时间：2023-07-03 17:57:10
关键词：歌剧；中国歌剧；表演艺术；审美特征；民族性
从17世纪初产生于意大利的第一部歌剧《奥菲欧》至今，歌剧在世界舞台艺术史上已流传了四百多年。这种起源于西方的舞台表演艺术，除了具有融音乐、戏剧、舞蹈和舞台美术于一体综合性的舞台音乐戏剧艺术的特征之外，其主要的特征在于完全以歌唱和音乐来交代和表达剧情的戏剧。一部歌剧所要表达的主题思想、风格及其艺术魅力，都是通过演员所塑造的音乐戏剧形象而展示出来的。因此，歌剧表演艺术具有高度综合美的戏剧性、音乐性的审美特征。
1 歌剧艺术表演的戏剧性和音乐性
歌剧作为综合音乐、诗歌、舞蹈等艺术而以歌唱为主的一种戏剧形式，其演出形式和其他戏剧舞台艺术一样，都要凭借剧场的典型元素来表现和完成。例如，舞台背景、舞台音乐、服装道具灯光以及演员的表演等。较之其他戏剧不同的是，歌剧演出除了完成演出所要的典型元素外，戏剧性的情节和歌手歌唱声乐技巧等音乐元素尤为突出和重要。在歌剧表演中，必须全面把握声乐演唱与舞台表演两大要素。戏剧性和音乐性是歌剧表演的生命和灵魂。
和其他戏剧形式相同，舞台演出的最终目标是要在舞台上传达出剧作家的思想、情感，他的理想、痛苦和喜悦。歌剧的戏剧性和音乐性是相辅相成的两个因素，歌剧音乐是体现歌剧戏剧性的重要途径和手段。莫扎特的歌剧观认为：音乐与台词相比较，音乐则富有更为明显的戏剧表达能力。因此，莫扎特把音乐创作看作歌剧创作的基础。其次，莫扎特认为音乐有独特的表现力、音乐是歌剧创作的基础，所以，音乐是可以独立表达人物性格和剧情发展的，从而加强了歌剧创作中音乐的戏剧性表述，他特别注重歌剧创作中音乐的戏剧性。我国著名的音乐学家、评论家居其宏在文章中说，在歌剧音乐中存在着两种戏剧性：广义的戏剧性和狭义的戏剧性。在歌剧中，运用音乐艺术的一切构成因素和种种可能的表现手段来刻画人物性格，推动情节发展，表现戏剧冲突，进而最终完成音乐在歌剧中所担负的创造使命――这就是广义的戏剧性。狭义的戏剧性就是音乐艺术在歌剧中正面描写和直接表现危机和爆发以及人物性格激烈的内部和外冲突所具有的强烈的和独特的艺术功能。因而可以说，歌剧音乐表演水平的高低，某种程度上决定着一部歌剧的成败。例如，捷克作曲家、钢琴家和指挥家，捷克古典音乐的奠基人贝德里赫・斯美塔那（Bedrich Smetana，1824～1884）创作的歌剧《被出卖的新嫁娘》中，全剧以民间故事为题材，在叙述表达民间故事的同时，恰当地加入民间音乐元素，很好地处理了戏剧和音乐之间的关系，达到了音乐与戏剧情节的相统一。《被出卖的新嫁娘》中的第三幕第七场，是全局矛盾冲突的高潮，在玛任卡与叶尼克之间的矛盾进一步激化的情景下，作曲家在此设计了具有波西米亚风格的二重唱音乐，以速度的变换表达剧中人物的心情，体现出强烈的戏剧性效果。莫扎特创作的著名歌剧《魔笛》中，对于塔米诺抒情男高音使用了两首咏叹调，用优美的旋律刻画了人物的性格特征和内心世界，而对帕米娜的唱段则是凸显她的外柔内刚的性格特征，夜后的唱段是标准的意大利风格，由抒情到花腔唱段，旋律变化明显而有节制，细腻地表现了夜女王的由善到恶的性格变化过程。
歌剧表演艺术属于听觉视觉审美的范畴，它借助舞台的空间感体现审美特征，融合声音一起刻画出完整A舞台形象，提升作品的再创造性。歌剧表演者在舞台上进行歌唱时的肢体语言和面部表情相互配合的过程。在歌剧演出中，主要的扮演者往往是具有专业音乐水平的歌唱家。作为一个合格的或优秀的歌剧演员，在歌剧舞台上的演唱不仅仅是个人演唱技巧和风格的展示，也不仅要有扎实的唱功，更重要的是他的演唱必须与歌剧的主题、结构、音乐、角色的个性等其他元素结合起来并融为一体。以不同的类型的音乐展现人物不同的特征。一位伟大的歌剧演唱者，必须具备娴熟的表演技巧同时也要具备良好的心理素质，以多方面综合性表演技能来塑造人物形象，用各种手、眼、身、法、步的表演和发自内心的演唱来说服和征服观众，吸引观众进入真实的角色和情景。斯坦尼斯拉夫斯基的体验派戏剧表演体系的理论主张认为，没有真正的体验就不会有艺术，体验是艺术的基础。要正确的体验角色，就是“在舞台上，要在角色的生活环境中，和角色完全一样正确地、合乎逻辑地、有顺序地、像活生生的人那样地去思想、希望、企求和动作”。它的理论体系要求演员在整个表演过程中，自始至终都贯穿着体验，实现戏剧表演的内外统一。中国第一部民族歌剧《白毛女》中演员在表演时，就使用斯坦尼斯拉夫斯基的体系方法，从角色出发，分析角色的情感，抓住角色的内心体验，表演真实自然可信，同时又融入了戏曲的一些虚拟化的表演。例如，《白毛女》第三幕中，喜儿在张嫂的帮助下，逃出了黄家，在黑夜里突然发现路前方被一条河流挡住。郭兰英此时就运用了虚拟化的无实物表演，通过自己的表情和动作，把戏剧情景中的景物刻画出来，展现给了观众，从而使整个剧看上去更为生动，更为吸引观众。《白毛女》之后的中国民族歌剧大都借鉴了它的创作和表演方式，在演唱的同时注重戏剧表演的表现力，其手势、眼神和形体动作无不体现出中国戏曲表演艺术特有的美感和韵味。
2 中国歌剧表演的民族性特征
2001年《世界维护文化多样性宣言》指出：“文化在不同的时代和不同的地方具有各种不同的表现形式。这种多样性的具体表现是构成人类的各群体和各社会的特性所具有的独特性和多样化。文化多样性是交流、革新和创作的源泉，对人类来讲就像生物多样性对维持生物平衡那样必不可少。从这个意义上讲，文化多样性是人类的共同遗产，应当从当代人和子孙后代的利益考虑予以承认和肯定。”同样，世界上任何民族的文化都反映着特定民族的价值追求、理想情操，是该民族精神力量和国民品性的体现。诞生于“五四”新文化运动时期的中国歌剧，在近百年的历程中，经过几代歌剧艺术家的艰苦实践和探索，已形成了自己独特的、鲜明的艺术特点和浓郁的民族特色。中国歌剧表演艺术在戏剧表演上还是在保留西方戏剧写实的艺术风格、追求真实的再现戏剧情景基础上，扎根于中国传统文化的土壤，吸收了一些中国传统戏曲的舞台表演手法，带有戏曲的程式化和虚拟化的表演方式的痕迹，“虚实结合，以实为主”，具有鲜明的民族特征。它的民族特征主要表现为对中国传统戏曲以及民间文化的学习和借鉴。
中国歌剧从产生发展至今，取得了长足的发展，同时也形成了自己独特的、鲜明的艺术特点。中国歌剧的民族性特征是融合了戏曲、歌舞、话剧、外来音乐元素，它是中西方音乐融会贯通的结果。从其题材选取来说大都是取自我国的本土内容，故事情节真实感人，在人物的塑造上比较典型，具有深刻的教育意义；在音乐创作方面具有鲜明的民族（下转第页）
（上接第页）风格，而且大量地吸收了民歌、歌舞、小调、戏曲等艺术素材和创作经验，语言结构注重节奏韵律和声调规律，曲式结构也多是较为简单、规整的民族调式结构；表现形式上注重身段扮相，也形成了字正腔圆、抒情婉约的演唱风格。如李波在秧歌剧《兄妹开荒》中，采用民间演唱风格和民间舞蹈的表演形式；在《草原之歌》的排演中，留美歌唱家邹德华深入学习戏曲和民歌演唱技术，掌握汉语歌唱的吐字发音规律，协调了唱法与语言风格的关系，用美声来演唱，成功的塑造了独具民族性格的人物形象。
中国歌剧的表演同样以演员的歌唱和表演为中心，运用戏曲板腔体的音乐结构到歌剧音乐创作中来，并以此创作主要人物核心咏叹调，一般由民族唱法的演员扮演剧中主要人物。民族歌剧舞台表演的审美原则主要来自我国传统戏曲的虚拟化表演和写意原则，同时从话剧和西方歌剧中吸收了写实审美风格和生活化表演的种种手法。在二度创作中，逐渐形成了歌唱与表演统一平衡、民族唱法为主、写意与写实有机融合的特色，加强了时代感，丰富了民族歌剧的表现力，极具民族风格，适合中国大众审美理念和欣赏习惯。1964年甘肃省歌剧团创作演出的现代题材歌剧《向阳川》，讲述了一个发生在当代的感人故事，处于陇河下游的古牛湾遭受洪水围困，灾民急需口粮，只有上游的向阳川大队可以通过水上运输及时送去粮食，以解燃眉之急。丰收后的党支部书记常翠林，积极筹粮备筏，前往救灾，可是队长宁永禄不愿拿出为建设水电站专用的粮食和电线杆去救灾。在常翠林“一人有事万人帮”的感召下勉强同意。他们驾着筏子行驶在惊涛骇浪的陇河。常翠林在妹妹不幸落水的关头，含着巨大悲痛，义无反顾地把救命粮送往灾区。这部歌剧是我国歌剧继《白毛女》《洪湖赤卫队》《江姐》之后反映当代生活的又一力作。在北京演出后受到了等党和国家领导人，以及戏剧界专家的一致好评。此剧从主题立意、题材选择、人物塑造、音乐作曲等方面都具有鲜明的时代特色和中国大西北的生活气息。除了以中国西北作为全剧故事发生的地点之外，还将流行于西北的洮岷、河州“花儿”提炼出与剧本题材相互谐调，确立以流行于西北的“花儿”音调为基础进行创作，同时借助各种作曲技法加工复创，从而形成独具甘肃地方特色的歌剧音乐。全剧咏叹调式的抒情性大段唱腔和宣叙式的叙事性唱段，都充满“花儿”的风格和韵味。尤其是对主人公常翠林、宁永禄的重点唱段以及群体演唱场面，以独唱、二重唱、四重唱甚至合唱、领唱、混声合唱等多种形式。一些大段唱腔还借鉴了秦腔、陇东道情等戏曲声腔的结构原则，用以强化人物的戏剧性。此外，作为全剧主题歌的《中华儿女斗志昂》贯穿始终，在点示题旨和加强音乐形象方面起到了重要的作用。作为一部大型的中国歌剧，全剧主创人员在中国歌剧民族化的道路上做出了可贵的探索。
法国启蒙思想家，百科全书派的代表人物狄德罗在他的《演员奇谈》一书中谈到：“人的品格、仪表、声音、判断能力、灵敏的感觉，都是自然的禀赋。需要研究伟大的典型、了解人心、谙悉人情世故、勤奋工作、积累经验、熟悉歌剧这个行当，通过这些才能使自然的禀赋趋于完善。”一部剧作的舞台呈现效果最终由艺术家的不断再创作来完成，娴熟细腻的表演，真挚丰富的情感，亲切自然、朴实无华的歌唱技巧，是成为伟大艺术家的终身追求。因此，牢牢把握歌剧表演艺术的审美原则和审美特征，是所有从事这门歌剧艺术之人必须遵循的基本法则。
参考文献：
[1] 居其宏.论歌剧音乐的冲突性[J].音乐研究，1984（2）.
