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1949年11月中央戏剧学院创建。
在建院初始，院长欧阳予倩就提出了坚持现实主义艺术原则和方法，深入研究和继承我国民族艺术的美学精神和广泛吸收世界戏剧艺术中所有有价值的成果的办学思想。
长期以来，学院在教育教学上一直坚持和提倡教学实践与科研实践相融合。主张传统与现代结合、基础教育与创新教育结合、理论研究与创作实践结合；重视学生的基本功、基本技能、基础理论与独创性素质的训练和培养，强调专业水平与道德情操并重的教育。以培养具有坚实的专业理论基础知识与掌握扎实专业创作技能、服务国家和社会的艺术精英人才作为学院的中心任务。
60余年来，中央戏剧学院的教育教学经过长期的探索与实践，积累了深厚的艺术教育经验，形成了自己的办学风格、传统，构建了自己的教育体系，并培养了许多在国内和国际上有影响的、优秀的、著名的艺术家、专家和学者。
一、对现实主义创作原则和方法的基本理解和认识
数十年的教学实践，使我们深深体会到，构建科学的戏剧教育教学体系，核心问题是坚持现实主义的创作原则。
众所周知，任何艺术创作活动需要用艺术的方式来认识生活和表现生活。人们进行艺术创作，怎样解答艺术与生活的关系、怎样处理内容与形式的关系、用什么样的方式来表现生活等，都必将涉及创作原则和方法。
现实主义创作原则和方法，在整个的艺术创作活动中占有重要的地位，是所有艺术创作的基础。现实主义质的规定性是描写“真实”，即文学艺术应按照生活原有的样式和形态来表现生活，反映生活本质的“真实”。这是现实主义最根本的意义。它强调文学艺术要客观地再现社会现实，从整体的各个方面掌握社会生活，探索隐藏在现象背后的本质，发现事物内在的整体关系。典型论是现实主义理论的核心内容，力求解决文学艺术描写中人物的特殊与一般的关系问题，创造出个性和共性完美结合的艺术形象——典型形象，在表现细节真实的同时，既要真实描写和表现复杂的社会关系，还要反映出复杂的社会关系的矛盾运动过程。做到再现典型环境中的典型人物。
总之，现实主义认为文学艺术创作对社会现实观察得越仔细、研究得越深入，对事件及细节的相互关系和矛盾运动理解得越透彻，就越能获得真实的力量。典型化是唯一能够完整地揭示出人物性格、世界观和命运的正确方法。
我们在长期的教学实践中，现实主义创作原则和方法始终是用来指导和规整表演专业教学的核心观念。
二、把现实主义创作原则和方法贯穿表演教学全过程
我们将“艺术是社会生活的反映”的创作观念贯穿表演专业教学的全过程。明确提出以现实主义创作原则作为重要的教学原则，以现实主义创作方法作为教学的核心课题。教学上，着力使学生在创作观念上加深对现实主义的认识，掌握和运用现实主义创作方法，能够创造出活生生的、具有鲜明性格特征的、真实和动人的艺术形象，以及具有浓厚生活气息和富有艺术情趣的舞台生活。根据这样的思路，我们在教学中从一年级最初的教学训练起就有意识地反复讲解和强调表演真实性的重要意义，帮助学生建立和形成“真实性是表演艺术的生命”的创作意识。通过教学训练与实例分析，帮助学生认识和区分表演上的真实与虚假。要求学生按照人的有机天性的规律在假定的情境中真实自如地行动。采用小品表演练习、观察生活创作练习作为教学内容进行教学训练，使学生在学习表演初始阶段就懂得和学会关注、了解生活和生活中形形的人。这样教学的目的，既是培养学生建立生活是艺术创作的源泉的意识，认识生活与艺术创作的关系，养成良好的创作习惯，形成正确的表演观念，掌握正确的创作方法，创造出真实有趣的人物形象和生活气息。
三、把现实主义创作原则和方法贯穿在表演专业教学中
艺术创作和艺术教育在遵循自身的规律开展活动的同时，应该依循适合于其创作与教学活动要求的方法或者说美学的原则。长期以来，我们坚持把现实主义创作原则贯穿于表演教学活动，用来指导专业建设。在课程结构、教学内容、教学方法、教材建设、人才培养、实践教学、教师队伍建设等方面，逐步形成专业特色和完善的教学系统。
大家知道，斯坦尼斯拉夫斯基的演剧体系是科学的演剧艺术创作方法，影响了全世界。它充分地体现了现实主义的原则与思想，是科学培养演员的重要基石。我们的表演教学深受其影响。与此同时，继承与接受我们民族戏剧的美学传统和滋养，再加上不断地研究与吸收世界各国戏剧教育的优秀成果，我们的表演教学形成了系统的、科学的方法。几十年的教学实践使我们认识到，演员的培养需要做到以下几个方面：一是遵循人的有机天性进行科学的训练，使学生的创作素质获得全面的培养，这是演员创造角色必备的专业基础。二是以舞台行动作为表演创作基础和以表演技巧作为训练的重点，使学生掌握表演创作技能，这是演员创造角色应具备的专业技巧。三是依据人生活的法则和运用生活的原理进行艺术创作，使学生在体验的基础上再体现，能够真实准确地揭示角色的心理生活、思想情感与精神世界。为此，我们在教学中强调表演创作应艺术地再现生活的真实，通过典型环境塑造典型人物性格特征，通过舞台行动创造出符合人物性格特征的形体生活、心理生活以及性格化的语言。
我们根据不同教学阶段的任务与教学内容和学生的具体情况，有意识、适度地加大教学训练的力度，提高学生艺术创作与艺术实践的能力。教学中，利用课堂教学训练，调动和激发学生艺术创作的热情，要求学生多阅读剧本和多创造角色形象，在实践中锻炼与提高表演技能；利用学期、学年的教学检查、考试和汇报演出，使学生在观众面前接受检验，展现自己的艺术才能。通过艺术创作实践，使学生在感性与理性上，加深对表演艺术创作与表演理论基础知识的理解与感悟，增长才干。
多年以来，表演系几代教师经过对传统教学的实践和借鉴欧美戏剧教育经验，在表演专业教学上进行改革和创新，取得很好的教学成果，受到国内外戏剧院校的关注。
表演基础教学的“观察生活”和“演员创作素质的训练”教学内容和教学方式，不仅在本系和本院的表导演教学中产生了很好的教学效果，形成了系统的和有特色的教学，并且在全国产生非常大的影响。许多艺术院校都采用了表演系的教学成果进行专业课教学的训练。
台词教学形成了一整套的具有中国文化底蕴和特色的教学内容和训练的手段，成为表演教学当中重要的教学内容。经过多年积累，台词教研室编写出的教材《舞台语言基础与技巧》获得北京市优秀教材一等奖和国家优秀教材二等奖。该教材在全国被多家艺术院校用于教学的训练。
形体课形成了系统的课程。教学内容和教学训练手段丰富、实用。我们根据戏剧影视演员培养的特点和需要，在教学上分别进行形体基础、中国代表性舞蹈与礼仪、形体技能、外国代表性舞蹈与礼仪、现代舞（爵士舞、踢踏舞）的训练。通过训练使学生具有比较扎实的形体表现力的技能。
声乐课形成了系统的教学内容和教学训练手段。根据戏剧影视表演创作对演员的要求，我们在结合普通艺术学院声乐教学内容与训练手段的基础上，在教学中强调采用我们民族说唱艺术的演唱形式、技巧，以及通俗歌曲演唱技巧，丰富教学内容。使学生具有一定的音乐修养和演唱技能。
我们还开创了音乐剧表演专业方向。表演系音乐剧专业建设在向日本四季剧团和欧美音乐剧学习基础上，经过十几年的教学实践，形成了基本课程结构、教学系统和教师队伍。这些年培养的音乐剧表演人才，在国内和国外都有出色的表现。
总之，几十年的教学实践证明，表演系的课程建设和形成的教学系统，是表演系的专业建设和教学改革与实践的具体体现，是行之有效的。
四、把现实主义创作原则和方法体现在艺术人才培养的全过程
艺术人才的培养是一个复杂的系统工程，其核心的问题是怎样在教育教学的各项活动中能够有效地或者说自然地帮助学生形成正确的艺术观念，掌握坚实的专业基础理论和专业技能。我们认为，现实主义创作原则和方法，在培养艺术人才的问题上，尤其是在艺术人才培养的全过程当中，是必须坚持的。因为学生在接受培养的过程当中，不仅是要学习、掌握专业基础理论和基本的创作方法，更重要的是建立和形成了正确的专业思维和艺术的鉴赏能力。
60多年来，表演系始终重视基础教学和研究，强调学生的基本功、基本技能的训练与基础理论知识的讲授，强调培养学生的独创性素质；强调创作实践与理论研究、传统与现代相结合，强调研究和吸纳国内外戏剧影视艺术创作、戏剧影视艺术教育教学中的先进经验和一切有价值的成果，促进教育教学的建设与发展。
在教学中坚持“重基础、厚修养、全面培养；重素质、讲训练、协调发展；重技巧、讲方法、掌握技能；重创造、讲形象、开拓个性；重传统、讲流派、兼容并蓄；重创作、讲实践、检验教学”的教学思想。
在人才培养上，坚持以现实主义创作原则和方法作为指导思想，培养基本功扎实、掌握熟练的创作技能、具有坚实的专业理论基础知识与开阔的艺术视野、具有活跃的创作思维和很强的创作实践能力、具备良好的艺术素质与高尚的道德情操，以及适应社会发展需求与能够胜任话剧艺术、影视艺术等艺术创作要求的表演专业人才。
五、把现实主义创作原则和方法融入表演专业教学全过程
怎样帮助和培养学生解释艺术创作活动的基本规律与用艺术的方式来认识生活和表现生活？怎样帮助和培养学生处理艺术和生活的关系与用艺术的方式来表现生活？都必然涉及创作原则、方法。因此在表演教学中，无论是低年级基础教学阶段，还是专业技巧训练的教学阶段和高年级毕业创作实习的教学阶段，现实主义创作原则、方法作为一条主线，始终贯穿在表演专业教学活动的全过程当中。
根据这样的理念，表演系在教学上强化以下几个方面的工作：
重基础、厚修养、全面培养。把基础教学看作是表演专业教育教学的重要环节，把课程设置作为保证教学质量的关键。
重素质、讲训练、协调发展。把培养演员的素质与创作素质的训练摆在教学的首位。即在教学中，一方面讲授成为合格的、优秀的演员所应具有的很高的敬业精神与职业道德水准，具有深厚的生活素养、很好的思想修养和娴熟的专业技巧；一方面进行演员创作素质的培养与训练，即以表演元素作为教学训练的重点，采用游戏式的教学手段和方法进行教学训练，使学生在假定的情境中能够真实有机地行动和生活的同时，表演创作素质得到训练和培养，创作天性得到开发，并打下扎实的表演基础。
重技巧、讲方法、掌握技能。把帮助学生掌握表演创作技能与创作方法作为教学训练的重心，视为表演教学训练的重要内容。指导学生学习和掌握表演创造心理技巧、舞台语言表现技巧和形体表现技巧，依据人的生活的法则和运用生活的原理与逻辑进行表演艺术创作。在这个教学阶段中把舞台行动视为重要的创作技巧和科学的创作方法，要求学生掌握并运用于角色的创造。
重创造、讲形象、开拓个性。有意识地培养学生的创造性思维、即兴表演创作的能力与开拓学生表演创作个性。教学中，培养学生创造角色形象的意识，使学生善于观察、注意、分析与提炼生活，善于展开想象和生活联想进行角色形象的构思，善于将知识性记忆和情感记忆运用于角色的体验与体现，善于运用表演技巧创造出具有鲜明性格特征的角色形象。在教师的指导下，独立地处理剧本和完成角色形象的创造；创作天性得到开拓与发展。
