一种实存，甚至是华夏文明的一种表征。
深衣如此，其他汉服款式亦如此，如汉服的上衣下裳，《周易・系辞下传》中就有“黄帝尧舜垂衣裳而天下治，盖取诸乾坤”的记载“衣取象乾。居上覆物，裳取象坤，在下含物也”。那么上衣下裳取向于天地又有什么意思呢?《礼记・乐记》记载：“天尊地卑，君臣定矣。”天尊地卑，决定了君臣之间君尊臣卑的等级关系。而上衣下裳的冠服制度，则成了标志和维护等级制度的重要手段。这就很明显的把服饰创造与治国平天下联系起来，彰示了古代服饰的文化功能。在这里，上衣下裳的服饰不单单是指服饰本身，而是一种文化符号、一种象征、一个统治工具，从而形成中国古代独特的“服饰治世”文化现象。汉服作为电影服装设计审美意象之“道”即在于此。
事实上，在较为严格的文化学理论范畴 内，汉服仅仅是表征华夏文明的一种文化事象，对于整个华夏文明而言，可能并不那么重要。文化研究专家霍夫斯塔德(Hofstede)把文化分层解析，将一个民族的文化比喻成一个洋葱，由表及里分别为象征物(Symbols)、英雄人物性格(Heroes)、礼仪(Rituals)、价值观(Values)。在他的这个理论里，汉服与语言、建筑物等一样，人们能够看得见，并很容易分辨出来，它们共同隶属于最外层的象征物。但是。也应当看到，在象征物意义上的汉服出于礼仪的需要，常常关系到个体在社会交往与生活中的行为方式甚至方法。因此，汉服又隶属于礼仪层。事实上，无论是作为象征物或是礼仪。汉服毋庸置疑地都能够传达出中国传统文化的价值观。按照巴尔特结构主义符号学的理论，电影服装设计成为使用影像加工与创造银幕世界的一种“代码”。它也存在表层和深层两个结构系统。既可以为视觉形象地感知，又可以不断生成意义和认同。在这个意义上，作为电影视觉符号的汉服具有生产功能，它生产出一定的意义。即中国传统文化的价值观。不仅如此，作为电影视觉符号的汉服。也会生产出相应的社会解读和文化认同。由此生发出个体的身份认同和相同的意识形态。换言之。汉服作为一种民族文化事象。其传达的不仅仅是高超的美学工艺，还是汉民族一脉相承的文化传统与理想追求，每一位华夏子孙都会从中寻找到某种精神皈依，体会到历史的厚重感，增强实现民族腾飞的责任感。
三、视觉：服装设计的审美期待
电影服装设计作为最终呈现于银幕的影像，最终是服务于电影受众的视觉的，也就是最终要“被看”的。对于广大电影受众而言，对电影服装设计注意与否可能因人而异，他们具有视觉选择的自，鲁道夫・阿恩海姆认为选择性是视觉的重要特征，他形象地阐释说：“在观看一个物体时，我们总是主动地去探查它。视觉就像一种无形的‘手指’，运用这样一种无形的手指，我们在周围空间中运动着。我们走出好远，来到能发现各种事物的地方，我们触动它们，捕捉它们，扫描它们的表面。寻找它们的边界，探究它们的质地。”阿恩海姆讲这番话，主要用以说明视觉是一种主动性很强的感觉形式，而积极的选择是视觉的一种重要特征。以视觉为理论视域，电影艺术被作为视听艺术，影像与声音是电影艺术的重要媒介，或者说是电影艺术具有本体性的特征，其中的影像是靠视觉来解读的，电影服装设计最终也是服务于视觉的。
其次，计算机辅助设计能实现数字化设计，在过去的时间里，几乎所有的设计都是在纸上绘制的，这种设计方法不仅不易保存，而且更改起来比较困难。而自从使用了计算机辅助设计，所有的图纸均可利用设计软件来完成，不仅节省了存放空间，方便查询，而且还可以进行远程传输，实现资源共享。
二、利用服装CAD提高效率
所谓CAD，主要指的是利用计算机技术及图形设备帮助设计人员进行设计工作的软件，目前，在诸多领域都有广泛的应用，服装设计就是最具代表性的一个。就目前服装设计的整个流程来看，涉及了诸多环节，如服装制版、样板缩放、排料、试衣以及设计等。每个环节中都可以将CAD软件充分利用起来，与各个环节的操作紧密结合，达到自动生产的目的，从而提高了工作效率和设计质量。正因为如此，CAD软件在当前服装设计中已经得到了十分广泛的应用。高校作为直接向社会输送高级技术人才的重要场所，为了进一步实现对高技术人才的培养，必须对服装CAD的使用给予高度重视。在服装设计过程中，CAD软件的主要优点在于能够提高各个设计环节的工作效率，减少设计人员的工作量，缩短产品的生产周期。从软件在服装设计各个环节的优点来看，主要体现在以下几个方面:
(1)在服装制版环节的应用方面，过去该环节几乎全部依靠手动来完成，而使用了CAD之后，则大大提高了工作效率，尤其是在褶变化比较多的女装制版方面，其效率更是远远超过了手工操作。
(2)在服装修版环节的应用方面，服装CAD只要在已经推码的版型上修基本码，其他号型的版型就自动修改，其效率要远远高于传统的手工操作。
(3)在排料环节的应用方面，能够降低排料的难度，让学生可以根据教师所传授的经验自行排料，不仅能培养学生的基本能力，而且还能够大大节省用料和用人。
三、CorelDRAW在高校服装设计教学中的重要角色
CorelDRAW软件也是当前高校服装设计教学中常用的一种计算机辅助设计软件。该软件的优点在于，能够为设计者提供极其细致的绘制和画图工具，而且使用的方法简单易懂，容易被设计者所接受。近几年来，随着Windows系统在软件操作平台上地位的不断提升，CorelDRAW软件在图形设计中的应用也越来越广泛。利用CorelDRAW软件辅助服装设计，具体使用起来是非常方便的，以服装设计中的西装款式图绘制为例，这种款式服装的设计，其绘制流程主要包括四个环节:首先，要画出一个后片，并在此基础上利用图形绘制功能加入矩形、转化成曲线，接着用造形工具根据设计的具体需求对后片的形状进行调整，此环节需要注意的是，在绘制过程中，要将出后领座充分表达出来。然后镜像复制另一个后片，再复制一个作为前片的基形，焊接两个后片，再利用造型工具对下摆和领弧线的弧度进行进一步调整。以上环节完成之后，接下来就是进行色彩填充，一般情况下，色彩的填充可根据设计者的设计意图进行合理操作，如果最终的色彩效果无法充分表达设计者的意图，那么则可以利用软件对其进行更改，直到满意为止。最后一个环节是面料的画法，在该环节中，设计者需要注意的是，上层和下层是属于两个不同的填充层，通常情况下，上层为单色填充层，而下层则是渐变填充层，将单色填充层移至渐变填充层上，点击上面的单色填充层，然后点击透明工具，选择位图图样透明，图层属性为正常，选择不同的透明工具属性可以产生不同的面料质感。通过以上几个环节的设计，就可以顺利地将西装的款式图绘制出来，与传统的手工操作相比，不仅大大节约了设计时间，而且修改起来比较容易。与此同时，也能够将设计者的设计意图直观、全面地体现出来，对高校服装设计教学质量的提升具有重要意义。
四、用Photoshop制作服装效果图
目前，计算机绘制图形的类型主要有两种，一种是矢量图，另一种是点阵图。上文中所提到的CAD和CorelDRAW软件均属于矢量图，是利用几何公式表现的图形;而点阵图则是依靠点与点之间的排列来完成的，最具代表性的软件就是Photoshop。在当前高校服装设计教学中，Photoshop软件的利用也是非常广泛的。一般来说，利用Photoshop来制作服装的效果图，首先要从线稿开始，对于线稿的绘制，设计者可以通过手绘扫描和利用软件直接绘制两种途径完成，Photoshop在制作服装效果图中的应用，还可以提高对色彩的处理能力。在实际的应用过程中，应该将绘制好的线稿放在底层，并在此基础上建立图层，在图层上利用铅笔、画笔、油漆桶、渐变工具等根据要求填充颜色，无论是平面色、渐变色，还是过渡色，均可利用以上工具来完成。同时，利用Photoshop，设计者还可以完成制图过程中所需要的直线、曲线以及绒毛等，甚至还可以根据设计意图自行定义，这样能够更好地丰富绘制效果。Photoshop软件在服装设计教学中的另一个优点在于，可以利用图层样式和滤镜制作意想不到的特殊效果，增强效果图的可视性。此外，利用Photoshop设计还可以在最短的时间内对局部色彩进行调整，调整的时候，设计者只需要将需要调整的部位选中，重新填色或者使用调整命令和调整工具改变色调即可，十分简单易行。总之，用Photoshop制作服装效果图，比传统的手工绘制表达方式简便、具体得多，效果更好。
五、结语
当解构主义在设计界渐渐被熟知的时候，时装界也悄然发生了改变。在服装行业，解构主义的思想在服装文化中主要表现为否定结构理性和着装传统的服装设计理论，不再单纯地按照人体比例、美学原理、线条、对称等基本要素为主体，将历史的传统经典款式与现代款式自由组合，不受任何限制。服装款式变化多样，吸收旧的款式特点再进行第二次甚至第三次创造，不拘于传统的素材，任何一样东西都可用于时装设计。除此之外，还将服装进行“零散化与断裂感”。零散化在传统服装设计中丧失了过去的和谐美，将服装的各部件以零散化的方式表现，服装被彻底肢解，形成一种怪异的服饰现象，所表现出来的仿佛是拼凑性的大杂烩。