[2] 李媛媛.莫扎特歌剧《魔笛》的戏剧性分析[J].作家，2013（24）.
一、声乐艺术的美学内涵
美学视域中的声乐艺术是音乐学的一个重要组成部分，声乐艺术用音符表达情感，包括具体的声乐作品，表演者的感情体验，完整的声乐艺术通过表演者的审美体验表现出来。随着声乐艺术的多元化发展，声乐艺术的审美体验不断受到重视，对声乐艺术的美学特征的研究逐渐增加，丰富了整个声乐艺术的内涵。声乐艺术的美学内涵主要体现在三个方面，一是声乐创作中的美学。声乐作品的创作不是简单的音符之间的叠加，声乐作品的创作者要具有良好的文学艺术修养和音乐素养，才能整体把握整个作品的基调，整合文学语言与音乐语言，使其完美的融合，获得一定的审美体验，创造出完美的声乐作品。二是声乐艺术作品本身的美学。音乐作品的语言具有一定的美感，虽然简单，但却不失文学的魅力，加之优美的旋律，是很多声乐作品具有不衰的灵魂，能充分表达情感，整部作品的美学意义巨大。三是声乐表演中的美学。众所周知，声乐艺术是一种极具特色的审美艺术，在其丰富的表演中也具有强大的美学特征。声乐表演者具有美的体验，在具体的表演过程中演员加入自己的情感色彩，使作品更加饱满。另一方面，表演者在表演的过程中向观众传达一种美的感受，对观众施以美的熏陶，在表演的过程中，将声乐艺术的审美体验传达给观众。
二、美学视域中声乐艺术的特点
声乐艺术要借助人来表达，美学视域中的声乐艺术特点之一就是借助人的演唱来表现一定的美学效果。一副好的嗓音就是一部完美的声乐作品，具有不可比拟的审美价值。另外，大多数的声乐作品都与文学作品有关，具有丰富的文学艺术背景，这样的基础之上，声乐艺术的美学特点就更加丰富，优美的文字能使声乐作品的内涵更加准确，容易让人理解，深入广大听众的内心。因此，我们可以说，美学视域中的声乐艺术深入听众的耳朵，更加理解听众的需求。在民间声乐的发展过程中，声乐艺术的美学意蕴更加丰富，对于美学视域中的声乐表演者来讲，美学意蕴的丰富扩大了他们表演的视野，对声乐艺术的诠释能更加完整。
三、如何在具体的实践中运用声乐艺术的美学特征
运用声乐艺术的美学特征，进行具体的声乐表演，开展丰富的声乐教学活动等，对声乐艺术的发展有着积极的促进作用。因此，在具体的实践中，运用声乐艺术的美学特征强化声乐演唱的方法，能促进声乐艺术的发展。
（一）积极研究声乐演唱中的美学思想音乐作品被大众的认可以及欣赏需要表演者挖掘作品中的情感，将演唱技巧与情感表达融为一体，对作品进行完美的诠释。因此。表演者要积极挖掘声乐作品中存在的美学思想，提高对音乐本身的审美能力，将丰富美学思想通过自身的表演传达给观众，使观众得到美的享受和体验。
（二）在教学过程中培养学生的美学感悟力声乐演唱的教学过程中，教师要有意识的培养学生的美学感悟力，提高学生对于声乐艺术的理解能力，使学生在具体的作品演唱中更好的把握作品的情感基调。教师在具体的演唱教学中，分析音乐作品中包含的美学色彩，强调理解美学内涵对于演唱作品的重要作用。让学生理解到声乐演唱的美感与歌曲本身的基调是相辅相成的，只有理解作品中美学思想，才能更好地诠释作品。
（三）声乐艺术的表演中注重乐器的配合使用乐器的伴奏是一种特殊形式的美学色彩，在声乐表演中同样具有非常重要的作用。不同声乐作品中的乐器的配合使用，能为观众营造不同的美感体验，丰富声乐作品的内涵。不同的乐器具有不同的美感特色，运用在具体的声乐表演中，表现不同的审美。例如，笛子的音色欢快，可以为感情基调欢快的作品进行配乐。而钢琴的音色柔美，可以为感情舒缓的作品进行配乐等。在具体的声乐表演中，选用不同的乐器配合表演，会调动演唱者内心的情感，引导演唱者运用不同的美学思想与美学思维来诠释整个声乐作品的内涵。
一、引言
在人的抽象情感艺术中，审美素养作为其中的重要表现形式，成了实践主体对外在美接收与体验的一种手段，同时也是钢琴表演艺术的重要信息。钢琴演奏者在进行演奏的时候，需要将自身的思想认知与文化素养间接呈现出来，形成独特艺术内涵的演奏内容。而为了更好的实现演奏者审美素养的提升，必须要对钢琴音乐表演艺术中的美学进行正确把握，对各种音乐理论知识进行融会贯通，实现自身钢琴审美知识水平的提升。所以说，通过对审美素养的相关理论进行分析，能够强化钢琴表演艺术，实现审美素养能力的提升，将钢琴艺术所具有的特殊感染力展现出来，实现优秀艺术文化的高效传播。
二、审美素养概述
对于审美素养来说，指的是人的抽象情感艺术展示，它所展现的是实践主体在面对外在美的时候，所形成的一种接收与体验状态，在结合主体文化内涵以后，将其自身的艺术素养体现出来，构建创新、内化与创造的条件。在钢琴表演中，表演者所具备的审美素养，更多的是通过演奏旋律、情感展现以及乐曲需求所表现的张力进行展示，为了对艺术作品中的美感圆润、完整的展现出来以后，能够更好的实现演奏者审美素养感知能力的提升。在文艺作品中，审美素养包括三个层面的内容。首先，文艺作品形式美，主要通过节奏、韵律、结构与文字等外在表现形式展现出来，而文艺作品的形式成了观众所接触的审美因素，实现观众想象力的激发，引起观众的共鸣，塑造良好的艺术形象。其次，文艺作品中的具体内容。文艺作品在经过作者的编写与编排以后，需要将一定的历史内容与形象体系囊括其中，然后采用客观的生活内容来进行阐释，这也就使得文艺作品能够展现出情操美、人格美与理性美。最后，文艺作品的象征性，其所形成的审美因素，需要将意境与意象囊括其中，让观众能够从历史内容中进行领悟，对其中的审美因素进行欣赏。
三、钢琴表演审美艺术特点与成因
在钢琴表演中的艺术审美，需要借助钢琴表演中的审美意象来展现，而审美意象的构建，需要以作家的主观审美感知与体验为基础，将客观世界的物质生活进行筛选，构建主观思想与情感体系。意象作为一种具有主观情绪的物质产品，需要借助某种艺术语言与媒介展现出来，从而构建艺术作品的艺术形象，钢琴表演艺术形式也需要借助感官世界来对审美意象进行展现，形成一种感性认知。
(一)钢琴表演艺术中的审美意象特点1．意蕴性审美意象作为意蕴的意象，成了情绪化的意象，同时将作曲家与演奏家精心设置的抽象含义蕴藏其中，成了一种浓缩的思想情感载体。在钢琴表演当中，观众所体会到的审美意象，能够从表演形式、音乐节奏与场景组合来获得，这些表演形式与音乐节奏等都会产生一些文化意义，成了钢琴表演艺术当中的重要组成。2．画面性在审美意象的作用下，能够形成独特的审美意义画面，在开展钢琴表演中，音符并不是采用简单的符号相加，而是需要将主观情感囊括其中，形成一项组合。在聆听钢琴演奏的时候，观众能够在脑海中形成一个画面感，从而将一些抽象的音乐符号具体化，这也就使得其在钢琴表演艺术中能够展现出画面性的审美意象，让观众能够从中领悟到乐曲的审美内涵，实现观众理解水平的提升。3．同一性与非同一性同一性指的是在同一首乐曲的演奏中，不同演奏者所传达的音乐内涵具有一致性，这是因为在演奏过程中，演奏者能够从自身的体验中，感受到乐曲所表达的音乐内涵。这种音乐内涵能够在音乐作品中形成稳定性，并不会随着外界因素产生变化。而非同一性则是在同一首乐曲的演奏中，不同演奏者所表达的音乐内涵，存在一定的差异性，这种情况的产生主要是因为个性差异、个人阅历与心理特点造成的。在进行钢琴表演的时候，艺术性能够通过统一性与非同一性展现出来，两者之间并没有高下区别。
(二)钢琴表演艺术中审美意象的成因1．作品与艺术认知在钢琴表演艺术过程中，审美意象的产生，受到了艺术认知程度的影响。对于艺术认知程度来说，需要将演奏者的作品认知展现出来，通过对作曲家进行分析，了解其自身的创作过程与创作背景，实现演奏艺术水平的提升。演奏者通过对舞台弹奏效果进行整合，能够在不断地思考中提升自身的演奏技巧，将乐曲中的思想内涵完美的传达出来。在不同作品与艺术认知下，所形成的审美意象存在一定的差异。2．心理特征在审美过程中，审美标准成了人们对审美对象衡量的一种手段，同时受到审美主体生活经验与审美趣味的影响，使得其在审美中的最终结果产生了一定的差异。而在审美标准中，心理特征也会产生一定的影响，包括气质特征、性格特征以及兴趣爱好等，在钢琴表演中，演奏者与观众的审美，在很大程度上受到心理特征的影响，只有把握其心理特征，才能更好的实现审美素养的改善。3．听觉能力钢琴表演艺术的实现，听觉能力产生了直接的影响，而审美意象需要借助人体的听觉器官来进行传输。在声音的传达过程中，观众能够借助声音来识别音符，从而产生联想，特别是对于钢琴表演来说，观众需要用心感受，体会其中的韵味。除此之外，观众能够借助听觉能力，进行审美意象的欣赏，演奏者同样如此。钢琴演奏者在听觉能力下，能够对作曲家的创作意图与思想情感进行准确的把握，从而借助听觉来将其中的艺术内涵展现出来。
四、钢琴表演艺术中审美素养能力的提升
在当前的钢琴演奏艺术中，通过实现音乐理论知识的融会贯通，提升艺术修养的水平，实现审美素养能力的改善。
(一)融入音乐理论知识在钢琴表演艺术中，通过将音乐理论知识融入其中，能够对钢琴表演艺术进行重塑，实现艺术内涵的提升，将钢琴表演的发展性与创造性发挥出来。在当前的钢琴艺术表演中，音乐理论知识的融入，能够为钢琴艺术表演的开展提供必要前提。这就需要钢琴演奏者必须要加强理论知识的积累，从而对钢琴艺术作品进行完美阐释，实现钢琴艺术作品审美性、艺术性与文学性的展现。