重传统、讲流派、兼收并蓄。教学中，强调要重视表演艺术的真实性，运用舞台行动技巧和方法创造出符合人物性格特征的形体生活、心理生活以及性格化的语言。要求学生以真挚的体验，真实地反映和揭示角色形象的内心世界与精神生活；以真挚的体现，艺术地表现和揭示角色形象的外部性格特征与形象特点。强调要继承中国戏曲表演美学传统，学习和运用中国戏曲表演艺术表现手法，丰富表演创作。强调研究和吸收其他国家当代戏剧创作和戏剧表演教学的先进经验，活跃表演教学研究，促进和推动表演教学的改革与发展。
重创作、讲实践、检验教学。毕业创作与实践，是高年级教学的重点。为了保证教学的质量，学院规定每个毕业班必须完成一个大剧场和两个小剧场规模的毕业实习与公演剧目的创作，并投入相当的经费和提供最好的条件以确保毕业班的教学如期完成。在这个阶段中，教师排练与导演排练结合，教学方法与导演方法结合，教学计划与导演计划结合，教学效果与演出效果达成统一。学生表演创造的才能得到充分发挥。
六、把现实主义创作原则和方法作为科学研究的基础，推进与发展表演艺术教育
构建和实践科学的体系，提高教学质量，是表演专业教学的需要和根本保障。
学生在学校4年学习的内容与接受的训练，其本质就是打基础，所有的教学阶段与训练内容，都是对学生进行演员培养的专业基础性教育。根据不同教学阶段的任务与教学内容，通过有序的教学训练，使学生在每一教学过程当中能够深入领会所学内容，完成专业训练，掌握表演创作方法与表演技巧，掌握不同风格、体裁的表演创作手法，处理剧本与创造角色。并通过讲授戏剧基础知识与表演基础理论，扩大学生的艺术眼界，活跃学生的艺术思维，增加学生的戏剧文化底蕴，使他们对戏剧艺术、表演艺术的创作任务与创作特点、生活与艺术创作的关系、不同的戏剧风格与体裁、不同的戏剧流派创作等有基本的认识和了解，为今后的艺术创作做好准备。
当前，如何理解现实主义，如何看待现实主义，如何发展现实主义，特别是能否坚持把现实主义创作原则和方法作为戏剧艺术教育教学的指导原则，的确是一个值得深思的问题。回顾60多年的办学历程，总结表演教学，毫无疑问，坚持现实主义创作原则和方法对我们教学系统的建立与形成，具有积极作用和重要意义。它是我们专业建设和专业教学的重要原则，是我们进行艺术教育、教学研究的基础，有利于我们的表演教学实践，构建科学的教学体系，提高本科教学质量和人才培养。
一、声乐表演艺术再创造的原则
实现声乐表演再创作需要以下原则：首先要将创造性与真实性相统一，这是基本原则和要求。二次创作最重要的是保持原作品的艺术精髓，表演者无论进行什么样的改变都应保持基本风格和基调。作品的艺术精髓是作品的艺术生命力，再创造者可以结合自己的想象力使作品内涵更加丰富，但一定要以原作品真实性为基础。这将成为作品改编是否成功的重要原因；其次，要坚持时代性和历史性的统一。不同的历史条件下会有特定的生活环境，生活体验及精力，因此声乐表演的再创作就要站在时代的前沿；最后，要实现表现性和技巧性的和谐统一。技巧性与表现性大不相同，技巧性强调能力，而表现性则强调感情的投入。在我们熟知的综艺节目中，评委会点评歌者“很有技巧性，歌唱能力强”。而表现性则是除去歌声，歌者用他的神态眼神等感动观众，这样的歌者就具有极强的表现性。然而要成为一名成功的表演者就需要技巧性与表现性相结合。不仅有唱功还要有表现力，用两者去打动观众。
二、声乐表演的艺术再创造实践
（一）作品内涵的艺术表演把握
表演者只有将作品的内涵进行深入的分析和了解才能把握作品的精髓，并且更加准确的对作品进行再创作，将自己的观点与作品的联系更加密切。因此，教师在教学方面，可以先培养学生对声乐表演内涵的把握，多听多看前人是如何表演的，在学生把握作品精神内涵的基础上再根据自身经历，对作品进行合理的改变，将自己的真实情感融入其中，再现作品艺术魅力。
（二）创造艺术魅力的掌握
先前我国多以讲授式或模仿式这种形式单一的方法教学，效果并不太好，因为这种方式对侧重于模仿行，而感情表达就过于淡薄了，因此新时期的教学方式就更加注重学生对作品内涵的培养，教师多采用灵活的教学方式，让学生根据自己的理解对作品进行再创作，赋予作品新的生命。教师还会给学生一些评价与建议，鼓励学生再创作。
（三）歌唱艺术表演的掌握
提高歌唱者的歌唱艺术表演力是实现声乐表演再创作的重要部分。我们可以从以下方面入手：首先，加强歌唱者的自身修养，艺术修养的提高不仅仅是学习艺术表演的相关知识，还应发现生活中的艺术，将艺术知识与生活相连接，从而改变和创造出全新的艺术表演。此外，艺术是相通的，在专注于自己的艺术类别的同时，还要深入生活，学习更多类别的艺术，如舞蹈、话剧、戏剧及国外艺术课程等；其次，增强自我歌唱表现力也是很重要的，在掌握基础技术技巧的基础上将歌者的感情进行传递和再现。歌唱者从学会“发声”，然后到“发出各种声音”最后学会“发出各种具有感情的声音”层层递进。歌者还要注意咬字和呼吸结合，通过声乐表演把简单的文字具象化，并且来诠释作品的内涵同时在情感表达上也要求歌者可以对作品进行深入的理解与分析。
关键词：声乐美学；声乐表演；艺术
声乐表演与其他艺术种类相同，都是以审美意识为基础，讲究美学要求。声乐作品在表演中通过独特的风格形成艺术再创作，是一种在声乐作品创作基础上结合声乐表演者的理解而采取的创作手段。可以说声乐表演也就是声乐创作的过程，它是为声乐作品重新赋予生命和内涵的方法，也是对声乐美学、音乐美学再度理解的过程。对于声乐表演而言，它的美学思维主要包含了作者、表演者以及观众对声乐作品内涵的理解，这也是声乐表演能够取得成功的根本保证。
1 声乐表演中美学思维概述
声乐表演能力的培养是当今演奏界、声乐表演教学工作者不断探索和研究的课题。经过长期实践总结表明，声乐演奏者的艺术创造力也就是我们常说的音乐表现力单纯的凭借声乐演奏技巧是无法解决的，而是在高超的演奏技巧基础上具备丰富的艺术修养、艺术创作能力，能够在表演的同时将两者融合起来形成临场应变能力，这也是这里我们需要探索的美学思维。
1.1 声乐美学思维的含义
声乐是音乐的一个分支，这也表明声乐美学与音乐美学有着不可分割的关系。声乐作为人类诞生之后出现最早的艺术，它同人类日常生活有着密切的关系，不仅要求表演者具备高超的嗓音，而且具备良好的临场发挥和应变能力。作为声乐表演者而言，它在表演中无论是对原始的吆喝声还是当今声乐技巧的发挥，都需要以艺术的形态来呈现在人们面前。经过多年工作总结发现，声乐艺术不管如何发展，都始终同人类社会活动相连，并没有脱离社会实践。声乐艺术的发展史也表明，声乐具备的美是永恒不变的魅力，它与自身构成因素有着密切关系，同时同声乐发展规律有着一定关系。虽然声乐在一定程度上与音乐有着极为相似的表现手段，但是它在表现形态、美学构成方面却存在特殊性，其表现得美学主要是声乐艺术内部规律。
1.2 声乐美学思维的本质
从创作过程看，任何艺术创作都有一个主观化的过程，而声乐艺术的创作过程则显得尤为特殊。它是由主观（作词）主观（曲作者）化的情感表现的多重认识活动。这是声乐艺术创作过程的显著特征。前一个主观因素（作词）是在对客观现实的感受基础上形成的主观化了的客观现实，而后一个主观因素所依据的实际上已是主观化了的客观现实，为此，后一个主观意识受到了一定程度的制约，它必须在尊重前一个主观化选择的同时，按音乐创作的规律来反映它，从而形成一个多环节性的综合的情感流动与再创造的过程。
1.3 声乐美学思维原理
对于声乐表演而言，其美学思维的具体原理主要表现在以下两个方面。首先，统一性原理。声乐在表演的过程中每一个作品都是同人类实际生活、历史环境、该时期政治因素有着密切关系的，因此声乐表演人员在表演的同时要将历史色彩逐渐融入其中，分析该乐曲任务的内心活动和行为特征。其次，精彩再现原理。在声乐表演中，任何一部作品都是通过艺术的方式来展现作品精髓和当时环境。而每一部作品在创作之初就将所需要表达的思想和含义赋予其中。因此来说，声乐表演并非是一个单纯的艺术表演，它还是历史文字、历史景观、历史文化的载体。
2 声乐表演中美学思维的体现
2.1 整体美学特征
在声乐作品表演中，首先要对声乐作品进行深入的了解，对作品的创作思路、创作背景要做详细了解，并剖析作者创作感受，在表演当中不断创新、不断完善，通过演唱、演奏等方式对作品进度进行合理控制。因此来说，声乐表演并非是一个单纯的艺术形式，更是一个综合创作的过程。在声乐创作中我们不仅要将表演者的内心感受融入其中，还要对声乐的整体艺术感进行全面掌握，在演唱中还需要注意艺术与技巧的结合，从而提升声乐表演的审美特征和整体感。
2.2 演唱中的个性美
声乐作为音乐作品的一种，它也是通过聆听、体验等方式让人们从精神、思想上产生一种愉悦感，这也是音乐艺术体验的一种新能力。在这一过程中，演唱者需要通过对作品的能解和分析，在演唱中不断创作和完善，进而形成独特的音乐风格。对于声乐表演而言，它不同于音乐，它随着演唱者的不同而演绎出各种不同的风格，从而形成各种独特的个性美。
3 声乐表演中美学思维原则
3.1 真实性与创造性的统一
寻求音乐表演的真实性，必须把乐谱作为基本根据加以认真看待。另外，对于作品产生的历史时代和风格范围的研讨也同样主要。音乐表演作为第二创造，仅仅忠于原著，具有真实性是不够的，它还必需与表演者的创造个性相联合。富于个性是音乐表演走向成熟的标记，但是要在忠于原作的根基上施展表演者的创造个性。
3.2 历史性与时期性的统一
即音乐作品特定的历史作风与表演者所处的时期精力的统一。它是特殊历史条件下的存在物。任何声乐作品都是一定历史时期的产物，这是他原生的基础，也是它生长的基本土壤。就如欧洲浪漫主义时期的舒伯特与舒曼的歌曲作品，印象主义时期德彪西的歌曲作品，民族乐派的柴可夫斯基与格里格的歌曲作品，以及我国近代音乐家青主为宋代诗人苏轼做谱曲的 《大江东去》，刘半弄作词、赵元任作曲的《叫我如何不想他》以及抗日时期出现的大批抗日歌曲等，都是不同历史时期的产物，并且体现着这一历史时期的风格和特征。所谓时代性，指表演者所处的时代特证与历史作品之间的辩证关系。时代性具有不可替代性，并存在时间有相对持续性的特点。
3.3 技能与表现的统一
出色的表演技巧与完美的艺术表现在音乐表演中是相辅相成的、互不可缺少的两个方面，没有表演技巧根本谈不上是艺术表现，反之，脱离了艺术表现，表演技巧也将失去它自身的存在价值。在艺术领域，技巧是艺术表现的基础和前提，古今中外凡有成就的表演艺术家，无一不是身怀绝技，技艺超群。技巧是声乐艺术表现的基础条件，但技巧并不是表演成功的唯一条件。因为，声乐表演的目的并不是为了展示单一的技巧，而是为了表现声乐作品的内容和情感过程，技巧则是达到这一表现目的的手段。声乐艺术表演，从概念上讲，它既是声乐艺术，又是舞台表演艺术，作为一门表演艺术，声乐表演是有情感转化的听得到看得到的艺术形式，是演唱者运用声音把感情转变成人们知觉的东西，并将情感呈现供观众感受欣赏的艺术。因此，声乐表演更多的是是情感的表现形式。
结束语
总之，思维在声乐演唱中的作用，对于歌者的完美艺术表现，有着极其重要的现实意义。
参考文献
[1]张艳.当代声乐演唱中单一化风格的成因和改进策略[J].音乐时空，2015（1）.