其实，这种现代服装结构的挑战始于20世纪70年代，在70年代很多欧美国家的社会充满着反叛与探索，每个阶层的人都喜欢表现自我，思想前卫时尚。特别是年轻人，受到摇滚音乐与流行音乐的影响，人们在服装及发型上也喜欢穷极表现，另类的发型及古怪、叛逆的着装在这时都能被人们接受并被推崇。例如70年代的朋克一族，衣衫破烂、行装拖沓、闪光豹纹等以前是被上层人所鄙视的激进着装，英国的设计师维维安·韦斯特伍德运用解构的方式设计许多含有朋克意味的服装，这类反叛文化渐渐成为时尚主流。维维安·韦斯特伍德在设计上强调对服装的破坏或夸大服装的原有概念，将人们对社会的不满情绪宣泄与昭显自我的目的通过服装表现出来，其实她的设计与服装中的解构还是有着微妙的不同，她早期的服装设计更受披头士的追捧，而近期的设计作品则显得更加理性化，是真正趋向于现代服装的解构。
1970至1980年代服装界发生重要改变的另一因素是在国际舞台上出现了一批日本服装设计师。随着日本经济的日渐稳定及发展，日本服装行业与国际接轨，当时的服装行业，独具特色的东方风格在国外设计界受到欢迎。其实早在20世纪60年代的日本高校，在艺术设计教育体系中就培养了大批优秀的服装设计师，例如三宅一生、山本耀司、川久保玲等人的设计作品展现出有别于传统服装的样式，他们独特的设计打破了西方一统的服装舞台，用解构来表现服装新面貌，渐渐风靡世界各地。如今，当代服装设计师在设计中如果运用了解构原理，在作品中则更倾向于体现个体本身，体现服装自身的独特性。正如山本耀司所说：“凡穿我所设计服装的人，所欲表达的是一种属于自己独有的个性。”而在川久保玲的设计中，总是喜欢打破华丽高雅的传统女装审美习惯，着装另类化，例如在做裙子设计时有意把裙的下摆进行斜裁，毛衣上故意做出破洞，川久保玲喜欢把一些不同材质的面料或款式组合在一起，例如极薄的乔其纱和毛织物、粗花呢与雪纺进行拼接，一半的职业装与优雅的晚装相结合，浓郁的民族风格服装与时尚的摩登款式结合等，从各种对立要素那里寻求组合的可能性。从这些设计师的作品中都能从德里达的解构方法论中得到启示。
如今的服装日新月异，设计师在设计时寻求的解构方法也多种多样，解构后重组的服装式样更能体现现代审美意识。如果只是简单地打破结构不能算是解构服装，只有通过设计师对服装进行重新改造、创新才算是解构服装。由于亚洲和欧洲文化的差异性，不同地域的设计师做解构主义服装时所展示的风格及细节设计也各有不同。就女装而言，亚洲解构服装以日本为代表，设计师主要运用大片面料进行巧妙拼叠、捏褶做出奇特的服装风格，作品中展示出设计师的个性。欧洲的解构主义服装则是强调人体着装后的性感与服装风格的体现，欧洲的服装设计师喜欢在胸部和臀部大做文章，常用各种解构手法将这两个部位重点突出，并用其它部位错落的外观来凸显女性身材的优美。
当然，这些都只是服装解构的简单表现，想要真正做好解构设计，必须在服装设计中对服装的正统原则及正统标准进行批判，对服装进行重新诠释，这才是解构主义的真谛，而不是单单对服装的结构或服装中体现的性别、地位、经典等流行套路的解构。有的设计师在设计上喜欢打破男女装之间差异，例如法国著名时装设计师让·保罗·戈尔捷的设计作品常常破旧立新，他的设计常令时尚界哗然。这位设计师设计过穿在长裤之外的裙子，将内衣当作外衣穿着，并时常将男女的传统服装颠倒，这种对于性别与传统的挑战，正是服装界所需要的新鲜的设计方向。
服装是文化的重要表现，服装总是随着时代的需求发生变化。无论是解构主义、极简主义或装饰主义，其实这些主义的盛行都与他们背后的文化密不可分，各种主义的兴盛及衰退皆因人的需求及审美而变化。如今，人们喜欢表现自我，“奇异就是美”这一现代化服装设计观点是人们所追求的，德里达的宇宙与万物的生成是一种生生灭灭的运动，是无休止的结构———解构———重组———再造的万物生成过程。随着世界上多种文化的相互融合，解构已经不单单只是解构。解构主义没有给自身确立一个原则，这正如德里达所说的，解构不是颠覆，也不是颠倒双方的位置。迪奥解构了礼服，卡尔·拉格菲尔德解构了裘皮，解构主义下的服装消除了服装固有的设计思维，成为了这个时代的主流。它是反保守、反复古的一种趋势，其设计反应出一种对传统观念的叛逆，表现出一种极具个性的创新精神，是对经典美学标准做突破性探索而寻求新方法的尝试，表现了这个时代的精神。