(二)积累钢琴审美知识审美作为一种感性意识，需要在演奏的过程中，将美感认知与自身经历相结合，积累更为丰富的审美知识。在日常生活中，钢琴演奏者需要在积累审美知识的过程中，对自身的演绎风格形成正确把握，实现自身音乐审美知识容纳量的扩充。演奏者在接触作品的时候，应该从自身的角度出发，对其中所蕴含的时代气息展现出来，掌握其中不同的民族特征与地域文化，在进行演奏的时候，形成独特的演奏风格，对其中所蕴含的思想情感展现出来。因此，在钢琴演奏过程中，演奏者需要在整个演奏活动中，需要将自身独特的审美思想融入其中，实现对钢琴演奏作品的二次创造，提升钢琴演奏的创造性与艺术性。
【关键词】民族声乐；艺术；审美取向
一、我国传统民族声乐艺术审美特征分析
（一）音域审美特征
音域主要是人发出的最高音至最低音之间的范围，因此包含女（男）低音、女（男）中音和女（男）高音。传统民族歌曲演唱音域大多处于中音和低音，高音区演唱比较少。部分少数民族歌曲在结尾处可能会出现高音演唱方法，但是音域不高。例如陕北民歌，其主要是真声演唱风格，因此对音域要求较低，且演唱题材可选择范围广，演唱风格呈现出浓厚的平民化特点。陕北民歌大多数是人们释放情感和感悟生活，因此传唱度非常高。
（二）音色审美特征
声音的频谱结构能够决定音色美，从音色划分包括男声和女声以及低、中、高音。在传统的民族歌曲演唱中，女声和男声都比较追求亮丽音色，虽然会使听众感到用嗓过多，但是呈现出明亮感觉。由于音色区域性特点比较强，并且与地区百姓的生活习惯比较贴合，比较符合民族审美原则和习惯。因此，部分民族歌曲在特定场所中表现力和穿透力都非常强。比如草原情歌对唱等演唱方式，提升了男声与女声的参与度，容易引发共鸣，从而萌生情愫。《等爱的玫瑰》以及《月亮之上》等歌曲之所以能够流行起来，主要得益于凤凰传奇组合极具感染力的音色。
（三）音质审美特征
音质主要是指的是声音的质地。由于传统民族歌曲的音质比较硬，柔韧度不足，歌曲演唱主要是表达自身情感，因此民族风情和地域性特点都比较强。少数民族歌曲内容大多数赞颂生活，表达欢乐和爱情，因此音质要求比较低。正是由于民族歌曲具有较高的普及率和传唱率，能够赢得群众基础，因此在传统民歌演唱中具有重要作用。由于民歌情调和创作技巧均比较单一，因此，为了符合大众审美要求，可以将民族风格添加到民歌唱法中，注重调节音质和音色。然而，由于民歌唱法中的民族风格特点未宣扬出去，因此，民族唱法的审美特征主要停留在音域审美上。
二、我国现代民族声乐艺术审美特征分析
（一）以情感动人
在声乐作品中，情感属于灵魂所在，是一种相融相合的复杂情感。“曲情”是曲作者借助歌曲调表达情感，通过曲式、节奏、旋律以及复调等元素充分释放出内心情感。“词情”主要是词作者借助歌词表达情感，包含了自身待人接物的态度，歌词节奏感和凝练性属于感染力提升的有效途径。“声情”主要是演唱者通过演唱表达情感。演唱人员在掌握作品意境和情感之后，结合自身演唱风格和技巧全面阐释词作者和曲作者的内心世界。例如，歌手张韶涵就是以空灵和悠远嗓音著称。
（二）以“润腔”为美特征
在民族声乐艺术发展期间衍生的美化唱腔就是“润腔”，以情感为中心，将歌曲主题作为依据，巧妙应用赠音、滑音、叠音等润色曲调，使曲调与歌词完美融合在一起。“润腔”所追求的风格美主要为音色丰富性，能够有效拓展声乐艺术感染力。因此，在对民族声乐艺术的审美价值进行评判时关键在于“润腔”成功与否。
（三）以语言感染人
民族声乐审美标准在于歌唱语言。清晰的歌词表达有利于听众理解歌曲。民族声乐语言的三大亮点在于曲调、词章和节奏。汉语声调包含有上声、去声、阳平、阴平，并且具有较多语气词、量词和音节，在演唱时可以应用平仄、顶针、声韵和回环等手法进行组合，因此，汉字美属于民族声乐审美的基础。音节、语调和韵律变化会使歌词节奏产生变化，往往轻快的节奏会让人深刻铭记，并且传唱度比较高。
三、关于我国民族声乐艺术审美取向的思考
（一）单一化发展逐渐转化为多元化发展
通过对我国民族文化发展的分析可以看出，传统声乐艺术在我国文化体系中占有重要位置。随着审美取向的不断变化，民族声乐也开始融合国外审美取向，通过各民族融合以及中西融合方式可以吸取精华部分。例如民族歌曲演唱家，其主要是以民族特色引发人们关注。所以，民族声乐发展历史必须遵循求同存异原则，并且鼓励多民族，多风格声乐艺术发展，这样可以确保民族声乐发展呈现出多样化趋势，满足人们的音乐审美需求。
（二）创造中西结合的声乐艺术审美取向
随着全球一体化发展，人们开始注重融合传统与现代审美，中国与西方审美追求更深层次的声乐艺术审美取向，所以，从我国民族声乐艺术审美发展趋势来看，应当积极学习和借鉴西方声乐艺术的精华部分，尤其是在发音位置、呼吸支持和讲究共鸣等表演和唱法形式上。并且从和声、配乐、旋律和节奏等方面追求更高境界，这样可以使我国民族声乐艺术逐渐与国际接轨，缩小与西方声乐艺术之间的差距。其次，我国民族声乐艺术发展还应当注重学习和借鉴传统文化中的精华部分，结合现代社会发展需求，建立具备时代特色的民族声乐艺术文化体系，以此丰富我国声乐艺术文化内涵。
（三）声乐审美取向的世俗化转变
现阶段，审美世俗化发展主要是由当代时尚观念转变所形成，时尚观念必须满足社会大众的审美特点和需求。声乐艺术的发展可以有效提升群众审美水平，然而，由于声乐艺术缺乏世俗化特点，因此不被大众所接受，从上述分析可以看出，我国声乐文化必须逐渐转向世俗化发展趋势。所以，需要将大众化元素添加到声乐文化艺术中，并将时代中的现代元素和活力元素注入到声乐艺术文化中，这样可以促进民族声乐文化朝着大众化方向发展，做好传承和宣扬工作。
关键词：美学特征：民族声乐演唱：文化价值
从文化价值的核心来看我国民族声乐演唱艺术，其艺术本身对于文化的定位、传承、创新与变革的过程其实是一个漫长积淀的过程。一方面是把我国丰富的民族文化，通过艺术手段转变与整理成文字、作品等有形文化保存与传递起来；另一方面是在已有民族音乐文化的基础上，不断的改革与创新，赋予新的文化内涵与时代特色，形成更为科学的艺术形态。才能够打牢具有传承性的文化根基。
一、当代民族声乐演唱艺术发展脉络
研究民族声乐演唱艺术涵义的前提是需要界围民族声乐艺术特征。作为声乐艺术的一种演唱形式，中国民族声乐是在我国民族民间音乐、说唱、戏曲等传统演唱艺术的基础上，继承并发扬其精华与艺术特征，并不断借鉴、吸收与融合西方美声唱法理论、训练与演唱技术而形成的具有我国声乐艺术演唱特色的，呈现科学性、民族性、群众性、艺术性和时代性的民族声乐歌唱艺术。
（1）新中国成立初期阶段（1949-1966年）
这一时期的民族声乐演唱艺术随着政治上的相对稳定，呈现出非常强大的生命力和发展支撑。随着中西音乐文化交流的不断增进，我国民族声乐演唱艺术也开始做出大胆的尝试，借鉴西方先进的创作手法，注重民族声乐作品中的戏剧冲突渲染和作品层次感的体现。使民族声乐演唱艺术更加具有文化内涵和社会价值。
（2）“”时期（1966-1976年）
处于“”的特殊时期，我国民族声乐演唱艺术因很多音乐工作者隐名匿迹而放缓了脚步，在踌躇中寻求新的突破点。这一时期具有代表性的民族声乐演唱作品是我们所熟知的革命样板戏，《红色娘子军》《智取威虎山》《海港》以及《龙须沟》，这些民族声乐作品在短时期内很快被推广。《我爱北京天安门》《打起手鼓唱起歌》等歌曲的出现，使整个民族声乐演唱艺术舞台出现了闪亮的彩色，《红星照我去战斗》《渔家姑娘在海边》等，让中国民族声乐演唱艺术恢复了新的生命力，社会及群众影响力以及文化价值再一次推向新的高度。
（3）改革开放以后（1977年）
改革开放的春风，吹遍祖国大江南北，唤醒了民族声乐演唱艺术的新征途。这一夜春风，吹开了桎梏在音乐文化艺术发展载体上的窠臼，民族声乐演唱艺术在滋润的艺术发展大环境下，焕发勃勃生机。《走进新时代》等诸多优秀作品，更能体现民族声乐演唱艺术的审美价值和文化价值。
二、审美特征视阈下的当代民族声乐演唱艺术文化价值
（1）民族声乐演唱艺术的美学特征
浩瀚的文化根源，使民族声乐演唱艺术在中华民族古老而博大精深文化孕育下，不断提升审美意识和价值取向。中国民族声乐演唱艺术在几千年的发展衍变中，不断凝结出富于特色的艺术风格，将“声、情、字、韵以及表演”等融为一体，在创新与发展中，不断完善，构成了中国民族声乐演唱艺术的基本审美特征。
以“声”为民族声乐演唱艺术的基础，充分发挥民族声乐演唱中声音对于情感的抒发表达，在自然的状态下追求甘甜与优美，细腻而具有弹性，科学的发声方法，将民族声乐演唱艺术展现的淋漓尽致。
以“韵”为民族声乐演唱艺术的审美价值追求。民族声乐演唱艺术追求的是一种演唱意境和对民族文化的升华。民族声乐的韵味是其审美价值的最终体现。更是内涵性的体现和诠释。
（2）民族声乐演唱艺术文化价值
任何一种音乐艺术表现形式，我们可以究其本，探其源，可纯粹的表现情绪、意境以及思想概念，但却不可容其单一性，民族声乐演唱艺术更是如此。
民族声乐演唱艺术发展至今，其不仅在纵向上对音乐文化的传承与淬炼形成了独树一帜的民族特征和演唱范式，更在其发展与变革中横亘艺术范畴与界围，不断的借鉴、吸收与融合，形成多元文化体系下的新元素。中国民族声乐演唱艺术的这种横向渗透性，在创新与融合中积极推动民族声乐演唱艺术文化的内核，精华璀璨。
与此同时，我们还需要深刻的审思民族声乐演唱艺术的文化导向价值。中国民族声乐演唱艺术的科学性与艺术性，是对文化价值的平衡性追求。