【关键词】表演艺术 播音与主持艺术专业 教育结合
一、播音与主持艺术专业发展现状
播音学在我国是一门具有中国特色的新兴学科，形成历史短，播音主持与艺术专业在世界上也是绝无仅有，自1963年北京广播学院开设播音系以来，已发展成从中专、大专、本科、硕士和博士的多个教学范畴。播音专业名称最初为1963年的“中文播音专业”，1998年教育部把播音专业改名为“播音与主持专业”，现在更多的被称为“播音与主持艺术专业”。目前为止，中国建立最早、影响最大的培养广播电视播音主持艺术专业高层次人才的教学基地是中国传媒大学在1996年成立的二级学院——播音主持艺术学院。
中国广播电视等传媒产业发展飞速，使得播音员和主持人越来越多的成为大众关注和羡慕的对象，更多的年轻人希望从事此类职业。随着社会的迅速发展，学生基数的不断扩大，高等教育的不断扩招，播音与主持艺术专业为许多人垂青，许多学校先后增设了该专业。至今，播音与主持艺术专业已经在全国近30个省市和自治区的200多家高等院校开设，其中包括专业艺术院校和非专业艺术院校。专业艺术院校包括有中国传媒大学、中央戏剧学院、上海戏剧学院、浙江传媒学院、南京艺术学院、四川音乐学院和云南艺术学院等。非专业艺术学院包括综合类院校（如武汉大学、吉林大学、西北大学等）、以理工科为主的综合院校（如北京理工大学、陕西科技大学、成都理工大学等）、农林类院校（如西北农林科技大学等）、财经类院校（如西南财经大学）、师范类（如陕西师范大学、华东师范大学等）、政法类（如西北政法大学）、体育类（如西安体育学院等）。众多播音与主持艺术专业使得每年有过万播音学生毕业，就业市场上也出现了严重的供大于求的现象，竞争激烈残酷。目前，陕西省多所高校（包括本专科、公办民办）开设了播音与主持艺术专业。
二、陕西省高校播音与主持艺术专业开展表演艺术教学的必要性
最初，播音专业教学过程中并未开设表演课程或是进行相关表演艺术的教学，随着时间流转，“播音教学中是否需要引入表演教学”成为理论界争论的焦点，至今仍未达成统一的共识。一方指出播音主持是专业和尊重事实的，容不得半点虚假，如果加入表演，就会出现虚假成分；另一方指出播音主持必须具备表演者所具有的当众性和创作力，一定程度的表演会帮助播音员和主持人更好的驾驭节目。
笔者从播音教学实践出发，关于表演教育在播音教学中的积极作用感受颇为深刻，并认为，当前我国高校播音与主持艺术专业中普遍存在的只重视有声语言的训练而忽视包括体态语在内的整体表达训练的倾向已严重制约了本学科的健康发展。
在播音教学中，有的学生私下读稿远胜于课堂表现，有的学生主持节目不着边际、思维混乱，有的感情苍白等等问题众多。实际上，播音主持和表演都要求学生肌肉要有真实感、延伸感、挺拔感、协调感和松弛感，并且要具备注意力、自然状态、思维能力、应变能力、创作能力等。解放天性、注意力集中训练、无实物训练、观察生活练习、小品训练和话剧演出等表演课程中的练习，可以不同程度的满足播音与主持艺术专业学生增加多种能力，提高专业和业务水平。
三、表演艺术与陕西省高校播音主持艺术专业在教学结合中的教学现状、教学目标及存在问题
（一）教学现状与教学目标
目前，全国专门开办表演专业的高校已经超过340所，专门培养表演人才。而国内众多开办播音与主持艺术专业的院校中绝大多数都开设了表演课程，陕西省艺术类专业不同程度地不断加大表演艺术课程的开设比重，但各个院校的具体情况不尽相同。一般来说，专业艺术院校的表演艺术课程，本科设置为一年，第一个学期为表演基础的学习，第二个学期为表演创作。就笔者所在的以理工类为主的综合大学的播音与主持艺术专业中为例，表演艺术课程设置为大学二年级第一个学期，以表演基础方面的学习为主，课时为40，其中课内为32课时，课外为8课时。
教学目标是整个教学活动的最终诉求，是教学计划的设计依据，是教学成果的检验标准。因此，教学目标是预期的在具体情境下学生行为变化的结果，是用“学生学会了什么”的说法来表示的。表演专业有着自己系统的、科学的体系与方法，以培养戏剧影视表演专业人才为目的， 这与播音与主持艺术专业专门开设的表演艺术课程教学目标有所不同。
表演艺术课程应作为播音与主持艺术专业的基础课程进行开设，教学目标在于教理论、授方法、重实践，开发学生的表演潜力，树立学生的良好台风，解放学生的表现天性，提高学生的即兴能力，激发学生的创作灵感，提升学生的表达技巧，增强学生的综合艺术修养，立足于多元化复合型人才的培养。表演教学，是对学生基础能力、艺术能力的训练与培养，是一个相对整体而又具有阶段性特征的教学体系。
（二）在教育结合中存在的问题
1.重视程度欠缺，教育方式僵化
有些院校播音与主持艺术专业的表演课仅作为副设的专业基础课或是考查课、选修课，对表演知识的学习和利用表演知识进行表演能力的培养不够重视。绝大多数教育方式较为僵化，教学目标较为空泛，教学手段较为单调，教学状态片面，教学气氛缺乏生动和互动，与一般课程教学模式雷同，考试环节采用笔试等。由于各种原因的扩招，专业人数不断增多，使得表演课学生数与课时不匹配等。
2.理论重于实践，脱离实际
一般的教学过程主要是理论教学环节和实践教学环节两大部分。绝大多数播音与主持艺术专业中的表演课教学普遍存在重理论轻实践的问题，教学中明显脱离实际，尤其是非专业艺术院校。通常40个课时中，32个为理论学习课时，8个为实践课时，甚至有的学校在教学计划中全部设置为理论学习课时。学习表演，仅仅学习斯坦尼斯拉夫斯基体系、表演的历史等理论是没办法完成的。完成理论教学只是达到专业课程培养目标的一部分，进一步加大实践教学关系到课程和人才培养的目标能否实现。
3.缺乏专业合适教材
鉴于播音与主持艺术专业表演艺术教学内容和培养目标的特殊性，教材选用非常重要。目前在国内市场上鲜见有专用的针对播音与主持艺术专业的表演教材和教学法，基本只能借鉴高、中等院校专业表演教材。现在绝大多数院校是代课教师根据播音与主持艺术专业的特点和实际需要，结合以往教学经验，自己编写适合表演课程的实用教学讲义。
4.缺乏专业表演教师
很多非专业艺术院校播音与主持艺术专业的表演课由教授播音主持或是其他课程的老师兼任。首先，全国专门培养表演专业人才的院校屈指可数，他们的教师和毕业学生人数较少，大多从事专业表演事业，或是在专业艺术院校中从事教学工作。其次，一般来说聘请专业演员也是很好的方法，但是往往上课时间不够稳定、课时费较高难以接受。非专业表演教师在传授理论方面可能问题不算太大，但是在示范、排练等实践教学环节中明显能力欠缺，学生在这样的教学氛围下很难学到真正有用的内容。
四、表演艺术与陕西省高校播音主持艺术专业在教学结合中的未来发展
（一）理论知识的学习与实践能力的体现
理论知识的学习是表演艺术学习的基础，形成科学、系统、规范的理论体系，同时理论的学习要与实践应用环节交融穿插，使学生能想、能说、能演。把表演的实践环节当作课堂教学的延伸，将教学重点放在实践教学环节。强化实践应用环节，既符合教育教学改革规律，又遵循创新人才培养原则，建立学生实践能力的培养模式，加强学生实践能力的锻炼，完善实践教学体系。
（二）以表演基础教学为主，以因材施教为主要原则
在学习表演之前，几乎每个学生都是一张白纸，要加强和注重表演基础训练，完成起步教学，打好表演基础，解放天性等基本素质训练及单人事件小品和双人交流小品等。表演教育充满特殊性，每个学生的情况不同，具体的训练方法也不相同，不能按照整齐划一的方法训练，“因材施教”是主要原则。充分考虑学生的生理和心理上的个体差异，不能采用“一刀切”方法，尽量使用让绝大多数学生都能接受的教学方法和教学进度，在表演材料的难度选择上充分考虑学生水平的差异，让不同类型的学生都能得到应有的锻炼和练习，充分挖掘学生自身的潜能，积极主动，推陈出新。鼓励欣赏学生，增强学生自信心，进一步激发学生的学习兴趣。
（三）即兴能力的锻炼和创作能力的培养
对于播音与主持艺术专业的学生来说，除了一口流利的普通话语音外，即兴能力和创作能力的锻炼与培养极其重要。现在电视台和电台的许多节目以现场直播形式为主，非常考验主持人和播音员的即兴表达能力和创作能力。在表演练习中，老师在课堂上下即兴出题、模拟动物、表演小品等，同时学生即兴反应、迅速思考、发挥想象力投入表演。在表演中不断通过想象和生活经验来设定场景、人物、剧情，在自然当众的状态下进行创作，提高创作思想、观念、状态和意识。
（四）课堂形式的多变和考试环节的重塑
改变课堂单一的理论传授，突破以往教学模式，尽量调和上课人数众多的矛盾，在大课教授理论的同时，尽可能做到在实践环节中进行小组授课、一对一授课等，以多元化的课堂教学形式将小组课、个别课及基本理论课融会贯通，以此进行表演教学。教学地点开放，走出教室，走出校园，开展丰富课外实践活动，组织表演晚会，进行艺术比赛，排练与演出相结合等。表演考试无纸化，去除试卷考试，表演课程考查学生最主要的就是表演技能，而非表演理论记得是否准确无误。
我国正处在实现现代化战略目标的关键时期，社会和经济的发展对人才培养目标提出了多元化的要求。改革以学科为体系的传统教育模式，构建相对完整的播音与主持艺术专业的表演实践教学体系， 扩大了播音专业学生的就业空间，同时也对培养多能的复合型人才具有重要的作用。
（一）吐字训练
吐字在汉语中分为三个部分，分别为字头、字腹和字尾。所谓字头就是从舌、牙、唇、喉等位置的出字部分，场所的声母部分就属于字头；所谓字腹就是较长的韵母部分；而字尾则收归于鼻音、半鼻音、舐音等部分，位置由韵辙决定。在具体的声乐演唱中，字的头腹和尾是不能清楚的展现出来的，而需要合理的过渡，自然而没有痕迹。需要注意的是，吐字不能过紧或过松，如果过紧面部会僵硬，影响共鸣；如果过松则表述不清楚。
（二）腔体与共鸣
腔体就是人体内部的空间，而共鸣则是声音的发声作用，只要腔体存在就会产生共鸣。人体的主要腔体包括口腔、鼻腔、头腔、咽腔和胸腔，其中能够进行自我调节的是口腔和咽腔。只有上述所说的所有腔体都能有机的协调好，发挥出各自的作用，音质和音色都能获得较为理想的状态。
（三）呼吸与气息的支点