作者:丁莺 单位: 青岛大学
1原创在服饰文化发展中的价值意义
服装设计师以及专家学者普遍认为，继承和发扬我国服装体系，追赶世界服装设计高水平的步伐，提高服装原创设计自身设计水平就要借助我国服饰文化力量的优势。在现代服装设计中融入中国服饰文化已经成为当代中国服装原创设计的重要特征。服装原创设计可以以服装为媒介以原创设计为手段，发扬中国传统服饰文化，向世界展示中国独特的服饰文化，接受中国传统服饰文化。让世界了解中国的服饰文化，领略中国服饰文化的魅力，也让中国服饰文化走向世界。世界服装产业的格局仍是以法国、意大利、英国、美国和日本为中心，他们也是世界五大时装中心的所在地。这些时尚中心的服装产业发展与其本国文化密切相关，尤其是法国。服装对于法国人而言不仅作为艺术品标志着文化艺术的发展，甚至已经成为了法国文化艺术的形象代言。在其一百多年的服装发展中，已形成了独立完整的体系，设计思维、结构理论、服饰文化等方面都值得我们学习和深入研究。众多具有百年历史的世界级品牌从风靡世界的高级时装到高级成衣，都渗透着深刻的文化内涵、独特的服饰文化理念。其发达的服装产业源自于服饰文化理念在现实环境下的实现。法国服装产业的成功也为我国服装产业发展提供了经验和启示。美国作为一个多民族的国家，拥有众多的哲学和艺术流派，对外来文化具有很强的吸收性，优秀的设计师们将美国人的生活方式和性格在服装上表现得淋漓尽致。大众文化对其服装业的发展具有深刻的影响。亚洲唯一的服装强国———日本，在服装产业起步之初，发展状态与我国服装产业的发展极为相似，凭借其独特的日式东方文化在服装产业发展中取得成功，日本服装产业的成功与其服饰文化的发展经验值得我们借鉴。当服饰文化被提到一个产业的高度时，服装产业对服饰文化的认识也开始进入到一个更深的层面。中国服装品牌在经历由小到大、再由大到强的发展历程中，如何通过服饰文化去提升品牌的内涵，实际上是摆在我国服装产业面前的一大命题。
长期以来，我国服装品牌都处于一种跟风模仿的状态，只有数量和规模的发展一直是我国服装发展的困境。我国服装设计受“外来文化”的影响，作为“外来文化”背景下的产物，我们的设计没有自己的文化积淀，没有本民族的文化内涵。民族文化和国际时尚是对立统一的关系，在继承与发扬本民族文化的基础上吸收外来文明。国际化的设计是我们的服装走向世界的前提，本民族服饰文化是我们的服装在世界立足的根本。在世界经济一体的背景下，如何应对国外服装品牌的市场竞争是首要考虑的，我国过去的“服装加工厂”方式己经不能继续适应服装国际市场。此时此刻，服装原创性设计被推上了至关重要的位置。服装业发展至今，现代女装设计将服装作为一种精神语言，更加注重体现女性的个性，全方位地诠释自我。因此，服装设计再也不能像以前那样抄袭、模仿、照葫芦画瓢，应当是焕发时尚并且充满文化气息的自主设计产品，其灵魂就是原创。原创的本质在于服装的文化底蕴，好的服装设计折射出来的文化底蕴需要服装设计师丰富的想象力和创造力，服装设计师将文化内涵的理解转化为自身的意念，通过自身的专业技术将这种文化和艺术融入到服装设计中。一个好的设计理念的实现，需要服装设计师对服装文化内涵有深刻了解，将服饰文化的意识观念转化为设计师自身的理解，挖掘出这种服饰文化潜在的深层涵义，通过自身的专业技能对其表达和传播。中国具有悠久的历史文化，传统文化内涵极其丰富，服装设计师们可以从多方面和不同角度来挖掘传统服饰文化。而继承传统的正确态度是将原有的传统文化加入现代元素，不断地丰富和推陈出新，使传统与现代相互融合，创造出有独特个性的新风格服装。
2结语
设计永远不会停滞，在服装产业快速发展的今天，服装原创设计更是起到举足轻重的作用，影响到我们的生活以及未来服装的发展。不断地开拓服装原创性设计领域，推出新颖的、耐人寻味的服装，以此推动服饰文化的发展。
作者：邱书芬 单位：江西科技师范学院 江西服装学院
关键词：服装设计教育专业人才教育创新