文化范畴下的民族声乐演唱艺术其本身就具有特色性和时代性，构架在审美特征下的当代民族声乐演唱艺术其表现力更具有融合的、开放的、民族的、多元的可持续性。民族声乐演唱艺术的尝试性创新，是从一种模糊意识状态向精致的文化理念转换的形态。
三、结语
音乐艺术在每一个民族的形成过程中，或多或少都被幻化为精神层面交流与沟通的手段与工具，使音乐艺术本身被赋予了神奇的力量。我们在美学特征视阈下审视当代民族声乐演唱艺术文化价值，更具有现实意义，只期为民族声乐演唱艺术的繁荣尽绵薄之力！
参考文献：
【关键词】杂技；技术技巧；艺术美
中图分类号：J828 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）08-0053-01
艺术美是杂技艺术的一个最主要的审美特征。它作为杂技艺术的美的形态，给杂技以内在的美学品格，杂技艺术则给予艺术美以特定的形式构成一一杂技艺术美。杂技的艺术美主要体现在两大方面：一是技术技巧层面，二是精神内涵层面。也可以将其概括为杂技的形式美和精神内涵美两大方面。这一概括，同时也抽象出了杂技艺术本质的、纯粹的和不断超越的品格。
一、杂技技术层面艺术美表现
杂技在技术技巧层面所具有的艺术美具体表现为“精巧”、“{难”、“惊险”、“奇特”、“魔幻”等；杂技的精神内涵层面的艺术美则具体表现为“壮美”、“优美”、“喜剧（滑稽）”等。这些概念都具有着一般意义，也就是说，这些美学概念如果从它们的单个角度看，适用于所有相同性质的事物，单独地、孤立地拿出其中任意一个概念来，都不能说明它是专属于杂技的。但是，当我们将这些美学概念有机地联系在一起，并且细致地分析出其所分属的理论层面，使它们成为一个不可分割的理论结构，甚至于理论体系，那么，由此所显示出的美学特征便会非杂技莫属了。这种组合方式，是杂技美学的质的规定性。
将杂技的艺术美分为技术技巧与精神内涵两大层面，能够更清晰地显现杂技在表现形式上的特性，与此同时，也能够更突出地显现这些美学概念在杂技艺术中的具体存在方式。还要明确的一点是，在杂技艺术中，技术技巧与精神内涵层面是一个有机统一体，它由人（表演者）的物质形态（人体技巧）与精神形态（精神内涵）在杂技中的具体表演来体现，在整体表演中是不可分的。
二、技术层面看杂技艺术美
“精巧”是技艺水平的象征，细致为精，熟中生巧。是每一项技艺都力争达到并有望达到的一种境界。活儿不精则糙，艺不精则平，唯精巧方得其妙。
“高难”是对技艺难易程度的定量概括。“{”是动态的、相对的，{难首先是对自身的不断超越，是对历史和时代的俯瞰，甚至直抵难度的顶峰。因此，{难是坚韧的意志、精湛的技艺和不懈的追求。
“奇特”是对技艺个性的把握。技艺的个性即特殊性，总是和新奇紧密联系在一起，它不仅给人以见所未见、闻所未闻的新鲜感，同时还给人以创新思维的启迪。
“惊险”是杂技审美的一个重要因素，是增加技艺难度的一个筹码。杂技艺术有效利用了人所固有的惊奇感和冒险精神，制造了许许多多人为的惊险事端，让表演者去征服，以抚慰观赏者的内心波澜。在多数情况下，表演者的真功夫或避险手段可以使之化险为夷，使观众尽情体验惊险，却实则有惊无险。
“魔幻性”和“神秘性”是魔术最基本的特征。魔幻与神秘都具有着超现实的本性，在现实世界以外构建一个奇幻、理想的世界。参与审美创造、体验神秘之境、破译奇幻谜底是广大观众的心理追求。魔术“百变无一真”，它只是魔术师的智慧对人的视觉感知能力的挑战，魔术的魔幻性是挑战过程中所产生的效果预期。
具体来讲，魔幻性是魔术师以具像物体（演出道具）调动观众对物体运动规律的经验联想，利用艺术手法所创造的意外结果。首先，具像给观众以真实可信的感觉，紧接下来，无意识的经验作用使人遵循物体变化的规律产生审美预期，魔术师则迅速利用自身技艺不露破绽地实现打破预期的变化结果。事实上，魔术师并不是超人，他同样是规律的践行者，是在误导法、障眼法等掩护下的以彼规律替代此规律的神奇表演者。魔术师变出来的东西绝不是无中生有，是魔术师身上或身边已存在的，不存在的东西，再神奇的魔术师也绝对变不出来。
通过这一系列形象塑造的演员在登台进行戏曲表演时其就不仅仅是以一个原始纯粹的演员身份了，而是作为一个充满强烈时代气息并具有一定知识水平，还和观众拥有密切联系的鲜活“角色”形象。“我似我，我亦非我。”艺谚的这句话就是对曲艺演员表演水平最佳的称赞，许多对曲艺表演有着高深造诣的艺术家们，就是这样一方面在舞台上努力的塑造出拥有鲜明性格特征的历史人物，同时在另一方面，也对自身形象进行塑造让观众喜爱自己。从社会心理学角度来说，观众和演员有着共生和相互促进的关系，在关于互动的情境中，每个人行动都会有两方面因素和结果。这就更要求演员在台上进行曲艺表演时要一开始就让自身进入其艺术创造的氛围与场景交流状态中，并用自身所创造的曲艺环境将观众感染从而达到表演预计效果；在此同时，观看表演的观众则通过演员在神情、动作上的演绎，从而来揣摩和判断他的品德和道行，在观众的心目中便产生了一把衡量的标尺，并以此对自己的欣赏态度进行评断，达到对艺术表演的积极配合与反馈。从事二人转表演的艺术家韩子平认为，在艺术表演上，一定要去学会对观众的心理状态进行掌握，并满足观众心理需求，要明白观众不但只喜欢美好的艺术形象以及悦耳长枪、生动优美的语言，同时，艺术的表演还要求曲艺表演者拥有一种友好谦虚的做人态度。在湖北的艺术曲界就流传着这样一个艺谚：“站如苍松滴翠，坐如玉树临风，心似春花怒放，目似故友重逢。”要是反过来，一个演员的自我塑造能力过低，那么就会对演员在其进行舞台形象塑造时产生直接影响，也在一定程度上将观众带入艺术活动偏解中，再严重的就是使观众丧失对演员的信任，让原有情感反映轨道偏离。
“通俗”通常是相对于高深且文雅的曲艺文化而言的，一般是指那些已经被大众、俗世以及各阶层所普遍接受并流行的。具有通俗文化代表特征的曲艺文化，便以其用“说”形式进行艺术表演的特征，使得曲艺艺术表演方式与方法相比较其他高雅艺术通俗易懂。只要是拥有健全听觉系统的人，都具备了欣赏曲艺艺术最基本的条件，因而曲艺文化也广泛的被人民群众所喜爱、接受，成为受大众喜闻乐见的艺术形式之一。曲艺艺术的生成与发展的实际，决定了它是具有民间色彩和民族特点的大众文化艺术，由于这种文化是人民大众创造的，因而拥有广泛、坚实的群众基础。曲艺表演艺术使用人民喜闻乐见的表演技巧和形式，反应出人民群众最为熟悉和关心的生活内容，体现出人民群众最真实的思想感情，寄托了大多数人民群众最为普遍的审美理想。曲艺表演艺术的创作是对人民大众艺术本质的体现，与人民大众保持着深刻的精神层面联系。纵缆历史上那些传承至今的优秀传统曲艺节目，之所以能持之以恒的成为经典，主要是由于思想内容和主题倾向于人民大众的理想，表达了群众的愿望、诉求，不断的引起人民的共鸣；同时也采取了人民大众喜闻乐见的表演技巧和形式。正是由于曲艺艺术与人民大众的审美与创造产生了密切的联系，因而构成了曲艺表演艺术通俗性特征的生成根源，构成了艺术的内容表达必须通俗的品格依据。说唱语言的通俗性，在其艺术的构成上主要表现在创作和表演广泛的使用了各地区人民群众的生活语言，即为运用方言、土语进行创作的曲艺表演。正如在讨论曲艺的艺术够层要素时指出：使用不同地区的方言土语，采用不同的方言放音亦或者是不同的民族语言来进行的表演方式，是曲艺文化的一大特点。正式对方言方音以及民族语言的广泛依赖，构成了曲艺表演艺术品种的丰富、多样性。许多相类曲种之所以能相互有别而又成为独立的曲种，就是由于采取了不同的方言、方音，以及从不同方言方音的基础上发出的不同“说唱”的曲调，来标识出自身的独特地位来。
一切事物的具体形态在其本质上来说都是由所表现的内容最终决定的，曲艺表演艺术的通俗性的特征，表现为艺术表达的内容时，具有鲜明的通俗性特征。例如，在曲艺表演节目中，通常会存在的情节结构大团圆式的套路，以刚正不阿、忠勇、清廉、善良以及仁爱、狭义的人物形象为主，主要表现出当今社会的主流价值取向和观念评判标准等等，这是对大众世俗社会中审美通俗的集中体现。这类曲艺表演的审美特点主要是以大众活动的生活体验为基础，与其他的艺术表演形式在主要特征和创造方式上有着很大的区别。现在的很多大作家之所以写不出好的、可以传世的作品，就是由于作家的个性创作与曲艺集体性很强的创作有着较大程度上的不同。
曲艺表演艺术要对寄托着人们生活理想、反应人民群众生活态度、体现人民群众生活观念、时间和思想感情。人们的审美愿望，对艺术结构进行种种表达，深刻的折射出曲艺表演艺术对占审美接受者绝大多数的人民群众的尊重与理解，显示出曲艺表演艺术与最广大的审美受众息息想通的艺术追求与价值取向，凸显出艺术的表现和艺术活动的特征。曲艺表演一定要结合人民群众的审美情趣，这一点在曲艺表演中非常的重要，也是曲艺表演艺术通俗性特点的另一个重要特征。曲艺表演艺术的传承与发展要在反应人民群众的生活理想、生活态度与生活观念等的问题上来进行研究和探索，真正的使曲艺表演能为广人人民群众所接受，为人民群众所尊重和理解，使曲艺表演文化不断发扬光大，并能够在人们心中树立新的形象，而且能够真正成为广大人民群众自己的文化。
作者：王永杰 单位：滁州市演艺集团歌舞剧院
【关键词】《魔笛》;西方歌剧;角色艺术;审美特征
中图分类号：J805 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）10-0053-01
一、《魔笛》作品分析