我国有一句古语：“善歌者必先调其气”。以此就能看出呼吸在声乐艺术中所占据的重要地位。科学的吸入要比呼出重要很多，如果没有足够的气，声音线也就不能妥善的维持。因此在呼气的时候要把胸腔肋骨充分的张开，控制好横膈膜，气息的支撑点也正是腰部和腹肌，用最小的力和气来获取最好的声音。要想在歌唱中底气十足、昂首挺胸，则必须要对腰部和腹部进行训练，科学的进行呼吸，把声乐中所蕴含的情感真正的表现出来。
（四）发声训练
1.歌声与话声之间的关系。气波转化为声波的声带动作就是发声。声乐演唱时，演唱者通过声带的调节与控制实现声音的发出，不必刻意让环形甲状肌动作与声带的拉倒、放松，歌唱者的意识和声带张力变化震荡是趋于一致的。我们在声乐演唱中，将歌声视为话声的升华，歌声与话声统一从口中发出，有着相同的声带工作原理，区别之处则在于声音是否在自然区。同时话声的时长要明显小于歌唱的声音。而改变说话的发生状态，其结果是喉头上提，舌根使劲，卡紧喉咙，咽喉撑大，声带不挡气，鼻音等。
2.发声感知上的错觉。发生感知上的错觉是一个非常普遍的问题，也就是声带在发声时的自我欺骗，自我欺骗分为两种，其一，演唱的声音是由声带发声的，然后传播到空间进而传入人耳；其二，发声者自己能够听到的声音，外人听不到，这种声音是在声带发出之后直接通过人体传入耳中，例如吃饭时的咀嚼声音。这两种声音也就是感知上的错觉，所以在基础训练中教师要引导学生调整歌唱的感觉，更好的把握住发声方式。
二、声乐教育中个性创造的培养
（一）情感思维创造的培养
在声乐演唱中融入了非常丰富的情感，这些情感为声乐增添了非常多的火力，所以对情感思维创造的培养是一项不可获取的重要内容。学生对艺术作品的理解和体会会产生极大的共鸣，对作品中的情感有着丰富的想象，只有先把自己感动，才能感动观众。
（二）知觉思维创造的培养
歌唱形象思维的核心就是听觉表现，演唱者在演唱时对自我声音的判断是依靠听觉获取的，因此教师在教育中要一道学生追求优美的声音，选择最适合自己声音的位置；另外学生还要能够通过听觉来感受音乐语言，获得正确的声音观念，在此基础上，歌唱时才能把发生的技巧合理的运用，发出更加优美的声音，这是培养思维能力的一个重要过程。
（三）直觉思维创造的培养
所谓直觉就是没有经过深思熟虑而获得的一种领悟能力，类似于灵感但是也有一定的区别，声乐就是一种直觉思维，也就是对歌唱的某个问题突然间领悟的能力，因此教师要引导学生探索发现直觉思维，让学生认识到，声乐艺术在开发人脑方面的重要作用。
三、声音基础训练与个性创造的联系
（一）声音基础训练是个性创造的先决条件
在声乐的基础训练中共包含了两项内容，分别为基础理论和基本技法，真正的领悟声乐中的理论、掌握基本技法是提高学生声乐创造能力的先决条件。纵观世界各国的声乐艺术大师，每一位都有通过系统的培训，在音质和音色的形成上都经过了严格的基础训练，换言之，这些艺术大家在声乐的表演和创造上所展现出的成就都是以基础为核心的。所有能被称作是艺术大师的都是通过声音元素、音色的明暗关系来增强声乐的基本技法，不断提高自身的创造能力。因此，要想在声乐领域打下一番成就，其严格的声音基础训练是一项不可或缺的重要环节，同艺术的创造是不能分割的。开展声乐教学的最终目的就在于提高学生对艺术作品的内容、情感的表现能力，在通过系统的、严格的基础训练之后，引导性的提高学生的个性创造能力。但是从当前声乐学习的水平来看并不乐观，除了个别学生真正掌握声乐基础之外，大部分学生的基本技能都较为薄弱，这与学生训练时有针对性的联系有着直接的关系，很多学生在考试之前只是对几首歌曲进行训练，并没有真正掌握声乐基础。对于这种基础知识比较薄弱的学生来讲，没有扎实的基本功就强调如何培养个性创造，没有把学生对音区、音域的把握工作重视起来，导致眼高手低的问题出现，对学生未来的发展是非常不利的。通过多年的教学实践充分的证明了，只有真正掌握基础技能和知识之后才能培养其创造能力，否则会导致学生背离艺术规律。因此声乐基础训练的开展时一项不能改变的学习过程，同时也是创作出跟多优秀的艺术作品的前提。
（二）具备情感表现能力才能形成演唱个性
声乐的歌唱换一种说法就是表达感情，是一个富有魅力的艺术表现活动。声乐演唱的重要意义在于歌唱者能够结合对生活的认识、依照自己的情感体验，在真正掌握表现声乐艺术的各种技术之后，利用这些技术来为声乐演唱服务。在表现声乐艺术的过程中，声音和歌唱的技巧共同构成了声乐演唱，声音是通过演唱者对气息进行操控，再加上器官和共鸣腔体通过运用所产生的，因此只有把声音和感情合二为一，通过蕴含着艺术感染力的声音进行演唱，才能提高声乐的艺术性，才能创作出更多的艺术作品。在声乐演唱的过程中，演唱人员利用演唱的技巧来表现出自己心中的情感，唱出感人至深的动人乐章。声乐演唱中的情感体验是从生活中不断产生的，其情感的表现能力也就是演唱者的能力和素质的体现，同时也是考查歌唱者在声乐学习中是否呈现出全面发展的状态。培养情感的表现并不是一件容易的事，更不是一时努力就能实现的事，而是需要通过长时间的基础训练，在学习、实践、体验中不断丰富自身的知识，通过不断的练习才能获得。每一位歌唱者都有自己唱歌时的特点和个性，这种具有典型个人特质的个性来自于歌者自身对生活的感悟认识，来自于教师的艺术经验和教学方法的不同等等。正是在这些差异的基础之上，每一个声乐学生之间才会存在差异，才会存在不同艺术风格和不同艺术特色的演唱表演，呈现出一种百家争鸣的局面。分析这些不同艺术的个性时我们发现，学生的情感表现能力是实现艺术个性创造的基础。有些学生虽然具备很强声乐技巧，但是歌声中缺少情感的渗透，没有把情感融入到歌声之中，也就失去了音乐作为艺术最本质的东西。歌唱技巧固然在歌唱中占有重要的地位，但真正能超越技巧，感动听众的，往往是那些物我合一，将情感融入歌声里，并进行艺术加工的歌唱者，他们才是真正走向艺术巅峰的人。
（三）声音训练的最终目的是为了个性创造
艺术创造是从生活中提取出来的，但是又高于生活，因此创作艺术的重点就在于怎样超越生活，艺术同创造是不能分割的，如果艺术离开了创造就会缺乏色彩。所以在声乐教育中，不仅要加强对声音基础训练的培训，更要注重培养学生的创新意识。科学完整的声音基础训练自然有很高的价值，但在基础工作达到了一定程度之后，就需要对学生的演唱个性和演唱风格加以雕琢，避免在系统严格的体系训练中消磨掉学生的演唱灵性，使其缺乏演唱的个性。当学生掌握一套完美的演唱技法时，需要竭力避免学生美感的丧失，不在循规蹈矩的训练中扼杀学生的创造力。例如，视唱练耳教学是在严格技术标准的要求下，注重音响和织体结构，却忽视了“情”与“神”的多样化表现，教学在教学中实际上着力于训练学生的音准和节奏能力，对音乐结构的感悟能力，却忽视了让学生更多领略音乐“精气神”的重要价值。为此，在严格的技巧训练之上，如果能够充分发挥学生的潜能，发挥其音乐创造性，必然能取得更好的教学效果。当今社会是科学技术飞速进步的社会，学生具有非常强烈的求知欲望，对于未知的事物感到好奇，同时也善于幻象和创造，因此声乐教师必须要抓住学生这个重要的特点，有效的利用起来，把学生对声乐学习的积极性和主动性充分的激发出来，建立一个和谐、良好的学习环境，尽最大的可能提高学生的创作性思维和想象力。音乐是通过听觉来进行传播的，所以还要不断增强学生的听觉修养，增强学生对声乐艺术的鉴赏能力和品位，进一步引导学生创造力的发挥。个性创造不仅是艺术作品所需要达成的最终目标，同时也是艺术家智慧的集中体现，但凡是具有影响力的艺术大家，虽然各自的艺术风格是完全不同的，但是相同的是在个性创造这个问题上都有着坚持不懈的追求。因此在声乐教育中，必须要遵循艺术的规律和培养人才的规律，以坚实的声音基础为核心，提高学生的创造能力。通过上述分析能够看出，声音基础训练同个性创造二者之间有着非常密切的联系，通过基础训练和创造能力的培养，其最终目的就是要提高学生声乐演唱的技能和技法，使之能够对艺术进行更深层次的把握，为将来的艺术创造奠定坚实的基础。由于音乐艺术的创造同个性创造二者之间是不能分割的，因此启发学生的思维能力和修养都为了提高学生的创造力而开展的。声音基础训练同个性创造二者之间并不产生任何冲突，而是相互作用、相互渗透的，是统一的。没有声音基础是不能实现个性创造的，而没有个性创造技法就会毫无意义。
四、结语
关键词：音乐表演；真实性；创造性；统一
音乐表演的发展过程是实践性体验和对音乐作品的审美，表演者通过自身的表演来展示自身对音乐作品的理解。一位优秀的艺术家，需要缩短音乐作品与观众的距离，当然这不是取悦观众，只是把艺术作品赋予了更高的艺术价值，传达给欣赏者更真实，更感染内心的听觉盛宴。这就需要音乐表演的真实性和创造性，并使它们无缝结合。
在音乐中，表演艺术和非表演艺术存在不同，它们独立成作品，没有中间环节就可以让人欣赏。音乐表演是一种抽象的感受用来表现，在这个过程中，表演者要尊重原作，表达作曲的创作远远不够，还需要传达作曲者的思想情感内容，作品背景，作曲家的生活背景都要融入内心，走进作曲家内心。艺术风格能够充分表现出艺术家的思想、精神以及审美观，不只能够代表个人，同时还可以代表一个流派，与其他流派加以区别。进而才能更完整地展现出艺术作品的深刻内涵。
一、音乐表演的真实性
真实性：声乐表演过程中对原作的忠实再现，任何一部音乐作品都属于当时历史时代与风格范畴。声乐表演的真实性表现在：内容主题、历史背景、织体结、作品的情感情绪的起伏上。在声乐表演的真实性过程中，没有这一细致精确、完整的分析过程，就无从谈起。对于声乐真实性的而言，表演者的诸多能力综合展现。如歌剧、清唱剧、音乐剧、对作品的真实性要求相对较高，需要表演者入戏，能够以戏中的情感来替代“真我”，从而完成作品的真实性，但是作品其中还是会有自己情感的影子，也就是在真实性的基础上添加了创造性。
研读作曲家乐谱，重视乐谱上表情记号，就体现了音乐表演的真实性。作曲者用表情记号来传达创作情感，演奏演唱者若只生硬的遵照乐谱进行表演，与听众达不到交流，听众也会一片茫然。每首作品都是有思想的，不要把它孤立起来，作曲家的美学观点，对作品风格，历史性的范畴，不被忽视。
真实性的再现过程，例如：声乐表演中，要了解作者所处的时代背景，社会背景；了解作品主题内容；明确作品的曲式结构；分析织体和声；理解作品感情，发展。用真实的自我，分析理解作品人物的假我，表演时自己就是作品中的人物形象，真实的入戏，把握住音乐形态，体现音乐表演的真实性。