自20世纪80年代初，随着改革开放的进程，世界范围的经济、文化、科学、技术对我国的全面渗入，服装设计这一新兴的文化形式很快受到国人的瞩目和青睐。服装设计教学经过近20年的探索和实践，已有了可喜的成绩，这一新兴专业已为我国服装业输送了大批设计骨干。各类层次的服装设计专业教育如雨后春笋在全国各地纷纷建立起来，据权威机构统计，截至2003年底，全国高等职业在校生共计781万，占全国普通高校在校生人数的53.4％。据不完全统计，截至2005年4月，全国开设服装设计及相关专业的高等院校已近200家。一方面，大量服装专业毕业生陆续走上了工作岗位，这无疑是为我国服装行业的发展奠定了可贵的基础。而另一方面，很多领导、专家认为人才的严重匮乏，是我国服装业迈向更高层次的最大阻力，很多品牌老板对懂设计，通营销，具有良好语言沟通能力，善于捕捉信息的人才求之若渴。正如一位服装教育界人士所言，我国服装业对人才的需求远远大于供应。然而，随着毕业生社会信息的反馈，服装专业教育方面存在的一些问题和观念上的错误倾向也越来越不容忽视了，尤其是教育创新的观念更是迫在眉睫。
一、教育创新的重要性
在我国高等教育已从精英教育进入大众化教育阶段的新形势下，纺织服装高等教育应当采取什么发展战略。原来的纺织服装高校多数都已更名，并向多科性或综合性方向发展，办学规模一般已由原来的数千人发展到万人以上。这些学校应当如何科学定位和转型，纺织服装办学特色如何继续保持和发扬，课程体系、教学内容、方法、手段应如何改进，我国以往沿用的以美术教学为主体的设计教学模式，虽然在短短的几十年内，有了突飞猛进的发展，但在国际设计的平台上，拿知识经济的标尺去衡量，我们与发达国家相比仍然有不少差距。我国沿用的以美术教学为主体的设计教育，承袭了历史上的美术教育。随着经济时代的到来，这种模式已不适应培养高素质人才的需求，社会对设计人员创新能力的要求日益显著，服装设计教育应提高对创新意识重要性的认识，这样才能培养出在经济全球化中有竞争能力的设计人才。
二、服装设计教育中专业人才的教育创新的几点思考
1.更新服装专业人才的概念
服装专业人才，不单是指设计型人才、营销型人才、生产型人才，也包括管理人才、基础性研究人才。如服装制板师、服装设计师、色彩搭配师、工艺师、营销销售人员、推广策划专家、熟练车工、有经验的店长、导购等等人才。因为在当今的服装企业流水性生产中，尤其注重团队合作精神。只有各类别职业化人才的联手合作，才能为服装行业发展提供最根本的保证。换个角度来说，作为职业化的人才需要非职业人才不具备的产业思想，土地、厂房、资金、品牌需要具有这种思想的人才来运作。
一位国内教育界的人士曾经就服装从业者需要多高的学历这个问题讨论过，他认为除了做理论研究、基础研究的学术型服装专门人才，单就企业工作，有本科学历已经足够。设计大师毕竟是少数，大量的服装专业设计制作与开发技术人员，有着较高专业技术的服装应用型人才才是企业迫切需要的。
很多企业用人，最主要看能力，有没有创新和开发市场的能力，一个优秀的服装设计制作者和生产者，不一定是高学历的人。21世纪，人才除了自身的能力外，更重要的是要拥有良好的社会关系，丰富完整的社会关系资源体系，成为衡量人才的标准之一。正如著名服装设计师陈闻所言，一个设计师必须有广泛的资源，比如加工资源、面料资源、信息资源等等，同时要有能力驾驭这些资源。培养能动脑，更能动手的高技能专业人才已经开始为教育界所重视。
2．以创新能力的培养为中心，调整课程体系和服装专业人才的培养目标及培养模式
（1）调整课程体系
目前服装设计教育课程体系存在的弊端
1980年以前的中国设计教育，依然承袭工艺美术教育的传统教学模式，其间的设计基础课程，以美术绘画为最主要的技能训练，注重通过临摹传统、写生自然等方式来进行造型方面的学习，而材料工艺方面的课程训练与社会存在很大距离。由于我国较早的设计院校大多是以美术学校为基础建立起来的。也就是说设计教育是从美术教育中衍生出来的，从而使设计教育也像美术教育那样主要以技能训练为中心，学生的学习是以被动的接受状态为主，他们把大量时间花费在以素描、色彩为主的写实技能训练上，往往忽视了设计的灵魂所在，即设计的创意。因此，有的学生在低年级的技能基础训练中，基本功颇好，但到了高年级进入设计阶段，就明显显得力不从心，其症结就在于缺乏创新意识和创造能力。
调整的方法
重视设计初期设计方案的评价，改用徒手草图进行。注重对想象创新能力、绘图表达能力、视觉判断力的综合运用。在这一阶段，不强调画面效果，着重于分析、思考，强调脑、眼、手的并用。这种强调图示思维的方法可有效地培养其形象化思考、设计分析和方案评价能力，激发其开拓创新的思维。