《魔笛》作为莫扎特生命最后一年写就的歌剧作品，深度应用了音乐素材完成了对于人物形象以及审美特征的衔接与转化，从序曲到终章都以不同的生命内涵完成对于性格的刻画，保证了人物以及故事之中的冲突性能够被其结构形式以及音乐体裁突出出来。
总体来说，在《魔笛》这部艺术作品之中，西方歌剧艺术的基本审美特性以及人物塑造方式都被深度地诠释出来，其丰满的艺术效果保证了剧情能够与音乐设定进行结合，人物的情感以及性格冲突能够在深度的艺术内容中被展现在观赏者的面前。对《魔笛》的人物角色以及审美特征进行分析，能够更加深刻地了解西方歌剧艺术的内涵。
二、西方歌剧中的审美特征
西方歌剧艺术的人物角色以及情节艺术的设定都需要符合西方艺术发展的基本审美特征，无论是强烈的音乐情绪还是特殊的演唱技巧，都需要以角色为中心，以审美特征为基本设定，保证其演唱的旋律以及线条都能够与故事中塑造的人物形象相契合。本文从《魔笛》这一西方经典歌剧入手，从其不同的创作背景、题材风格以及故事内容简要分析歌剧审美中所具有的戏剧美、形象美以及情感美，深入探究其不同的审美特点对于不同的歌剧角色来说所具有的艺术性。
（一）戏剧美。在西方歌剧艺术中，所谓的戏剧美，就是指在表演者情感以及心理发生巨大变动的过程中对于其行为引起的戏剧性变化，意志力从内心展现出来而对于外界产生的影响表现了戏剧性的重要特点。在《魔笛》中，戏剧美展现得最为明显的地方就是第二幕中帕米娜以抒情性的咏叹调来诠释故事剧情，在音乐曲调的配合之下，无论是无奈而又伤心的感情还是纯真而又执着的自我情感都被进一步释放出来，歌剧以戏剧性的艺术冲突来完成对于人物的塑造，而最后戏剧性的悬念设置更为这部作品之后的冲突性发展埋下了伏笔。从整体上来说，这样的戏剧美主要展现在人物塑造的情感冲突之上，戏剧的悬念设置更加能够增加歌剧艺术的神秘感与艺术感，帮助观赏者深度理解故事中人物的基本特性，从角色艺术的角度展现基本的歌剧艺术审美。
从戏剧美的角度来说，歌剧艺术中所具有的冲突性和叙事性也能够表现西方歌剧艺术对于审美的需求，无论是在情节铺垫还是在冲突设置的过程中，戏剧美都能够保证人物角色的塑造更加丰满，根据歌剧内容的主要线索来激化人物形象，塑造人物品格，以此保证故事情节的合理性和转折性。
（二）形象美。从人物角色设定的角度来看，形象美更加能够符合西方歌剧艺术中对于角色特点的设定要求，保证了能够根据一定的故事情节设定标准来完成具体的人物特点转化，以此来保证角色具有更加生动的特点。在歌剧《魔笛》之中，其个人角色的形象美主要是以音乐的方式表现出来，音乐形象能够以深度的概括性来展现角色的个人情感及其内心思想，保证欣赏者在了解歌剧独特风格的过程中还能够在心中深度刻画出其基本的人物性格以及丰满的艺术形象，保证形象美这一艺术审美特点被全面性地展现出来。
在《魔笛》中，形象美被演唱者不同的声音特点完美地诠释出来，以萨拉斯特罗为例，其所拥有的男低音，将《魔笛》中太阳之神的角色进一步地展现出来，其宽广浑厚的声线塑造了光明、正义的艺术形象，保证了人物角色在艺术演唱的过程中与基本的审美特征进行了衔接与转化，而歌词对于角色形象的设定能够将艺术角色与歌词特点完成基本的统一，角色的基本定位就这样在音乐形象性中体现出来。
（三）情感性。对于歌剧来说，音乐以及情感是必不可少的艺术元素，音乐作品的不同风格直接决定了歌剧艺术中的不同情感，能够作为歌剧的基本标志之一对于歌剧作品进行一定的分类。所以，情感性在歌剧艺术中的展现主要从音乐中人物形象设定的角度出发，以不同的题材、种类以及格调设定完成对于情感内容的表达。
在《魔笛》中，其审美特征的抒情性主要可以通过诗、曲、声这三种基本的要素展现出来，由演唱者以极度抒情的效果来丰富人物形象，以此来完成对于作品主题和形象特征的诠释。在人物特征以及形象的设定之中，无论是历史背景、人物地位还是人物关系，都能够在抒情性的情节中被情感细化出来，保证歌唱性与抒情性的紧密相连，以此来完成对于歌剧艺术的二度创作是演唱者所具有的基本能力。
参考文献：
[1]徐艺.论莫扎特歌剧音乐的戏剧性――以歌剧《魔笛》为例[J].黄钟（中国・武汉音乐学院学报）.2006（03）.
[3]刘双.抒情性和戏剧性在威尔第与普契尼歌剧中的比较[J].艺术百家，2009（S2）.
1声乐艺术美学概述
(1)内涵。器乐和声乐是音乐作品的两大表现形式,音乐美学是美学和音乐学的交叉学科,音乐美学要对音乐作品进行深入的分析、研究和归纳,对音乐作品中的哲学与美学问题进行思辨。声乐艺术美学是对声乐的审美价值以及审美规律进行研究,对声乐的曲情、声情和词情进行研究,综合把握声乐作品的美学理论,并用综合声乐美学理论来指导声乐艺术实践活动。
(2)声乐艺术美学内容。声乐艺术不同于器乐艺术,两者的区别主要表现在歌词方面,音乐、歌词和人声是声乐艺术的主要内容。首先是音乐,音乐是声乐的灵魂,声乐艺术的价值主要通过音乐的旋律、节拍、力度、节奏和调式来表现,音乐包括了合唱、独唱和重唱。音乐创作之时坚持着美学规则,通过对音乐旋律力度、节奏和速度的调节可以产生不同的音乐风格和审美效应。其次,歌词是声乐的内容,也是声乐与器乐的关键区别所在。歌词和音乐的结合可以迸发无穷的精神力量,音乐歌词可以激发人们的形象思维,歌词可以帮助人们更加明确的感受歌曲传达的精神内容,抒情性较为强烈的歌词还可以引发人们的情感共鸣。但是声乐艺术中的歌词美学要通过歌唱来体现,实现歌词和歌声的转化。再次,人声是声乐的载体,人声包括了女声、男声、童声,人声组合形式包括了独唱、合唱和重唱。此外,伴唱也是声乐的组成部分之一,良好的伴唱可以增加声乐艺术美感。
2声乐艺术与器乐艺术审美比较
(1)旋律。声乐艺术和器乐艺术是音乐作品的两种表现形式,两者在表现形式上存在相同,但是最为关键的还是两者的区别。首先是旋律方面的差异,器乐艺术更具抽象性,声乐艺术主要通过歌词来表现,声乐创作者的创作范围也要受到歌词的限定,声乐创作要注重线条流动。而器乐创作的创作人更具有创作的广度和深度,器乐的创作乐思是比较固定的,但是声乐艺术的表现形式可以根据不同的歌词发生变化。
(2)艺术创作。声乐艺术和器乐艺术的主要区别表现在歌词上。声乐艺术的词和曲更加具有独立性,声乐艺术既可以表现为一词多曲也可以表现为一曲多词,声乐艺术要处理好词曲之间的关系,它关系着声乐艺术的审美取向和审美文化准备。而器乐创作主要是人们主观思想客观化的过程。此外,声乐和器乐在情感机制上也存在区别,声乐艺术主要是具体情感外化,而器乐艺术更具有抽象性。
(3)审美环节。声乐艺术音响包括了音乐乐音音响和语音音响,两种音响的结合可以增加音乐艺术的魅力,取得良好的音响运动效果。器乐艺术主要是通过物体来表现,器乐音响在空间上和时间上都突破了人声极限,人们很难理解器乐艺术的内涵。此外,声乐艺术和器乐艺术在脸部表情性以及口头性方面也存在着差异,声乐艺术需要人声现场表演,增加声乐的审美效果。
3声乐艺术美学特征
声乐艺术是一门综合的艺术体系,包括了声乐作品、声乐表演、声乐艺术和声乐评论等,中国的声乐艺术包括了民族声乐艺术和通俗声乐艺术,通俗声乐艺术更加的多样和个性,声乐艺术美学在保留民族特色的基础上吸收了西方音乐的美学思想,我国声乐艺术更具独特性。
(1)声乐艺术作品美学特征。声乐艺术包括了文学部分和音乐部分,两者之间是相互合作和相互促进的,在分析声乐艺术作品美学特征的时候要重点的对声乐作品的词曲关系进行研究,不同艺术家对歌曲关系的观点是不同的。其实,歌词和旋律是相辅相成的关系,歌曲旋律要根据歌词的内容来界定,在增加歌词语调感的同时提高旋律的优美度和朴实度,也就是说,歌词在声乐创作的过程中更具主导性,声乐艺术都是语调感和旋律感的最佳结合。
(2)声乐创作的美学特征。声乐创作是将主观情感转化成客观现实的重要过程,声乐创造体现了情感的创造和流动,它包括了音乐语言和文学语言的相互渗透,但是声乐艺术创作并不是这两种语言的简单相加,声乐创作者需要巧妙处理音乐语言和文学语言的关系,声乐艺术创作在很大程度上反映着创作者的音乐造诣和文学修养,它需要歌词作者和作曲者的共同合作。
(3)声乐艺术表演美学特征。声乐艺术不仅是音乐创作的过程,还是音乐审美的过程,声乐艺术的美学价值主要是通过表演者来实现,而器乐艺术的美学价值主要是通过音乐器具来实现,声乐和器乐艺术表现形式的差异就决定了声乐艺术表演的有限性,声乐艺术表演需要表演者的歌唱技能,通过歌唱来表达歌曲传达的思想、情绪、情感和情景。声乐表演者要加强对声乐作品的认识,发现声乐作品中的内在联系,赋予声乐作品以完整性、凝聚力和历史感。
(4)声乐艺术鉴赏和声乐艺术传播美学特征。首先是声乐艺术鉴赏美学特征,声乐艺术创作出来就是接受人们的评说和模仿,声乐鉴赏者包括了声乐票友和声乐爱好者,声乐艺术的繁荣和发展在很大程度上依靠鉴赏者的接受和狂热模仿。其次,声乐艺术的传播加速了声乐艺术的大众化和普及性,声乐艺术比器乐艺术更具传播的广泛性,声乐作品中的语言文字会迅速的深入人心,丰富人们精神生活。
4结语
声乐艺术和器乐艺术是音乐作品的两大表现形式,声乐艺术包括了歌词、音乐和人声,声乐艺术是自成体系的美学体系,声乐表演者需要充分发挥声乐作品的美学品质和美学风格,而声乐作品的鉴赏者则要树立自身的声乐审美观,对声乐艺术进行美学思考。
参考文献:
[1] 吴婷.中国民族声乐中的音乐美学因素分析[J].大众文艺,2011(01).