二、音乐表演的创造性
音乐表演的创造性即音乐表演艺术的本质――第二度创造。它是在音乐表演真实性的基础上再创造，有个性化的表现方式。音乐表演作为第二度创作，它的独特性的本质意义就不在于局限在一度创作的再现。每个人都有自己对音乐的理解，有自己的思想情感和生活经历，需要音乐表演着满怀激情和热情对音乐进行深层次的理解，彰显生机的艺术作品，而不是怀着冷漠的态度，使音乐充满毫无活力的机械显影。
在探索音乐作品时，杰出的音乐表演者应具备以下基本品质，同样以声乐表演为例：有明确的自我意识，在不同的音乐作品中，自己的表现，演唱风格作出分析；尊重原作，对作品进行深刻分析，谱面的基本内容，作品正确的情感变化，运动过程；敏锐的创造性，对音乐有一定的敏感度，作品背景，历史时代深层含义。作品自身是主观下的客观，所以要注重主观客观的统一，形成一个有机整体。
音乐表演的崇高使命就是使欣赏者拥有更高的艺术文化修养，净化心灵，使心生活充满热情，灵更加纯洁。充实生活。所以音乐表演不仅使欣赏者振奋精神，勇往直前，还会使欣赏者思想开阔，最终提高其审美情趣，使之精神境界得到升华。音乐表演的创造性得到了充分体现。
三、音乐美学的真实性与创造性相统一
音乐表演是二度创作必须兼顾真实性与创性的统一的音乐表演的美学原则。表演者忠于原作的基础上，必须与创造性相结合，真实性是基础，创造性是关键。世界上著名的演奏家歌唱家，对音乐表演真实性和创造性的协调，统一，成为他们成功的条件之一。对艺术上的自由，需要有充分地应用其能力。
音乐表演应不断努力，实现自己的艺术个性，忠于艺术。了解作曲家的真实意图不易琢磨，必须在尊重原作的基础上去品味作品，感悟作品，融入到当时的创作环境。从更高的层次，视野中看待作品，不放过细节，在表演中释放自己的智慧和才能。表演者必备品质：深厚的文化底蕴；细腻的情感和想象力；更开阔的视野。音乐表演的个性是融合理性和建立在理性基础上的感性。
固然音乐表演不是一种处理措施，也不是一种模式。正如我们前面论述的，音乐表演只有在忠实原作的精神的基础上的同时，充分发挥自己的创造个性，实现音乐表演的真实性与创造性的统一，才能进入音乐表演的理想现实境界。
四、结论
音乐表演的真实性与创造性要做到完美的结合和统一，令人折服的艺术表演也必然会体现在两者的统一之中。音乐美学原则即是如此，没有特立独行的单一的模式，而是不断地统一融合，发挥世间万物的客观规律的要求。正因为如此，表演者更应该在盲目的依附不适当的标记和过于自由地偏离作曲家创作意图之间，寻找一种巧妙的平衡点，以这一基本信条，走好自己的艺术之路。
注释：
①赵舜华：《从美学角度看音乐的二度创作》，载《中州学刊》2006年第4期，第240页
参考文献：
[1]张前.现代音乐美学的研究对音乐表演艺术的启示[J].中央音乐学院学报，2005（1）.
[2]吴双，魏紫，浅析勃拉姆斯晚期钢琴作品OP.11 ――在音乐表演中的真实性和创造性的统一，艺术之窗.
摘 要： 对于地方高校的舞蹈艺术学科转型教育与教学改革而言，要改变学科的应用技术职业教育思路，真正做到学以致用。变“教师为主”的单一教学方式为“师生互动”的复合教学方式，引导学生在探求知识的过程中自立、自律、自主地主动学习。同时，根据舞蹈学科的职业特性，积极寻求课程教学与剧目教学相结合、课堂教学与社会实践相结合的教学模式。
关键词： 舞蹈基训 应用转型 实践
我在“对地方高校转型发展中舞蹈专业的基础训练课程思考”一文中，曾经指出：“过去舞蹈基础训练课程存在的问题是，在教材与教学内容的取向上，过于寻求舞种风格，造成了‘薄基础、大风格’的局面。”[1]我认为，过去的高等艺术舞蹈教育在“基训”课程教学中，一是过于求大求全，未能从普通高校的实际教学情况出发；二是在注重学生艺术人文素质培养的同时忽视舞蹈艺术的技术技能特性。这两个方面认识上的缺失，导致舞蹈学生职业培养的应用能力偏弱。作为地方高校艺术学科舞蹈专业“基训”课程教学的应用转型，在教学理念上既要立足于舞蹈的民族文化传统，培养学生文化自信等人文素养，又要着重于舞蹈动作技术技能的刚性需求，培养学生的舞蹈艺术职业应用能力。据此，以中国古典舞基础训练为蓝本，结合地方高校自身教学特点，拟定一套纵向性基础训练教学大纲与教材实现应用转型的教学目标是一个较合理的选择与途径。
首先，中国古典舞是在继承和发展戏曲舞蹈艺术基础上，吸收了一系列民族传统文化精髓，借鉴芭蕾、杂技、体操等科学训练方法，并最终从民族传统审美思想出发整合创新舞蹈身法动作韵律所构建的一个优秀的当代中国舞蹈种类。其文化的成因，正是新中国成立之后国家建立舞蹈文化自信与自立，构建“具有‘古典化’内在精神与‘民族性’外部特征的一个国字号舞蹈雅文化种类”的硕果[2]。其次，“合理性”的文化思维传统贯穿中国古典舞价值认识始终，“阴阳互补”的宇宙观在中国古典舞的人体运动之道里，被视为身体“内外、上下、腹背、左右等一分为二的离合始反”之理。它既是一种相互对立的矛盾运动，又是统一在中国古典舞动态审美结构内的基本功训练技法。再次，中国古典舞“基训”强调“跳、转、翻、控”四个方面技术技能的发展，比如：“掖腿转8至10圈”、“大跳接前空翻或侧空翻”、“旋子接侧手翻接旋子360”等，这些对跳、转方面和控制方面的改进，使控制能力、弹跳能力和旋转能力达到较高水准。实际上，中国古典舞舞蹈艺术教育经过几十年的发展，各个方面都取得长足的进步，特别是舞蹈基础训练教材与教学方法，具备系统性、科学性、民族性等特点。这些民族独特的舞蹈技术技巧早已达到和超过世界水准，可以与世界上任何一种舞蹈形式相媲美。
基于以上认识，我们确立大学以中国古典舞基础训练为主体的“纵向性”教学大纲；围绕应用转型，重新梳理与认识“舞蹈基础训练”课程的教学理念、教学内容、教学模块与教学目标；根据高校学生认识与理解能力较强的特点，本着“知其然知其所以然”的教学思想，在高校舞蹈“基础训练”课程的实践上进行以下三个方面“相结合”的教学尝试与改革。
一、科学规划教学大纲，加强理论教学与实训教学相结合。
教学大纲是课程教学的总纲要，科学、合理、系统地进行规划有利于“舞蹈基础训练”这门课的应用转型教学。所谓科学，对于“舞蹈基础训练”这门课程而言，就是用尽量少的训练动作，从简单到复杂，循序渐进地、系统地、全面地解决所有（尽量多）的基础训练教学问题。舞蹈表演艺术教育以舞蹈动作的技术技能训练与人文的审美风格训练为教学内容，大量舞蹈教学内容必须有的放矢地选择。“舞蹈基础训练”课程教学的问题是学生如何通过有效教学与训练，解决身体动作在“跳、转、翻、控”等方面的舞蹈基础能力的问题。
我们在大纲的总任务中明确提出学生要掌握“中国古典舞基础训练”的基本概念、基本理论和艺术功能；掌握中国古典舞基础训练的技术技法，以及与此相联系的舞蹈风格、韵律、音乐感和艺术表现力。具体要求为：第一，加强跳、转、翻技巧所需的柔韧与力量的训练；第二，跳跃、旋转、翻身各类技巧达到比较熟练和准确的程度；第三，强调舞姿在技巧与组合中的准确性、稳定性及半脚尖的能力；第四，在组合中贯穿民族身法、韵律的要求，并根据学生特点和条件因材施教。根据大纲的总任务与要求又制定了每个学期教学任务。如：第一学期，重点解决腰、腿的软开度与爆发力，同时，着重规整学生体态、基本舞姿，以及基本连接动作规格和正确的动作方法，并在期中后进行“跳、转、翻”技术技巧开法儿。第二学期，仍以基础练习为主，进一步加强本年级跳、转、翻技巧所需的柔韧与力量的训练，进一步强化学生正确动作的方法，并加强“跳、转、翻、控”的单一练习。第三学期，进入以训练技巧为主的阶段。强化“跳、转、翻、控”单一技术技巧的训练，在速度与数量上有所要求，适当进行组合练习。第四学期，仍以技巧训练为主，打下较扎实的技巧基础。“跳、转、翻、控”技术技巧在速度与数量上有所突破，并在风格性组合中练习。第五学期，技巧训练进入巩固和提高阶段。“跳、转、翻、控”技术技巧相对成熟，进行表演性与综合性组合训练，并适当开展技术技巧复合练习。第六学期，技巧训练进入巩固、提高与编创阶段。“跳、转、翻、控”技术技巧比较熟练，学生开展综合性运用，并突出学生个体的特点与特色。
与此同时，我们在制定教学大纲的过程中必须认识到大学生在人格自立、生活自律、知识自W等方面都有较强的自我意识，在“舞蹈基础训练”这门专业技术性极强的课程教学中，充分发挥高校大学生认识能力、理解能力的长处，积极开展“案例式”、“项目式”、“研究型”教学，引导学生探求知识。这样我们规划大纲时将“舞蹈基础训练理论与教学法”融入课程教学中，在大纲前四个学期中安排32节课时，分别讲授“中国古典舞基训概论”、“舞蹈课堂形式与结构”、“中国古典舞的基本形态”、“舞蹈的地面训练”、“中国古典舞的上肢动作”、“中国古典舞的腿部动作”、“中国古典舞的腰部动作”、“舞姿控制”、“旋转”、“跳跃”、“翻身”、“舞蹈术语”、“舞蹈基础训练大纲与教材”等理论内容。这种“理论教学与实训教学”相结合的模式，实际上是改变了过去“舞蹈基础训练”中传统的以“教师为主”口传身授的较单一的教学方式，通过教师理论引导，学生实训提问的“师生互动”复合式教学，使学生理解并掌握“舞蹈基础训练”课程的文化与理念，达到“知其所以然”后自觉自发地进行舞蹈基础训练学习的目的与效果。
二、注重应用教学理念，实行舞蹈技能与舞蹈表演相结合。
教育部“关于地方本科高校转型发展的指导意见”明确提出：推进地方高校转型发展，就是高校和专业向应用技术类型高等教育转型发展，是建设现代职业教育体系的关键一环。实际上，地方高校转型是向高等职业教育的转型，培养高层次技术技能人才。即地方高校转型发展是“以培养产生转型升级和公共服务发展需要的高层次技术技能人才为主要目标”[3]。舞蹈艺术学科高层次应用人才的转型培养是在教学理念上将舞蹈艺术学科的高等教育转向职业人才培养，将舞蹈艺术与社会公共服务和经济发展相联系。那么，舞蹈作为表演艺术，其职业显像是表演。舞蹈艺术职业高等教育要与舞蹈艺术的职业特性“舞台表演”联系在一起，首先是建立课堂到舞台表演的通路，这一通路最合适的选择是剧目教学。以往的剧目教学是单独开设为一门实践课程，它与舞蹈基础课程和风格课程尽管有一定联系，但在逻辑上不甚清晰。现在，我们将它与“舞蹈基础训练”课程教学结合在一起，根据每个学期舞蹈基础训练课程的教学任务与进度，分别要求剧目表演的逻辑层序。如：在第一学期完成独舞规定曲目片段表演；第二学期独舞规定曲目表演；第三学期独舞自选曲目表演；第四学期双（三）人舞自选曲目表演；第五学期群舞规定曲目表演；第六学期群舞自选曲目表演。这样从表演片段至表演作品，从规定曲目至自选曲目，从单独的个体表演至群体的场面表演，既满足教师对规定技术技能教学要求，又侧重学生个性技术技能的表演潜质发挥，逐步过渡和发挥“舞蹈基础训练”课程的艺术职业教育功能。