在传统服装设计教学中，一般学院都设置了大量的时间来学习以下课程，如：时装画技法，服饰色彩设计，服饰图案设计。在教学环节中，老师要求学生要画大量的效果图，其教学要求是：强调各种人物的动态造型练习，加强色彩搭配能力训练。其间为了追求画面美观还可以允许学生进行夸张造型处理、创造一些不实用，甚至有悖于常理的色彩设计。浪费了学生大量的时间和精力，且对以后的实际设计收效甚微，并使学生产生抵触、敷衍情绪。笔者建议这些教学环节应最大限度地运用计算机相关软件进行教学，从相应的材质库、模型库中直接地调出造型、色彩、图案来强化训练，可大大节约人力资源。
（2）分层次的学历教育
据调查显示，服装专业的毕业生转行率非常高，平面设计、网站设计、时尚媒体等成为他们转行的首选，而在剩下的毕业生中，考取服装专业研究生、博士生的比例也不小。笔者认为除了做理论研究、基础研究的学术型服装专门人才，单就企业工作，有本科学历已经足够。设计大师毕竟是少数，大量的服装专业设计制作与开发技术人员，有着较高专业技术的服装应用型人才才是企业迫切需要的。
针对这一现象，我们可以进行有目的的分层次学历教育，根据学生的情况给予不同的引导，真正做到因材施教，使学生能很快地明确在后阶段的学习中是强化动手技能训练，还是要加强更深入的学术研究探索。
（3）合作办学
引入优质教学资源，积极开展中外合作办学，以国际化的视野培养高质量人才。合作办学带来的好处是多方面的，不仅提高了学生的综合能力，促进了他们的成功就业和教师队伍的专业化建设，更为重要的是对传统办学理念形成了冲击，使办学模式得到创新，从而带动了学校整体办学水平的提高。
被誉为打造设计师的“梦工厂”的东华大学——拉萨尔国际设计学院，秉承“民族的就是世界的”理念，邀请了世界各地的老师前来授课，让学员在国际设计思维的冲击下，接受多元设计概念。学员完成学业后可以获得英国大学颁发的学士学位。
上海装苑文化服装学校是“日本文化服装学院连锁校协会”在中国内地较早开设的连锁学校。立足于培养学员成为既懂服装制作技术，又懂服装设计，还能熟练地掌握服装日语的复合型人才。
（4）改变服装专业人才的培养目标及培养模式
“一些服装专业的学生至今还陶醉在单纯的‘艺术设计’理念中不能自拔。”贾京生说，他们崇尚艺术、鄙视技术，不清楚设计与产品的关系，不关心市场对设计的需求和内涵。
同时，不少教师和学生误将服装教育看成是单纯培养艺术大师、展示艺术才华的教育，于是乐此不疲地热衷于各类大赛，渴望着“一举成名”。随着时代的发展，服装产业已由劳动密集型向技术密集型和资金密集型转化，企业的竞争已由低成本、低价位的竞争转向品牌的竞争，其中服装的科技含量和文化含量以及创新将是竞争的关键，这就对服装人才的培养提出了新的挑战和更高要求。中国服装教育与需求之间存在着不可回避的“距离”。如今，服装企业最需要既擅长服装设计，又懂工艺、懂板型、懂流行、懂营销运作的综合人才，而不是单一只会“纸上谈兵”，设计“图面效果”的人才。因此，我们必须就目前相对落后的教育观念、教育形式、教育结构、人才培养模式、教学内容和教学方法等进行一系列的改革，以培养出具有深厚文化底蕴、较高的科技素养、高尚的审美品位、较强工程技术能力的高素质服装设计人才。
所谓培养模式，是根据人才培养目标和质量标准，为受教育者设计的知识、能力和素质结构，以及实现这一结构的方式。根据培养目标，服装专业应采用以应用能力和基本素养为主线，同时注重应变能力可持续发展能力的培养模式。按照宽知识、厚基础、能力强、素质高的要求，建立新的课程体系，更新教学内容，采用现代教学方法和手段，重视实践能力的培养，其中最核心的是创新精神和能力的培养。
3.加强服装专业人才创新能力的培养
（1）创造性思维的培养
创造性思维的最根本特征，表现在敢于探索，敢于创造，敢于怀疑，敢于追求。能产生非凡的思维能力，表现为产生新奇、罕见、首创的观念和成就。服装设计作品的价值在很大程度上是由独创性体现出来的，是个性的产物，它的取向是求异。因此，服装设计教育工作者应鼓励思维的新颖独创性，爱护新思想的幼苗，允许探索中的失误，细心呵护突破与前进的萌芽。在设计教学中，要有意识地做到：
①巧设情境，激发学生的好奇心。
②激发想象，启发创造思维。
③走出局限，让学生敢于质疑。
④营造氛围，创造空间，抒感与想象。
（2）服装专业人才能力的培养
作为一名符合时代需要的优秀服装人才，除了具备较高的专业能力外，还应具备以下几方面素养：
①人文素养。俗话说：要想成才，必先学会做人。我们所培养的服装人才必须具有较高的人文素养和深厚的文化底蕴。只有学会做人，有社会责任感，关心他人、关注社会、关注人类面临的共同问题，有高尚的情操和审美品位，才能把握时代的脉搏，把真正时尚、健康的文化传播给大众，才能设计出真正具有生命力的服装。