[2] 杨菁,刘文静.声乐教学中的美育渗透[J].中国成人教育,2011(03).
[关键词]音乐 文化 歌剧 审美
歌剧艺术被认为是镶嵌在音乐皇冠上的一颗明珠，它综合了音乐、戏剧、诗歌、舞蹈等多种艺术表现手段。堪称声乐艺术中综合性最强的艺术形式之一。
一、歌剧艺术的审美特征
(一)歌剧创作的文化内涵
歌剧是戏剧与音乐的融合，即文学艺术与音乐艺术的二合体。歌剧多以思想深刻、内涵丰富、文学性强、艺术性高的诗词或剧本作为其音乐创作的文学基础。歌剧艺术的文化内涵主要体现在一度创作中歌剧的剧本创作上。
1、歌剧文本的来源
西洋歌剧文学题材多来源于文史典籍。例如，意大利早期歌剧的题材、人物、故事、情节多来源于古希腊的神话传说及圣经故事，从古典主义歌剧到浪漫主义歌剧，从印象主义歌剧到欧洲各国的民族乐派歌剧，从现代主义歌剧到音乐剧等，有相当数量的文学素材均取材于文学名著，涉及的剧作家有英国的莎士比亚，法国的小仲马、雨果。德国的古诺、席勒，俄国的普希金、托尔斯泰等。他们的歌剧题材不仅知名度高，具有广泛的群众基础。而且具有一般作品不可比拟的文学价值和独特的艺术魅力。
2、歌剧作家的文化素养
无论是新创作的歌剧题材还是根据名著改编的歌剧题材。都必须具备歌剧文学的思维特征。歌剧文学剧本的构思，必须从单纯的戏剧角度和文学角度的局限中走出来，必须站在歌剧综合艺术整体性的高度上俯瞰全局，即宏观把握综合美的其他艺术元素，从音乐、舞蹈、舞台美术等多维视角出发，构思情节、事件、人物关系、冲突的发展和处理问题。剧作家对歌剧文学这种思维特征的把握和驾驭，必须自始至终贯穿歌剧剧本创作全过程，不允许戏剧元素脱离歌剧整体的综合美单独追求歌剧文学、歌剧剧本的独立表现。因此，一部成功的歌剧作品。可以反映出歌剧作家多维、立体的抽象思维特点，例如他们须具备将歌剧各组成元素有机融合的思维能力，适当把握音乐形式对人物情感及戏剧冲突的揭示等，这离不开剧作家日积月累的文学素养。
(二)歌剧演唱的文化特征
“歌剧是歌唱的戏剧、声乐的戏剧”。歌剧以美声唱法作为其最重要的音乐表现手段。美声唱法追求元音纯正，吐字清晰，声区统一，音阶均匀。气息饱满，音调准确，音域宽广，强弱自如，连音流畅，句法完美，嗓音自然、优美、流畅和灵活。
无论在东西方。歌剧演唱都离不开文化底蕴的熏陶：文化底蕴的深浅往往反映出一个人的气质、品位，决定歌剧演唱者的审美要求。文化素养不同对音色的调整、音量的控制、力度的对比、声音激起方式等纯技术方面的把握、调控也不同，具有深厚文化素养的演唱者懂得在声音的训练中用听觉不断左右、调整着自身的技术尺度，形成各自的特色。可见，外在表现离不开内在修养。演员只有具备了一定的文学修养，才能加强对歌剧情感的理解，才能更好地调整声音品质来阐释戏剧情节，给观众以恰到好处的视听享受。
(三)歌剧审美的综合性把握
在歌剧艺术中，作曲家与诗人、舞蹈家、演员、舞台美术家、服装设计师齐心合力，通过调动各种艺术表现力来塑造人物的形象、性格，刻画人物的内心体验。从而使剧情和人物的命运展示同步进行。逐渐深入，使欣赏者的情感体验在综合艺术多种表现力的作用下，更丰富、更强烈。因此，歌剧审美同样离不开审美主体的文学理解与综合把握。
1、在进行歌剧审美以前，审美主体需要发挥主观能动性。从歌剧作品的时代背景、民族特色、思想内容、表现特征等方面入手，查找资料，对歌剧的文学性与艺术性特征做一宏观认识和把握。
2、在歌剧审美过程中，审美主体需将音乐与戏剧元素有机融合。进行综合把握。作为一门综合艺术，歌剧是造型性与表情性、时间性与空间性、听觉性与视觉性的高度统一。音乐的表情性、时间性、抽象性和非语义性促使审美主体展开丰富的联想，帮助审美主体深入到人物的内心世界，去把握那种只有在音乐里才能刻画的内心冲突与情感变化。
可见，在歌剧审美中，审美主体既可借助其文学性特征了解剧作者的创作意图，把握歌剧思想内容和文学内容的艺术境界，又可深入人物内心。把握剧中形象表演中所蕴含的人生哲理。
二、歌剧艺术的审美价值
(一)塑造美好人生观、价值观
当代青年学生随着知识的增长和生活经验的不断积累，对各种美的形态所蕴含的理性内容和审美价值有了较深刻的认识：他们不再像少儿时代偏重于接受内容与形式和谐统一的、优美的对象范畴，而是表现出对崇高、壮美、戏剧美、悲剧美更为壮观的美的范畴的青睐。歌剧作为动态的综合艺术，是戏剧的音乐化，是歌唱的戏剧，它所独有的音乐形式的审美特征非常适合青年学生的审美需求。
歌剧审美不仅具有陶冶情操、审美愉悦的功能，而且能起到“寓教于乐”的作用，帮助青年学生提高认识美、欣赏美和创造美的能力，塑造美好人生观与爱情观。例如，对我国民族歌剧《白毛女》、《洪湖赤卫队》《江姐》的审美，有利于培养青年学生积极向上的人生观、道德观，坚定为共产主义奋斗终身的信念与伟大理想。爱情是当代青年学生最关注并且永不过时的主题。对那些以爱情为主题的歌剧艺术的审美鉴赏，如莫扎特的《费加罗的婚礼》、威尔笫的《茶花女》、普契尼的《蝴蝶夫人》等。可以使人们感受到爱情的真诚、忠贞、纯洁与美好，可以在潜移默化中引导青年学生构建健康的爱情观。
关键词： 歌唱艺术 审美特征
探寻歌唱艺术的审美特征，展示歌唱艺术的独特魅力和美好感受，体现歌唱情感表现的自我创造与需求，塑造感人的歌唱艺术形象，构筑理想的艺术境界，追求震撼人心的艺术效果，对于歌唱艺术的 发展 具有十分重要的意义。
一、对歌唱艺术审美的认识。
在音乐艺术中， 歌唱的审美是歌唱者对歌唱艺术美的一种感受和体验。任何人对现实生活中美的生活、美的事物以及对美的艺术的欣赏都是一种审美活动。相比较之下，歌唱艺术在展示其审美功能的方法和形式上是极其独特而富有魅力的。因为歌唱艺术美的构成法则，不仅在于歌唱审美的功能与价值上，而且还在于它充分体现了人类情感表现的自我创造与追求。从美学角度来看,无论西方美学强调音乐形式属性的“听觉艺术”、“情感艺术”，还是 中国 古典美学的“心声结合”与“心物结合”、“听觉——心觉”艺术，作为艺术审美对象，歌唱艺术其审美价值都存在于整个审美活动过程 —— 审美感受和审美体验中。也就是说，声乐艺术作品不是离开主体独立存在的，它的价值“正在于它以其感性存在的特有形式呼唤并在某种程度上引导了主体审美的自由创造”。“它在本质上是一个 问题 ，一句向起反应的心弦所说的话，一种向情感所发出的呼吁” 。歌唱艺术正是这样一种人类心灵对世界感应的产物，是以歌唱声音为物质材料的人类精神唤醒、生命升腾的展开形式，是一种“有生命力的形式”。歌唱艺术以它独有的魅力，从审美创造到精神愉悦，在广阔无垠的音响空间里，回荡着激情昂扬、细腻深情、如泣如诉、扣人心弦等美妙动听的声音。没有哪一种艺术能像歌唱艺术一样，拥有如此众多的热爱者、参与者和审美从众者。这就要求在声乐作品的演唱中，必须渗透着歌唱者的审美感受和情感体验，歌唱者只有在歌唱时把自己所有的情感都倾注在作品之中，把自己对作品的理解、审美感受和爱憎情感，通过歌唱形式全部呈现给听众，才能使听众从中得到美感和享受。
歌唱艺术作为人声音响的美，它是以文学作品的语言美、音乐作品的旋律美、歌唱的声腔美、表演动作的形态美和乐器的伴奏美为基本构成要素。在一般的音乐审美活动中，欣赏者是审美的主体，音乐是审美的客体，而在歌唱审美中，歌唱者扮演着审美主体的特殊角色，他既是一个优秀的审美者，同时又是美的声音的创造者，歌唱者只有具备高超的审美能力和歌唱水平，才能创造出美的歌唱声音，为听众提供美的审美音响材料，使听众获得美的享受。可见，歌唱艺术的审美感受和体验是具有一定审美态度和超越意识的主体，在以某种感性存在的特有形式（客体）的呼唤下，经过生理愉悦到精神愉悦乃至精神升华的心理感应过程。它包括了生理和心理两个方面的因素，是美感经验的基础和出发点。在生活中，我们都有这样的感受，比如当你听到某一位歌唱家的歌声以后，在未听清楚歌词与旋律时，就已经被他那明亮清脆、悦耳动听的声音深深地感动了，当你听到某种不同的声音时，就会产生不同的感觉，有些声音会使人产生兴奋或轻松的感觉，有些声音会使人产生忧伤的感觉，有些声音仿佛使人感到微风拂面，十分美妙，并在很短时间内就可以激发我们对歌声美的感受。因此，研究和确立正确的歌唱审美观，形成正确的歌唱审美感受，对于一个歌唱者来说是十分重要的，应当引起广大声乐教师和歌唱 学习 者的高度重视。
二、歌唱声音的审美特征。