三、培养应用型舞蹈艺术人才，执行课堂教学与社会实践相结合。
应用型舞蹈人才的培养，最终是走向社会的职业化发展。在学校期间进行课堂教学与社会实践是必然的选项。这项内容主要是在剧目教学的基础上，主动向应用型教学实践转变。执行课堂走向社会，需要教师付出辛勤汗水与休息时间，需要教师对深化转型发展的高度认识。近几年，我校舞蹈专业作为地方高校转型发展的试点，学校与学院十分重视学生艺术培养与地方文化发展相结合，不断拓展校企合作模式，相继与省、市演艺集团和文化、经济投资公司等企业签订战略联盟。如“穿紫河风光带文艺表演”、“《古汉伊人》文化旅游舞剧表演”、“雅韵三湘高雅艺术巡回展演”等。同时，在舞蹈学科各门课程教学中强化艺术表演与创作的应用功能，开展“舞蹈十佳选拔”、舞蹈“三独”人才培养、“舞蹈技能课程考试”等教学的改革。通过课堂教学与社会实践的结合，极大地提高学生的职业教育素养与能力。
综上所述，地方高校舞蹈专业“基础训练”应用转型的实践，就是要抓住地方高校的教学特点，科学合理地规划大纲与教材，将理论教学与实践教学相结合，变“教师为主”的单一方式为“师生互动”的复合方式，引导学生探求舞蹈基础训练的“所以然”，并将之运用到实践中，充分发挥大学生自立、自律、自学的主动性学习作用。同时，地方高校舞蹈专业“基础训练”应用转型要适应社会经济发展需要，根据学科自身职业的特性，积极寻求课程教学与剧目教学相结合，课堂教学与社会实践相结合的教学模式。围绕应用转型发展，深化教学改革，培养出符合我国产业转型升级和公共服务发展需要的高哟斡τ眯鸵帐跞瞬拧
参考文献：
[1]钱正喜.对地方高校转型发展中舞蹈专业基训课程的思考[J].文教资料，2016（13）.
[2]金浩.新世纪中国古典舞发展十年观[M].上海：上海音乐出版社，2011：1.
作为一种综合性的艺术表现形式，歌舞艺术具有叙事能力清晰、情感色彩突出、简单通俗等优点。歌舞表演艺术在我国以及世界上许多其它国家和地区均已由来已久，深受群众喜爱。但是近年来，在各国文化不断碰撞交流以及互联网络不断发展的同时，人们对于艺术形式的审美要求以及审美情趣也发生了明显的变化，因此，歌舞表演艺术在当今社会中的发展可以说是机遇与挑战并存，为了在众多的艺术表演形式中保持优势的竞争地位，进一步扩大消费市场，有必要全面分析歌舞表演艺术今后的发展形势，在此基础上制定合理的歌舞表演人才培养方案。
一、歌舞表演在当今社会的主要发展趋势
我国文化源远流长博大精深，经过长期的历史积淀，我国的许多个民族都形成了自身独特的歌舞表演形式，给人们带来了丰富的视觉享受。比如我国汉族的民间舞蹈花灯、采茶灯、打花鼓、打莲湘、唱春牛、地花鼓、二人台、二人转，藏族的弦子舞，蒙古族的安代舞，等等。但是，任何事物均具有不断发展的特点，如果墨守成规只能走向衰亡，因此，我国社会中歌舞表演艺术的发展一定要紧跟时代的步伐，不断进行变化和创新。笔者认为，今后我国歌舞表演艺术的发展形势主要包括以下方面：
（一）专业化与多元化相互结合。近些年来，我国居民在精神产品方面的消费不断增加，审美品位和鉴赏能力也在不断提升。对于艺术产品，消费者在追求视觉享受的同时，也更加在乎这一艺术表演形式是否制作精良，是否专业。因此，为了满足观众的审美要求，表演者要不断提高自身的专业素养。但与此同时，当前的文化艺术形式已经进入到了一个全新的多元化时代，任何一种单一的艺术形式都不能够长远的生存和发展下去，因此歌舞艺术团队在进行人才招聘的过程中，一定要注重考察人才的综合素养能力，考察其在具有专业的歌舞表演艺术的同时是否具备其他才能，只有充分保证团队中人才素质的综合性，才能够在现有的歌舞表演艺术形式的基础上进行不断的丰富和创新，实现歌舞表演艺术形式的多元化。
（二）世界性与民族性的不断融合。专业的舞台剧等歌舞表演形式在我国的发展尚处于初级阶段，因此在未来阶段内，需要不断加大这种文化艺术形式推广与宣传。但是与此同时，为了确保这种艺术形式能够在短时间内得到广大人民群众的认同，需要在不断的舞台表演过程中总结艺术经验，实现西方文化形式与我国传统艺术形式的不断交流与融合。想要顺利的实现这种趋势的发展和转型，需要做到两方面内容：1.国家相关部门必须要给予歌舞表演艺术充分的发展空间，给予其相关的优惠发展政策，同时给予一定的经济补贴，降低歌舞欣赏艺术的表演门槛，促进歌舞艺术形式在群众文化中的发展与完善。与此同时，国家需要对我国传统的歌舞表演艺术形式进行全面的保护，吸引更多的年轻人进行传统歌舞表演的艺术传承，促进这些文化艺术的长远发展；2.各相关艺术表演团体以及民间艺术文化表演团队需要加强合作，不断增加对歌舞表演艺术的宣传和推广。事实上，本世纪初以来，我国相关文化部门就已经联合电视台进行了关于歌舞表演艺术的宣传节目，以集中、全面、多元的角度，充分向全国、全世界的电视观众展示了中华民族优秀灿烂的歌舞文化。近年来，各种智能移动设备以及互联网络的不断发展又为歌舞表演艺术形式提供范围更广、速度更快的宣传平台和途径。
（三）题材的不断丰富化以及表现手法的不断创新化。歌舞表演艺术作为一种人民群众喜闻乐见的艺术表演形式，其突出特点表现文通俗易懂。在新时期内，想要实现歌舞表演艺术的繁荣发展，就要深入的挖掘并利用这种优势，在展现的题材上，歌舞表演艺术需要不断突破以往的局限，更多的以人们身边看得见、摸得着的事物作为艺术题材，这也就是目前经常听见的“接地气”，只有如此，才能让观众了解到歌舞表演与时俱进的特点，更加深入的感受到歌舞表演的魅力。比如在中华人民共和国庆祝60诞辰之际，相关主创单位为了创作出一场与当年“东方红”一样轰动、具有历史意义的大型音乐舞蹈史诗，主创单位调集了中国目前最优秀的演出团体与教学机构，如中国歌剧舞剧院、中央芭蕾舞团、总政歌舞团、海政歌舞团、空政歌舞团、中央音乐学院、北京舞蹈学院等共同出演。这场演出气势磅礴、耗资巨大、规模空前，体现了中国歌舞艺术的最高成就，是旷世之作。与此同时，我国歌舞表演的恢弘壮阔充分的展现在了人们的面前，使人们为之叹服。除此之外，歌舞表演艺术想要持续获得良好的发展，就一定要勇于创新艺术表现形式，在原有展现形式的基础之上，不断吸取其他艺术表演形式的长处，融会贯通，完成表现形式的创新。我国著名舞蹈表演艺术家杨丽萍在2003年突破传统表演方式，在音乐元素、舞蹈动作及舞台美术等方面做了全新的尝试，成功地导演并创作大型原生态歌舞集《云南印象》。在2009年，杨丽萍又亲自编导并主演《云南映像》的姊妹篇《云南的响声》，再获成功。可见在当今社会，只有勇于求新、求变，才能在艺术市场竞争激烈的环境中占据优势。
二、歌舞表演对人才的基本要求
根据上述对于歌舞表演艺术形式未来阶段内的发展形式的分析，可以得出这样的结论：目前我国所需要的歌舞表演人才既需要具有较高的艺术修养，又必须同时具备表演其他艺术形式的才能，总之就是必须要具备较高的综合素质能力。
目前，我国的歌舞表演艺术者大多以学院派专业化人士为主，此类型人才的突出特点表现为具有极高的专业度，在某一领域均可能达到较高的艺术造诣。而我国的歌舞表演人才培养形式也以专业化培养为主。仅声乐艺术就涵盖了西洋美声、中国民声、原生态以及通俗等唱法。舞蹈教学又分为中国古典舞、民间舞、外国芭蕾舞、现代舞、社会舞蹈等多个专业。然而，歌舞表演艺术是一种综合性的艺术表演形式，表演者必须恰到好处的把握和研究各种研究对象，因此在未来阶段内，相关艺术院校在进行艺术人才培养的过程中有必要扩展课程内容，在理论学习的基础上，争取更多参与舞台表演的机会，实现艺术理论与艺术实践的完美结合。
三、结语
总而言之，在我国文化艺术市场形势不断明朗的今天，居民在艺术精神产品方面消费的不断提升已经成为了一种必然的发展趋势。在这种社会形势下，歌舞表演艺术想要不断发展就一定要在坚持自身特色的基础上进行文化创新，以市场为导向进行人才培养，为我国的歌舞艺术提供源源不断的高素质、综合性人才。
学校名称：天津艺术职业学院
学校代码：12882
办学类型：公办高等职业学院
学校历史：天津艺术职业学院成立于2002年，是由中国北方曲艺学校和天津市艺术学校共同组建而成的国办全日制综合性艺术类高职学院，隶属于天津市文化广播影视局。
办学条件：学院地理位置优越，地处天津文化副中心地带，毗邻地铁9号线的一号桥站,交通便捷。学院行业优势明显，师资力量雄厚，教学特色鲜明，办学成果显著，在全国享有较高的社会知名度。
人才培养：学院以传承、发展中华传统民族文化和服务天津文化强市发展战略为宗旨，以社会需求为导向，走产学研相结合的发展道路，努力培养大批德才兼备、适应文化大发展大繁荣需要的高素质应用型专门人才。
就业形式：学院成立以来，为局所属的各级各类院团、展览馆、博物馆、天津大剧院、华夏未来等单位输送了大批专业对口的优秀毕业生，始终保持较高的就业率，现已成为与天津国际港口城市和北方经济中心地位相匹配的现代化艺术人才培养基地。
招生专业介绍：
曲艺表演 专业代码：650205 所属院系：曲艺系
培养目标：培养掌握相声、快板、评书、小品、魔术、鼓曲演唱、曲艺伴奏等多种曲艺表演艺术形式的基本理论和表演技能，能在各级各类艺术团体从事专业曲艺表演和承担群众文化艺术辅导教学等工作的应用型专门人才。
核心课程：曲艺表演专业基础课、曲艺作品欣赏、中国曲艺史、曲艺概论、曲艺作品选讲、相声(鼓曲)写作、戏剧理论等。
表演艺术(幼儿艺术) 专业代码：650201 所属院系：学前艺术教育系