②科技素养。科技的迅速发展，在改变着我们的物质世界的同时，也改变着人们的审美取向。科技对于服装来说，不仅仅是技术，它还将影响到思想、文化和美学等诸方面的问题。
③跨文化素养。在跨国际经营中，由于文化的差异使服装产品在款式、色彩、面料、装饰手法及广告、营销等手段上，与当地人们的生活方式、审美情趣、风土人情、价值观、道德观不一致而造成滞销的状况，经常发生。因此，我们的服装要想占领国际市场，创立世界名牌，设计师就必须了解国外市场，了解那里的消费者的文化背景、审美观、价值观、消费观以及其历史、宗教、哲学，等等。
④市场经济素养。服装是一种商品，必须遵循商品的一般规律。从产品到消费品，才是设计的真正完成。作为一名优秀的服装人才，必须是一位市场整体的策划者，只有充分熟知市场运行规律，找准自己的消费群体，才能进行正确的市场定位。
三、趋势
随着中国市场的不断完善，服装品牌的快速发展，国际交流合作日益增多，可以预见不久的将来，国际化人才的需求会越来越大。未来世界，具备审时度势、预测洞察力，具备全方位的国际化思想和度量，真正具有国际化理念的资本国际化运作人才，会成为最奇缺的人才。目前，我国纺织服装高等教育发生了根本性的变化，正进入一个新的发展时期，社会各界和各纺织服装高等院校正不断创造新的办学经验，深入总结探索既符合高校办学规律，又符合我国国情的办学思路和办法，加速纺织服装高校的健康发展。
参考文献：
[1]蔡军.《关于艺术与设计的思考》[J].《美术观察》,1999.12
近些年来，服装意象在现代服装设计中越来越受到普遍认可，而纵观中西方的现代服装设计作品可以发现，审美意象早已在服装设计中得到广泛的贯彻落实。在中国古典美学理论当中，审美意象既表现在文学作品里，又凸显在艺术设计上，人们利用“意象”来表现主观与客观的情感与物象，“象”是“意”的载体，而“意”又将“象”抽象化。于是，“意象”相融合的艺术设计作品便具有特殊的艺术审美性，而吸引人们目光的也正是那些极具艺术审美魅力的设计作品。但在西方文化中，意象属于传统哲学范畴，西方哲学家认为意象与认知活动紧密相连，意象能够帮助人们在心理上形成对外界事物的认识，然后通过反思之后在头脑中形成观念、思想与情感。西方当代哲学家萨特曾指出，意象是对客观事物形成意识的一种活动，在此基础上萨特提出了艺术意象理论，他认为设计者在创作一件艺术作品时会运用意象审美将客观物象意象化，从而创作出具有审美意象的艺术作品。虽然在对意象概念的阐释上中西方文化有着不同的解读，但在艺术设计领域当中并不会产生对美的差异性感知，中西方达到了高度的审美契合。在中西方服装审美意象中，对于现代服装设计具有两个方面的内涵阐述：一方面在形象思维下进行服装的艺术外部形象设计，另一方面则在意象审美的理性思维中进行服装设计，最终将服装转化为具体的表象。在满足了以上两点设计需求时，意象审美的艺术表现张力才能够更加鲜明地释放在服装设计上。而实际上设计师带着审美意象的视角进行设计，就是借助感性的、主观的、想象的设计思想将生活中的具体图像元素抽象化、象征化。与此同时，设计师还需将自身的主观情思融入到服装设计中，从而令所设计出来的服装艺术形象既有虚实统一、新奇个性的客观之象，又有能够引起人们情感共鸣的主观之意，这样人们更能从服装设计中感受与领略到来自设计的形态美及意象美。
二、从审美意象视角看现代服装设计
（一）现代服装设计中“象”的视觉审美
在现代服装设计中，所谓“象”的视觉审美，即指人们从服装设计中获得的视觉直观感受。一件服装需要经历多道程序才能最终呈现在人们面前，而其中最主要的第一道程序就是图像设计，设计师将头脑中的想象通过画笔与纸张的碰触变为客体物象。但值得注意的是，服装设计中的“象”并非简单意义上的形象表现，外部形象与内在形式共同构成了现代服装设计“象”的视觉审美。首先，外部形象主要指设计中的各种造型元素，包括形式要素（如点、线、色、质等），以及形式要素的物理属性（如线的粗细、色彩的明亮、质感的厚重等），这些简单的形式造型元素及物理属性在设计师巧妙的构思下被组合在一起，从而利于设计师将服装的外部形象设计出来。其次，“象”视觉审美的内在形式是指设计师在创作的过程中将所需的造型元素依据其物理属性及规律性进行重组，使得服装设计内部结构（如主次、对称、渐变等）能够符合相应的形式美准则。