根据多年的教学实践，笔者认为，学习歌唱的人，首先要充分认识歌唱声音审美的重要性，应当从一开始就要注意形成正确的声音审美感受。歌唱者对声音的审美感受，实际上是根据自己以往形成的听觉经验，依靠长期积累的声音形象，在内心构想出实际的艺术形象，并产生一种愉快的心理体验。实践证明，“如果单纯追求生理方面的感觉，歌唱的声音就会缺乏美感，似乎只是一些纯技巧性的肌肉声，是一种没有任何表现力的声音”。这样的声音是毫无价值的，是不会打动人的心灵的，更不会使听众得到美的感受和享受。因此，歌唱者必须建立良好的声音美感。歌唱者只有把声乐作品深刻的思想内涵和美好情感融入到自己的歌声之中，他的歌唱才能具有美感，才能产生更强的艺术感染力，才能引起听众的共鸣，打动听众的心弦。
笔者认为，对歌唱声音的审美，不能仅仅局限于听觉与情感方面，还要进一步从歌唱者的视觉、味觉、触觉等方面的美的感受上去把握。因为歌唱审美心理要通过想象和联想，它不仅要让耳朵听到美的声音，似乎还要让眼睛也能看到美的声音的色彩，让味觉感受到美的声音的味道，让触觉感受到美的声音的力度和分量。如通过视觉看到美丽的景色，感觉很好看，进而引发赏心悦目的美感感受和体验，然后再通过歌声把这种情感表现出来。又如当你听了某一位歌唱家的演唱后评价说：“他的歌唱声音很甜美”等等。这说明人的感知系统的味觉器官对声音产生了美的感受，如同你通过味觉尝到了蜜糖一样，感觉很甜蜜，进而引发了愉悦的情感体验。再如当你听到“她的声音很柔和、细腻、富有弹性”等等。这种评价是来自人的触觉器官对歌声的一种审美感受。无论那一种感官的审美感受，就其实质来说，都是对声音的审美评价。声音美感的构建和培养除了声乐教师的悉心指导之外，主要应通过歌唱者自己的心理感觉去细心体会和领悟，应充分发挥和调动人体各种感觉器官的作用，感受和体验声音的美感。虽然说人体各种感知觉器官是来自大脑的不同反应，但在歌唱艺术审美中，各种感官却可以打通，交互作用，即产生文学上所说的“通感”现象。所以说,歌唱者的声音审美应该是“通感”现象的产物。如当你看到白色和听到明朗的声音时，会感到一种淡雅、纯洁的情绪和情感；看到黄色和听到明亮的声音时,使人产生活跃、欢快的情绪和情感；抚摸柔软的物品和听到轻柔的声音时,使人产生柔和、细腻的感觉等等。
在歌唱声音的审美中，对歌唱声音的波音技巧的运用也是一个极其重要的因素。歌唱声音的波音技巧是歌唱的生命线，缺乏波音的歌唱声音是没有生命力的声音。大家都有过这样的感受，当你聆听了一个没有歌唱方法者的演唱以后，总会认为他的声音生硬、僵直、浅白，喊叫的成分较多，显得很刺耳、很难听，其原因是他的歌声里严重缺乏波音。“从歌唱声音的艺术角度来讲，没有波音的歌唱声音就不是乐音，其歌声也就不具有美感”。 自然 、良好的波音技巧是在正确的发声基础上形成的，掌握了 科学 的发声方法，就能获得美好奇妙的波音，使歌唱的声音增添异彩，魅力无穷。曾经有人认为“歌唱的波音是天生的，不可训练”，实践证明这种观点是不科学的，波音完全可以经过科学的发声训练来获得。歌唱的波音是通过母音振动表现出来的，波音的产生离不开母音频率的快速振动，这种振动能够超出歌唱者本身有意识控制的范围。歌唱声音的波音振动频率与歌唱声音的高低有着直接的关系，音高频率则高，（振动次数越高）；否则相反。歌唱声音的波音振动频率不能过快，也不能过慢，振动次数过快就会产生尖细、刺耳的声音，振动次数过慢就会产生一种慢速的、大波浪曲线感的声音，犹如电压不稳，忽高忽低，也很难听。歌唱的波音振动频率只有适度，才能使歌唱出来的声音具有美感。
此外，对歌唱声音音色的审美也是歌唱声音审美中不可忽视的又一重要因素，应值得每一个歌唱者积极探索和潜心研究。因为，歌唱的音色是歌唱者心理上的思维反映，漂亮的音色能为歌唱的声音带来金子般的光辉，没有漂亮的歌唱音色，就不可能生动地表现声乐作品的情感内涵，那种失去光泽的歌唱声音是毫无价值的，绝对不会产生任何美感。
三、歌唱音乐感觉的审美特征。
在歌唱艺术的表演中，音乐感觉的美感是歌唱审美的重要方面。歌唱艺术的审美愉悦和审美情感是靠歌唱者的心理感觉而感受的。一个成功的歌唱家和演奏家在演唱、演奏时，都会有一种独特而奇妙的感觉，这种感觉就是对音乐的审美感觉。它不仅能使歌唱者充分地表达声乐作品，而且更能打动听众的心灵，并同时唤起听众与歌唱者同样的审美感受。歌唱者的音乐美感除了良好的天资以外，主要应在长期的音乐学习和实践中逐步养成，不断提高。对于歌唱者而言，不但要注重音乐审美感觉的培养，而且要重视音乐的音准、节拍、节奏、速度、力度等基础训练,还要注意体验生活，观察日常生活中人们说话时的情绪、语调和心理状态,观察动人的景色和美丽的风光，体验大自然的美感,观看著名歌唱家、演奏家的艺术表演，倾听美的音乐，从中领略声音与语言的美感、韵味与风格的美感、情感与形象的美感等等。还可以通过阅读小说、朗诵诗歌、观看电影、电视等途径，加强自身的艺术修养，体验不同人物的性格和内在的情感活动，丰富音乐感觉的美感性。
四、歌唱情感的审美特征。
歌唱是最富有情感的艺术，而情感审美又是歌唱艺术的重要因素之一。歌唱情感的审美是一种心理反映，包括了声音技巧和情感表现两个方面。在歌唱中，声音的美感是重要的，但歌唱情感审美也不能轻视，二者联系紧密，相辅相成，互相补充，互相促进。歌唱时不但要追求声音的美感，而且要注意声音的情感表现，只有做到声情并茂，才能达到歌唱艺术的最高境界。情感是歌唱艺术的核心，歌唱又是情感的艺术表现形式，而艺术的魅力就在于表现情感。歌唱是情感的美化和升华，要想把审美情感正切地表达出来，就必须“进入角色”，全身心地投入到声乐作品所表现的情境之中，才能赋予歌唱以感人的魅力。声乐作品能否产生震撼人心的艺术效果，让听众得到美的情感的感受，关键就在于歌唱者需要准确表达作品的内涵，从心灵深处爆发出一种把自己美的情感表达出来的强烈愿望。
笔者认为，歌唱的情感审美具有三个方面的表现特征。
一是情感审美表现与情感审美价值标准的制约。人不但有情感，而且是丰富多彩的，只是对情感的表现方式及程度不同，但不论是哪一种情感都要受到 社会 环境与 历史 条件的规范和制约，都要受到理智的支配。情感审美标准实际上就是对是非、利害的评价，如大家都喜欢美的情感，讨厌丑恶的情感。这说明歌唱 艺术 美作为生活美的反映，作为一种观念和形态的美，本身就存在着采取哪种审美态度，反映怎样的客观 内容 ，表达什么思想感情的 问题 。成功的歌唱在体现社会意义、 时代 精神、听众的愿望和理想时，都表达着歌唱者美的心灵感受，倾注着歌唱者的爱憎情感，这是感染听众，引起共鸣的原因所在。例如抒情优美的《牧歌》，它是一首蒙族民歌，歌词两句一番，共四句，艺术形象纯朴、富有诗意，作品处处都流露出对草原和生活的热爱。 音乐 旋律悠扬、飘逸、婉转，充满着浓郁的情感，十分动人，充分展现出草原牧区美丽、壮阔的 自然 景象。词曲结合恰当、巧妙，互为一体，准确反映了词曲作家的艺术情思和情感审美态度。歌唱者在演唱此歌时，也同样要蕴涵着词曲作家的情感审美感受。听众在欣赏这首佳作的演唱时，也同样要契合心境，感思。
二是情感审美表现要力求真实性。也就是说歌唱要有真情实感，所谓真情实感就是要极力抛弃虚情假意和矫揉造作的东西，使歌唱所表现出来的喜怒哀乐等情感的轻重、强弱、深浅及准确程度，都要与音乐作品中产生的各种情感刺激物相互对应。例如爱的感情，恋人之间的爱与夫妻的爱不同，朋友之间的爱与情爱不同，父子之间的爱与师生的爱不同等等。因此，歌唱者一定要注意挖掘作品的思想内涵，把握好歌唱的表现分寸，使歌唱充满真实的情感，保持很强的艺术感染力，唤起广大听众的情感共鸣。歌唱中所强调的真情实感的表现，生活不是简单的真实再现，而是源于生活又高于生活，以现实生活为情感基础，进行艺术创造，刻画和塑造出感人的艺术形象。
三是情感审美是心灵的直接语言。歌唱艺术表演之所以能广为流传，并深受大家的喜爱，其关键就在于它富有感人的情感力量。每当人们听到优美的歌声和动人的旋律时，在心理上就会产生一种精神愉悦的感觉，得到歌唱的审美愉快。例如人们听到活泼、欢乐的歌声，就会情不自禁地快乐起来，听到悲哀、痛苦的歌声，就会产生悲伤的情绪等等。只有听众的精神活动拥有了审美愉快，才是他们所获得的真正意义上的审美感受，只有当歌唱者对于听众的审美感受是有知的，他的歌唱才可能有效地作用于听众的思想。从艺术 影响 的有效性来讲，一个出色的歌唱者，不但有着极好的歌唱能力和审美感受能力，而且具有极高的歌唱审美与欣赏水平，他既是一个歌唱家，又是一个审美家。
五、歌唱艺术形象的审美特征。