培养目标：依托我院艺术门类齐全的资源优势，为适应目前幼儿艺术教育岗位人才紧缺的市场需求，培养能够在各类幼儿园、艺术培训机构等相关行业，从事音乐、舞蹈、主持及中国传统艺术表演等多种艺术形式的幼儿艺术教育及培训工作的技术技能型人才。
核心课程：幼儿教育学、幼儿心理学、幼儿舞台音乐剧创编、幼儿钢琴辅导、幼儿舞蹈编导、幼儿园活动设计与指导、艺术概论、舞台化妆等。
音乐表演 专业代码：650219 所属院系：音乐系
专业方向：(1)声乐 包括美声、民族和通俗唱法。
(2)器乐 包括中国乐器、西洋管弦乐器、钢琴、电声乐器演奏。
培养目标：培养具有音乐表演的专业知识和艺术素养，有较强的音乐演绎能力，能在各级各类艺术团体和学校从事音乐表演、教学及与音乐活动组织管理工作及丰富企业文化的应用型专门人才。
核心课程：演唱、演奏、基础乐理、视唱练耳、和声基础、民族民间音乐、曲式、指挥基础、合唱与合唱指挥、乐器合奏、形体、台词与表演等。
舞蹈表演 专业代码：650207 所属院系：舞蹈系
培养目标：培养具有舞蹈表演的专业知识和舞蹈编导能力，掌握舞蹈表演专业技能，能在各级各类专业院团、群众艺术团体及演艺公司进行舞蹈表演、编创的应用型专门人才。
核心课程：芭蕾舞基训、中国舞基训、中国民族民间舞、外国民间舞、身韵、剧目、舞蹈编导、舞蹈艺术概论、舞蹈鉴赏、乐理等。
人物形象设计 专业代码：650122 所属院系：文化管理系
培养目标：培养具有较高文化修养，能在广告文化传播公司、形象设计公司、艺术院团等相关单位从事美容护肤、发型设计、服饰搭配、化妆造型等人物形象设计工作的高级技术技能型专门人才。
核心课程：服装设计基础、化妆造型设计、艺术甲饰、发型设计与制作、美容技术、化妆品制造与应用、美容医学基础、人物形象设计实践等。
舞台艺术设计与制作(舞台技术) 专业代码：650218 所属院系：舞美文博系
培养目标：培养掌握舞台技术的基本技能，具备一定的舞台艺术能力，能熟练使用各类舞台设备及舞台道具、能够在各演出团体的舞美中心、各类演出场馆和广告传媒公司从事舞台设计、管理、服务的技术技能型人才。
核心课程：舞台设计、舞台灯光基础、舞台音响基础、布景技术、计算机辅助设计、绘画、汇景、摄影摄像基础、舞台与影视道具制作等。
8、播音与主持 专业代码：660202 所属院系：文化管理系
培养目标：培养熟悉礼仪庆典活动市场，具备良好的口才和一定的组织能力，能承担各种庆典活动的策划与主持工作，并在广播电视及其他新闻部门从事采访、编辑、节目策划主持、媒介经营管理等工作的应用型专门人才。
核心课程：播音基础、庆典策划与主持、台词表演、语言训练、广播电视编导、电视专题制作、形体、配音艺术等。
12、摄影摄像技术 专业代码：660213 所属院系：文化管理系
培养目标：培养掌握较扎实的影视理论基础、较强的影视制作和市场营销策划能力，具备影视拍摄和后期制作技术能力，能在各类文化广播影视公司的宣传部门从事影视拍摄、影视广告制作、摄像、编导及后期制作等相关工作的高级技术技能型人才。
核心课程：摄影构图、摄影曝光技术、相机实用技艺、摄影色彩构成、影视后期制作、影视美学、影视照明技术、数码相机使用实训、摄像技术、广告摄影摄像等。
所有报考我校艺术类专业的考生，均须参加考生所在省市组织的艺术类统(联)考测试。凡所在省市统(联)考测试未涉及到的专业，考生可参加我校自行组织的专业测试。同时我校也承认其他院校同类专业校考合格成绩。如遇不允许我校承认其他院校同类专业校考合格成绩的省市，考生必须参加我校自行组织的专业测试。
我校曲艺表演专业只承认我校自行组织的专业测试合格成绩。
校考专业测试：
考试地点：天津市河东区娄山道27号
考试时间：2015年3月19日(初试); 2015年3月20日(复试)
考试内容：
曲艺表演：语言能力测试、无实物命题表演、才艺展示(曲艺、魔术、模仿类优先)、曲艺常识问答。
表演艺术(幼儿艺术)：专业主项测试(声乐、器乐、舞蹈任选其一);专业技能测试(儿歌弹唱、儿童舞蹈、儿歌表演唱任选其一，不与专业主项重复);命题儿童故事;主题简笔画;职业心理测评。
播音与主持：形象气质展示、语言能力测试(自选内容，体裁不限)、即兴语言组织表达、才艺展示。
音乐表演：专项测试(分声乐、器乐，考生根据自己专长任选一门作为专项参加测试)、乐理测试、音乐素质测试(听音、视唱)。
舞蹈表演：基础项目测试、动作模仿、即兴舞蹈、舞蹈剧目片段表演、节奏测试。
报名办法：
1、考生可于2016年1月16日起登录学院网站的招生就业专栏进行网上预报名。
2、完成网报的考生可于2016年2月22日起至考试前，到学院招生就业处现场办理确认手续，同时审验报考资格、缴纳报名考务费、发放专业考试准考证。
3、现场确认时，考生须携带相关材料。
①户口本(原件、首页及本人页的复印件);
②身份证(原件及复印件);
③一寸蓝背景免冠照片四张(每张照片背面注上考生姓名);
④学历证书(原件及复印件)(往届生提供);
⑤带有以“16”开头的14位考生号的各类准考证(复印件);
4、若考生进行了网上报名，但未在规定时间内现场确认的，视为无效。
5、如遇特殊问题的，及时将情况反馈至我处。
录取原则：
一、学院院校志愿录取以志愿优先为原则，即按考生填报的院校志愿顺序，从高分到低分录取第一志愿报考我校的考生，当各省、市公布的同批次最低控制线上第一志愿报考我院的人数少于招生计划时，再录取第二志愿报考我院的考生，依此类推。实行平行志愿省份，录取以所在地省级招生主管部门规定的录取规则为准。
二、学院专业志愿录取以分数优先为原则，依次按照考生填报的专业志愿顺序录取。在考生所报专业志愿均未被录取情况下，对服从专业调剂者，可调到未录满专业;对不服从调剂者，作退档处理。专业志愿不设分数级差。无男女生比例。
三、艺术类专业录取时，对于组织艺术类统(联)考测试的专业，执行各省市划定的文化课与专业课的录取控制分数线，将已投档的考生依照考生填报的专业志愿，按文化课与专业课成绩总和从高至低顺序录取;
对于院校自行组织专业测试的专业，在考生专业成绩合格的前提下，执行各省市划定的文化课录取控制分数线，将已投档的考生依照考生填报的专业志愿，按文化课成绩从高至低顺序录取。
若考生所在省、自治区、直辖市招生主管部门制定相关艺术类专业录取原则，以所在地省级招生主管部门规定的录取规则为准。
如有调整，以考生所在省、市招生委员会制定的艺术类专业录取原则为准。
四、符合有关加分政策的考生，按国家有关规定择优录取。
收费标准：
按天津市教育委员会、天津市物价局规定的标准收取，艺术类学生8000元/年，普通类学生5000元/年。
学院地址：天津市河东区娄山道27号
咨询电话:022-58911913、58911936
学院网址: arttj.cn
一、表演者的艺术感染力
作为声乐表演者，其表演的作品需要具有一定的艺术感染力，才能更好吸引观众融入作品之中，因此，演唱者需要对自己的声音技巧进行准确掌握，并不断优化声音表现能力。与此同时，声乐表演也需要表演者具有生理方面的优势，通过日常不断积累练习，对声音形成独特的审美感受，并在心中对作品的艺术形象进行生动勾勒，从而对声乐表演艺术产生愉悦的审美体验。在实际表演过程中，表演者要在基于作品内涵的基础上，结合自己的声音，表现出良好的声音美感，从而激发听众情感上的共鸣。此外，音色上的审美也是声乐表演艺术中的重要审美因素之一，作为声乐表演者，在日常生活中和表演中也要对音色进行细致研究，通过音色的完善使声乐作品的表达更加出彩，情感更加浓厚，审美价值更高。
二、音乐感觉的体验
在声乐艺术表演过程中，音乐感觉审美也是必不可少的重要环节，表演者在声乐演唱过程中，通过音乐感觉可以在心理上产生一种愉悦感受，并在表演中将这种愉悦感表现出来，间接带给听众以同样愉悦的体验。作为声乐表演艺术者，除了要不断加强自身在演唱方面的基础训练外，还应对自身的音乐审美进行培养。通过在基础训练过程中对不同音准、节拍、速度等方面的感受，以及日常生活中对生活愉快、悲伤的体验，对人们心理、情绪的揣摩，在大自然中对美丽自然的感悟，倾听优秀音乐作品、观察其他歌唱家表演等过程，体会不同的音乐风格，从而使自己的音乐体验更加丰富，音乐审美价值得到提升。
三、演唱情感的升华
情感是人类一种自然的心理反应，在声乐表演中，演唱者如果对作品情感进行了完整诠释，欣赏者也将在演唱者的表演中发挥无限想象力，发挥其思维能动性，得到深刻的审美体验。人的情感是十分丰富的，且表现方法多种多样，在不同的社会环境以及历史条件下，作者在音乐作品中对情感的表达方式也不尽相同。在声乐表演过程中，对音乐作品进行生动表现，离不开表演者对作者思想与内涵的深刻理解，作品中的社会意义、时代精神都需要都通演唱者的演绎，对音乐作品中的情感进行适当把握，升华情感，从而将音乐作品的内涵挖掘出来，带给听众深厚的审美体验。
四、丰富的个性与美感
声乐表演者自身应当具备较强的审美体验，才能对作品进行更完美诠释，其表演过程以及艺术形象塑造才能打动人心。在声乐艺术作品形象的塑造过程中，对于不同作品的情感变化与内心活动，应当表现出丰富的个性，表演者在作品表演中，将独特的情感融入其中，作品的立体感将更强，音乐形象也会更加饱满。此外，声乐作品的塑造也应当具有一定的独创性，演唱者在对作品解读过程中融入自身在生活中获得的审美体验，将两者有机结合，使声乐作品的情感与个性表达更加传神，更具创新性。艺术形象的美感也是声乐表演中不可或缺的重要组成部分，在艺术形象塑造过程中，演唱者要融入自己对美的理解，根据艺术美的要求进行声乐表演，使观众在具有艺术美的艺术形象塑造中获得美的享受。
五、结语
综上所述，声乐表演者在声乐表演艺术中要实现审美的体现，需要从多方面为欣赏者提供审美感受，如，通过歌唱的审美认识、审美观念以及审美感受等。这就需要声乐表演者在声乐表演中，从感觉审美以及声音、情感审美等方面着手，积极探索声乐艺术的美，对作品内涵进行深刻剖析，在生活过程中积累丰富的情感，使自身对于作品的塑造能力不断提升，使情感表达更加丰富，艺术形象塑造更加完整，从而使声乐作品审美价值更高。
作者:安庆武 单位:河南大学
参考文献：
[1]赵志奇.艺术传播学视野下声乐表演艺术的审美心理外层结构研究[J].现代传播(中国传媒大学学报)，2016,(01):166-167.