只有当服装设计在外部形象与内在形式两方面实现协调统一时，人们才能真正欣赏到“象”视觉审美在现代服装设计中的完美展现。现今，人们常常处于忙碌的生活状态而疏远了自然，但这种状态却越发激起人们向往自然的审美意识。于是，现代服装设计师在洞悉了人们这一审美心理之后，开始从自然形态中获取设计灵感，将已存在的自然形态进行意象化重构，进而设计出具有大自然气息的服装表象。有时设计师会直接提取自然物象中的造型、色彩、纹理等，并运用理性思维将这些元素进行有意识的重新组合，而后把重新组合的造型安置在服装外部结构上，以点缀与丰富服装的外部形象。而这种提炼与再加工恰好是为了更加鲜明地凸显服装设计“象”的视觉审美，从服装设计上让人们得到最直观的感受，从而为人们带来视觉与心理上的冲击。
（二）现代服装设计中“意”的情感审美
“意”的书面意思主要指人或事流露而出的情态，能够传递主体的情思。由于服装是人们日常生活中必不可少的生活所需物，不仅能够满足人们遮羞蔽体的需求，而且还能装饰与美化个人的外部形象，因而人们对于服装具有特殊的情感。有时一个人决定购买一件服装除了其极具“象”的视觉审美之外，服装设计中“意”的情感审美也是一个重要的影响因素。情感是一件服装设计作品精神与物质的表现载体，寄寓了设计师对生活的热爱与追求，同时也能够折射出设计师的人生观与价值观，而这些都能够透过服装设计作品传达给人们，容易吸引到具有相同经历与体验的消费者。于是乎，设计师在进行现代服装设计时不仅需要发挥无限的创意性，而且还要投入百分百的情感，这样才能充分体现出服装所蕴含的设计情感。人类的情感其实最难以猜透与捉摸，具有复杂多样性，但依然可以大致划分为主观感受体验与客观内涵体验两种，所谓的主观感受体验是指人们从生活事物与现象中获得的情感，如自然情感、审美情感、社会情感等；而客观内涵体验即指较为抽象化的情感，如血缘情感（亲情）、亲缘情感（友情、爱情）、地缘情感（乡情、爱国）。这些不同的情感都会影响着现代服装设计的流行趋势。如唐代是一个社会风气较为开放的朝代，因而人们的审美意识也趋向于浪漫、雅致与雍容，当时唐代仕女装打破了以往封建社会时期的严谨性，“袒胸装”成为当时的流行风潮。又如在20世纪70年代的西方国家中，年轻人向往自由、追求新奇，喜欢穿造型夸张的“朋克”装，以此来表现他们的反叛意识。由此可见，在现今这个善于表达的环境氛围中，服装也往往成为人们传达心情与情感的主要方式，服装的款式与色彩都能够反映出一个人的情感变化。因此，“意”的情感审美越来越在现代服装设计中发挥着重要的功效。
（三）“意象”相融合的现代服装设计
对比来说，“象”与“意”有着本质的区别，“象”注重外在的表现，而“意”则侧重内在的传递。但是，当“象”与“意”相互融合时，就会发挥其更大的表现张力，这对于现代服装设计非常重要。设计师深谙“意”“象”之间的密切关联，于是他们将对世界与生活的“意”蕴含在现代服装设计中，通过创意、个性、具体的“象”来表现与传达。因而，“意象”相融合的现代服装设计充分体现了设计师的审美意象设计理念，实现设计师对人类情感与寄托的传达，以具体的“象”来表明服装设计的目的与内涵。因此，现代服装设计已成为一种特殊的表现形式，并上升到更高的艺术层次，成功地从生活表象传达晋升为生活内涵探索，在“意象”融合的现代服装设计中，人们能够获得物质享受与精神情趣。在现代服装设计中，最高的艺术境界就在于“意”与“象”的高度统一与融合。而作为艺术形象范畴的一种，现代服装设计不仅讲究服装形象的视觉审美效果，同时也追求超越外在物象的情感审美效果，从而在形象与情感上满足消费者的审美追求。实际上，“意象”的融合并不是简单意义上的两者相加与结合，设计师需要协调好具体物象与艺术形象之间的影响因素，这样才有利于既设计出具有良好形象的服装，又能够在情感上感染消费者，进而勾起消费者的消费欲望。因而，设计师只需抓住与掌握消费者的消费心理，将想象、创新与情感融入到服装设计中，进而完美地展现服装的风格与气质，并在情感上感召消费者。当然，在审美意象的服装设计理念中，设计师应当始终树立创新意识，以突破传统服装的设计模式，在结构、造型与材质上进行深入挖掘及探索，从而设计与创造出全新的艺术形象与服装面貌。如此，融合了“意象”审美的现代服装设计便在一定程度上提高了档次，能够满足大众消费者的消费心理与审美追求。
三、结语