歌唱者在塑造感人的艺术形象时，主要应以人为表现主体来塑造歌唱艺术形象。因此，必须对声乐作品的艺术形象充满强烈的审美感受。人既有理智，又富有感情，在塑造艺术形象的过程中，应以表现人的思想感情为核心，要注意把人的情感与理智紧密结合起来。因为，歌唱在表现以人为主体的艺术形象时，无论是反映什么主题和什么内容的声乐作品，实际上都是在表现人和人的思想感情。
笔者认为，在歌唱艺术形象审美方面应注意这样几个问题：一是要突出歌唱艺术形象的个性特征。这是因为，歌唱者所表现的艺术形象个性特征越突出，其艺术魅力和艺术风格就越具有独特性，它所产生的艺术感染力就更加强烈，展现给听众的艺术形象就越动人。人都有喜怒哀乐之感情，但在对待生活中的任何事物中，其内心活动和感情的表现方式大不相同，而歌唱者的情感表现则更为深刻、更为丰富、更为生动，对待生活的爱憎情感更加分明、强烈。他们能在歌唱时把自己的感情融入到艺术形象中去，使表现的艺术形象有血有肉，鲜活逼真，生动感人，更具美感。可以说，在歌唱家的心中始终都燃烧着炽烈的感情火焰，一直都在注意着艺术形象的内心活动和内在性格，并运用一切技术手段刻画具有独特个性的艺术形象。因此，声乐作品的表现，一定要注意表现人物形象的鲜明个性，要特别注意在对比中突出地刻画不同形象和不同个性。
二是要突出歌唱艺术形象的典型性。因为，具有独特、鲜明的个性形象并不等于是典型的歌唱艺术形象。只有当独特鲜明的个性充分地体现了社会生活的本质和 规律 时，它才具有典型性，才能成为典型的艺术形象。相比而言，典型的艺术形象比一般的艺术形象有着更高的概括性，因而,它反映社会生活会更集中、更全面、更深刻、更具有普遍性。
三是要突出歌唱艺术形象的独创性。别林斯基认为:“在真正的艺术作品里,所有的形象都是新鲜的、独创的,每一个形象都凭自己的独有的生命活着。”歌唱艺术形象也如此。这就要求歌唱者不仅要深入生活、体验生活，而且要有内心的独特感受，感受越独特，情感的个性就越鲜明、生动。歌唱者对歌唱艺术形象的独创性和独特感受，与本人的音乐、文化素养及心理素质有着密切的联系。歌唱者必须借助对人和事物的感觉和知觉，去突破一般人的心理定势，在声乐作品情感的激发下，产生丰富的想象和联想，从而使自己的歌唱独放异彩。歌唱者在塑造美的歌唱艺术形象时，要具有创造性的思维方式和表演意识，善于表现歌唱艺术形象的独特个性，揭示歌唱艺术形象的内在活动特点，克服歌唱艺术形象表现的雷同化现象。
四是要突出艺术形象的美感性。歌唱者要用美的观念去塑造声乐作品的艺术形象，按照歌唱艺术美的要求进行性格变化和情绪 发展 ，依照美的法则进行歌唱表演，运用外形美的艺术表现，揭示形象的内在美，使塑造出来的声乐作品艺术形象符合美感的要求，让听众最终得到美的享受。
总之，歌唱艺术的审美特征是多方面的，它包括歌唱的审美认识，审美观念，审美感受，以及对歌唱音乐感觉的审美、声音的审美、情感的审美、艺术形象的审美。这些都是歌唱艺术审美的重要因素，都有其独特的审美特征和奇妙的审美感受，只要我们每一个歌唱者积极探寻，潜心 研究 ，才能使我们的歌唱感觉更好，声音更漂亮，表现的情感更丰富，塑造的形象更典型、更完美、更动人。
参考 文献 ：
叶朗主编：《 现代 美学体系》，北京大学出版社，1998年版。
管建华著：《 中国 音乐审美的文化视野》，中国文联出版公司，1995年10 月。
王次?葜鞅啵骸兑衾置姥А罚?叩 教育 出版社，1994年6月。
田丁著：《论声乐表演的艺术再创造》，《中国音乐》编辑部，2002年7月。
赵梅博著：《歌唱的艺术》，上海音乐出版社，1997年，11月。
关键词武术套路美学特征形式美技击美艺术美
武术套路是一项表现攻防技击的艺术体育，是对攻防技击的超越、美化和想象，其不但能够以“技击”收健身之效，同时也能够以“技击”取审美之趣。因此，武术套路运动与其他体育运动项目相比较而言，美学特征是非常明显，也是非常独特的。然而，由于长期以来武术技击本质论束缚了人们对武术套路运动美学特征的认识与探索，以至于影响了武术套路运动的艺术化发展进程，使得武术套路运动至今仍然没有被视为一项“艺术”而进行传承与创新。针对这种情况，为了挖掘武术套路运动的艺术创新动力，促进武术套路运动的艺术化发展进程。本文就从武术套路运动的形式美、技击美、艺术美等三个方面入手，探讨了武术套路运动的美学特征。
一、武术套路运动的形式美
武术套路的形式美，简单来说，实际上指的就是武术套路运动的审美客体对武术套路运动的参与者，在演练武术套路的过程中所表现出的身体动作姿态和精神神韵等所进行的审美。具体而言武术套路运动的形式美，通常体现为形体美和造型美等两种具体的形式：
首先是，形体美。形体美，也就是通常所谓的人体之美，其主要是由身体美和姿态美构成的。其中，身体美，主要产生于一眼就能够全面看到的身体各部位协调统一的结果，由于武术套路运动本身就是武术套路演练者身体各部位的动作协调统一的综合体，因此，武术套路运动的身体美是显而易见的。而姿态美，指的则是人体在空间的活动、变化的样式等所表现出来的美。武术套路运动对演练者的手、眼以及步法等均有着非常严格的要求，例如：长拳就要求演练者不但要做到站如松、立如钟，与此同时在动作演练的过程中，还必须要做到舒展大方，要能够展现出优美的、赏心悦目的姿态，而这恰恰是姿态美的具体呈现。
其次是，造型美。武术套路运动的造型美，也就是武术套路运动中的动力定型美，其主要是由静态美和动态美组成的。其中，在武术套路运动中，不同技术动作之间的配合和不同技战术之间的变化都属于武术套路运动中的动态造型，而在这些技术动作配合的过程中和不同技战术变化的过程中所呈现出来的美就是武术套路运动造型美之中的动态美。由于在武术套路运动中，非常重视动作之间的精妙配合和微妙变化，所以，在武术套路运动中动态美表现的是非常充分的；除了动态美之外，在武术套路运动中，还要求要做到有动有静，其中的静，是一种相对的静态定势，静态定势的存在能够让武术套路运动动静兼备，呈现出静态之美。
二、武术套路运动的技击美
武术套路运动是以武术运动中的踢、打、摔、拿等基本技击动作和技击法则为基础的，这些内容是构成武术套路运动的核心要素，而与此相对应的，武术套路运动也因此呈现出了技击之美。具体来说，武术套路运动的技击之美，主要体现为劲力美、节奏美和动作美三种主要的形式：
首先是劲力美。武术套路运动中的劲力美指的就是武术套路运动中丰富的劲法和力度给人带来的审美感受。在武术套路运动中，无论是“发劲”，还是“招式”都蕴藏着劲力之美，所以，劲力美是武术套路运动中技击美的重要表现形式之一。
其次是节奏美。武术套路运动中的节奏美指的是套路中有规律的反复、连续以及动作和形态的转换等带给人的审美感受。中国武术源远流长，在发展的过程中，形成了风格各异的众多流派。与此相对应的，在武术基础上发展演变而来的武术套路运动，其动作在表现的过程中，同样也是快慢相间、抑扬顿挫的，并会由此带给人赏心悦目的感受，让人体会到武术套路运动的节奏之美。
最后是动作美。动作美是武术套路运动最为突出的美学特征之一。武术套路运动中的动作不但准确、干净、敏捷协调，同时还是连贯而舒展的，再加上在武术套路编排的过程中，非常讲究动作美的多样化统一，所以，常常会带给人极高的审美享受。
三、武g套路运动的艺术美
武术套路运动中的艺术美，指的就是武术套路演练者在演练武术套路的过程中，将成套的动作用艺术化的形式展现出来，并将自己的精神情感融入其中以创造出情技交融的艺术境界，并由此所带给人的审美感受。具体到武术套路运动而言，武术套路运动的艺术美主要表现为服饰美、礼仪美、音乐美和意境美等几种具体的形式。其中，武术套路运动中的服饰美是以武术套路演练者自身为内容的造型艺术之美，在武术套路运动中演练者的服饰之美能够大幅提升演练者的美学价值，因此，在武术套路运动中一定要注意根据不同的项目有针对性地进行服饰设计，如，服饰的色彩、样式等，以尽可能的带给审美客体良好的心理感受；其次是礼仪美。礼仪美也是武术套路运动的审美要素，是美学特征的重要体现，例如：武术套路运动中的徒手礼、持械礼以及递械礼和接械礼等均体现了武术套路运动的礼仪之美；再次是音乐美。在武术套路运动中音乐的魅力不但有助于营造良好的现场氛围，而且还能够带给人无限的遐想，从而带个人美的享受。因此，音乐之美同样也是武术套路运动艺术美的具体表现，是武术套路运动的美学特征之一。
四、结语
综上所述，可知，武术套路运动具备独特的美学特征。武术套路运动之所以能够在历史的长河中，历经千年而长久不衰，与其美学特征之间存在着密切的关系。因此，在现代社会中要实现武术套路运动的创新与艺术化发展，同样也必须重视其美学特征，深入的探讨和研究其所具备的美学气质与美学神韵。
参考文献：