【摘要】古典舞技术技巧对古典舞来说十分的重要，它的好坏直接影响到古典舞艺术水平。好的古典舞技术技巧影响古典舞艺术良好发展的重要部分，因此我国的古典舞基础技术技巧的要求非常高。所以这就要求古典舞表演者有较强的基础技术技巧才能推动古典舞的发展，实现古典舞的艺术价值。
【关键词】古典舞 训练 技术技巧 发展
古典舞是中国舞蹈中极具特点的一种类型，古典舞的表演方式主要是以民族的审美观为主。传统的舞蹈技巧吸取了古代戏曲和中国武术的精华，又随着时代的推移融入了大量西方舞蹈艺术，这样吸古融今的舞蹈发展，既适应了现代的发展需求，又传承了古典舞的魅力。本文就是通过对古典舞技术技巧的研究，有效的促进古典舞的发展。
一.古典舞技术技巧的发展
男女性舞蹈表演者的人w生理结构和运用规律不同，所以在舞蹈技术技巧的运用中要分类对待。舞蹈技巧的训练应根据不同的问题来突破它的局限性，有效保障教学模式与舞蹈表演者的良好互补，保障共性化发展，推动古典舞蹈技术技巧的优良发展。近几年技术神韵化成为古典舞艺术发展的一种趋势，融入神韵化的古典舞其风格更具特色，技术神韵化扎根于古典舞技术技巧、风格韵律、舞蹈表演中，能够有效将古典舞艺术的美感发挥出来。这也是现代古典舞艺术发展的重要内容。随着舞蹈艺术教育的科学化、规范化，古典舞蹈技术技巧也应顺应其而改变。为了有效发挥技术技巧在舞蹈艺术作品中的作用，古典舞技术技巧的训练形式应从新定义技术极限化发展形式出发，制定一致的发展目标，将技术与艺术有效结合，实现古典舞的艺术价值。技术技巧也是古典舞的一项重要部分技术技巧局限于人体的结构，为避免出现俗套的现象，就要摆脱传统单一的技术技巧，将高难度，具有特点的技巧融入作品中，多变的技术技巧，会给观众一种视觉冲击，有效推动古典舞技术技巧发展。
古典舞表演者要提升自己的技术技巧就应在训练中注重跳、转、翻这三项内容进行科学，正确的训练方式。舞蹈表演者还应紧随古典舞的发展趋势，不但要提升自身能力，还应推动古典舞发展。
二、古典舞技术技巧的科学训练内容
（一）古典舞技术技巧中跳的训练
舞蹈中的跳和现实中是不同的，他是将力量、速度、协调性和灵巧性融合于一体的综合性弹跳能力。人身体骨骼肌肉力量的大小、肌肉收缩快慢的速度都是影响表演者弹跳的因素。弹跳的关键主要是大腿力量和弹跳协调性构成。古典舞的弹跳技巧是以一种循序渐进的方式进行的，由简到难，这样不但可以提高表演者的弹跳技巧，也为表演者学习其他舞蹈技术技巧奠定基础。蹲的训练是提高弹跳能力的必学之课，把杆上的一、二、五位蹲训练都是给舞蹈表演者提高弹跳能力做的基础训练内容。从而保障跳达到舞蹈艺术的标准。轻腿训练可以有效的保障舞蹈表演者在最短时间内达到标准。
（二）古典舞技术技巧中转的训练
古典舞中旋转是一个重要的部分，而协调性也是旋转中最基础的一部分，舞蹈表演者旋转的好与坏，绝大多数是协调性所控制的。古典舞的转吸取了大量芭蕾舞的艺术，但又不同于芭蕾。芭蕾的旋转是在直立状态下完成的，而古典舞则将民族特色融入其中，在直立状态下还要保持腰背收紧，注意头的摆动速度和重心的把握。身韵独有的韵律和特点也十分重要，注重身韵的表现才能保障舞蹈更具流畅性，更具吸引力。
（三）古典舞技术技巧中翻的训练
古典舞对表演者腰部动作的要求非常高。因为腰部动作是完成翻身的重要部分。翻身的训练主要以跨为中心轴，在身体保持倾斜状态下进行的，翻身训练中表演者的身体协调性十分重要。翻的动作要将表演者身、眼、手、步有机的协调在一起，因为表演者在训练翻时要求十分严格。只要按照一定规律进行翻身动作，才能保障身体动作的一致性与流畅性。
参考文献：
[1]杨成.舞蹈中跳、转、翻技术技巧训练的特点与运用――以中国古典舞为例[J].艺术研究.2015（02）
[2]吕碧.浅谈中国古典舞技术技巧的训练与应用[J].戏剧之家.2015（21）
[3]张云艳.关于中国古典舞中旋转技巧的基础训练研究[J].黄河之声.2013（20）
[4]朱晓峰.论中国古典舞旋转技巧训练及应用韵[J].艺海.2013（06）
[5]寇文.谈当代中国古典舞的技巧训练[J].艺术科技.2013（03）
[6]赵志连.中国古典舞旋转能力的培养[J].乐府新声（沈阳音乐学院学报）.2010（02）
全力建设舞台艺术表演实践的基地
建设舞台艺术表演实践的基地是音乐专业教学的重要保障。浙江艺术职业学院为加强以舞台为核心的艺术实践教学,以营造“校内实践基地职业环境真实化”为目标，建设了实验剧场、电影院、音乐厅、小剧场、琴房、演播厅、录音棚等综合实验、实训场馆，制定了“一个环境，一个平台加七个中心，四个基地”的总体规划和布局。“一个环境”，即营造一个以表演艺术为中心，集相关艺术设计、艺术技术、艺术管理、视觉艺术为一体的真实艺术职业环境；“一个平台加七个中心”，即一个艺术基础实训平台加上戏剧表演、音乐表演、舞蹈表演、舞台影视美术设计、舞台影视声像技术、文化市场经营与管理、学院附属中专表演艺术七个实训中心；“四个基地”，即艺术类高等职业应用人才培养基地，高等、中等表演艺术类师资和文化管理干部培训基地，艺术研究和相关技术开发应用推广基地，社会艺术水平考级和文化行业职业技能培训和鉴定基地。并且，在校外建立78个实践教学基地，覆盖了全省各文化行业，包括中小学艺术教学实践基地、剧团艺术表演实践基地，娱乐场所和剧场的音响、灯光控制和维修实践基地、美术音乐舞蹈采风、写生、创作基地等。通过基地的教学实践实现“三个融合”，即“教学与舞台实践相融合，教学与创作、研究相融合，实践教学与学生职业素质培育相融合”。
学院将舞台实践作为艺术教育最重要的教学模式，通过作品的排练、演出，激发学生的艺术体验、艺术感受和艺术创造能力，使学生的专业能力转变为未来岗位需要的基本素质，最后，向社会展示自己，接受社会的考验。
着力夯实舞台艺术表演实践的基础
“音乐教育的特殊性，乃是音乐艺术本身的特殊性的一种功能。”随着音乐教育的发展，高校音乐教育的讲台与舞台之间的联系会越来越紧密，在一定程度上逐渐体现出音乐教育的特殊性。因此，以往的教学模式应进行改革，必须通过发挥琴房效应、展现示范效应、注重习惯效应和体现修养效应，着力夯实舞台艺术表演实践的基础。
1、发挥琴房效应。把琴房当作一个小舞台，让学生尽情的在这小舞台中表现自我，是舞台实践的基础。学生在琴房演唱或演奏时，应注意给学生分析作品，使学生理解作品的含义、充分体会其内涵，并加强基本功训练，反复练习演奏技巧，突破技术难点。熟能生巧，只有在琴房小舞台上演奏自如，才能到社会大舞台上尽情发挥。
2、展现示范效应。“在音乐教学中，同样一个教学内容由不同的教师来组织教学，其效果往往大相径庭。一节优秀的音乐课，从课的设计到课的进行，无不透露出教师的独创性和个人风格，而这种独创性和个人风格，在课堂中体现了教师的教学艺术。教学艺术的实质是教师本人独特的创造力和审美价值在教学中的体现，是教师将教学规律与独创性相结合；是教师引导学生在有限的时间里，最大限度地获得音乐美感的过程。”在表演教学中，教师要多示范演奏，把学生带入音乐的情感当中，展示演奏技巧及乐曲情感的魅力，培养学生的音乐感、耳音和节奏感觉及灵敏度，激发学生的学习热情和创造性，进一步提高“神”“情”结合的器乐表演能力。
3、注重习惯效应。通过表演训练，培养学生良好的舞台表演习惯，从身姿到脚步的移动，从手势到眼神，都是很细致的研究课题。俗话说“台下十年功，台上三分钟”，如果台下没有扎实的功底，在台上的表演就将会措手不及、洋相百出。只有做好台下的训练后再进行台上的艺术表演，才能充分体现自我，从中发现问题而不断完善，形成台上台下的统一体，完成一个音乐表演专业应具备的素质。此外，教师的外因也是要通过内因才起作用的，“师傅领进门，修炼在自身”，只有平时严格要求，养成良好习惯，舞台表演才得心应手，游刃有余。
4、体现修养效应。对于作品的赏析过程还需要器乐演奏者具有厚重的文化艺术修养，在学习和掌握技巧的同时，更应不断充实自己的美学和音乐历史知识，造就一种良好的文化艺术修养，这是提高音乐作品进行正确赏析的前提，它能帮助器乐学生更好地理解音乐作品的创作意图，确定音乐的主题，对作者及作品背景的了解，还可以加深理解作者的情绪和内心世界，从而使器乐表演者的演奏技巧达到“先会后巧”最终达到“知其神韵’的境界，使我们的器乐学生在器乐表演过程中，用他们自己的能力和最高的演奏水平，来表现出他们自己的内心世界。
精心组织舞台艺术表演实践的活动
